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Hoffmann]]></category><category><![CDATA[Filmgeschichte]]></category><category><![CDATA[Frankenstein]]></category><category><![CDATA[Fritz Lang]]></category><category><![CDATA[Golem]]></category><category><![CDATA[Gothic Novel]]></category><category><![CDATA[Kunstgeschichte]]></category><category><![CDATA[Künstliche Intelligenz]]></category><category><![CDATA[Künstliche Lebensformen]]></category><category><![CDATA[Künstliche Lebewesen]]></category><category><![CDATA[Literaturgeschichte]]></category><category><![CDATA[Mad Scientist]]></category><category><![CDATA[Mary Shelly]]></category><category><![CDATA[Metropolis]]></category><category><![CDATA[Mr. Hyde]]></category><category><![CDATA[Paul Wegener]]></category><category><![CDATA[Robert Louis Stevenson]]></category><category><![CDATA[Schauerromantik]]></category><category><![CDATA[Schwarze Romantik]]></category><category><![CDATA[Stummfilm]]></category><category><![CDATA[Thea von Harbou]]></category><category><![CDATA[Weimarer Kino]]></category><guid isPermaLink="false">http://incinemaveritas.com/?p=704</guid><description><![CDATA[Zu Beginn der 1920er Jahre manifestierten sich die noch frischen Schrecken des Ersten Weltkrieges als filmische Alptraumvisionen auf den hiesigen Kinoleinwänden. Das Übernatürliche und Böse wirkt in den Produktionen der damaligen Zeit omnipräsent. In den vorangegangenen Artikeln huschten Hexen, Teufel, Wiedergänger und Gevatter Tod an unseren Augen vorbei. Wiederholt wiesen dabei die Schattengestalten des Stummfilms Bezüge zur literarischen und kunsthistorischen Vergangenheit Europas auf, namentlich zur Schwarzen Romantik. 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Das Übernatürliche und Böse wirkt in den Produktionen der damaligen Zeit omnipräsent. In den vorangegangenen Artikeln huschten Hexen, Teufel, Wiedergänger und Gevatter Tod an unseren Augen vorbei. Wiederholt wiesen dabei die Schattengestalten des Stummfilms Bezüge zur literarischen und kunsthistorischen Vergangenheit Europas auf, namentlich zur Schwarzen Romantik. Zum Abschluss der Themenreihe wollen wir ein letztes Mal zurückreisen, um jenen düster-romantischen Motiven nachzuspüren. Zur Abwechslung stehen diesmal keine finsteren Mächte im Mittelpunkt, die unbemerkt von außen an die Protagonisten herantreten. Vielmehr handelt es sich um von Menschenhand eigens geschaffene, künstliche Lebensformen, die in <em>Der Golem, wie er in die Welt kam</em> (1920) und <em>Metropolis </em>(1927) für Unheil und Verderben sorgen. </p><span id="more-704"></span><p><strong>Schwarzromantisches Metropolis?</strong><br>Auf den ersten Blick bietet die UFA-Produktion <em>Metropolis </em>sicherlich nicht allzu viel Raum für charakteristische Motive der Schauerromantik, führt doch die Geschichte in eine futuristische Megacity voll von sozialen Missständen. Während die Arbeiterklasse der Stadt untertage durchgängig gigantische Maschinen in Betrieb hält, genießt die lokale Elite bei Spiel und Sport das Leben. Inmitten einer sich anbahnenden Revolution bittet der Stadtgründer Joh Fredersen (<strong>Alfred Abel</strong>) den Wissenschaftler Rotwang (<strong>Rudolf Klein-Rogge</strong>) um Unterstützung. Dieser soll mit Hilfe eines Roboters, welcher der Rebellenführerin Maria (<strong>Brigitte Helm</strong>) aufs Haar gleicht, Zwietracht in den Reihen der Aufständischen säen. Zu spät bemerkt Fredersen, dass Rotwang die Gunst der Stunde nutzt, um seine eigenen teuflischen Pläne mittels Maschinenmensch in die Tat umzusetzen. </p><div class="wp-block-jetpack-slideshow aligncenter" data-effect="slide"><div class="wp-block-jetpack-slideshow_container swiper-container"><ul class="wp-block-jetpack-slideshow_swiper-wrappper swiper-wrapper"><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-746" data-id="746" src="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/05/Metropolis-1-2.png?w=640" srcset="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/05/Metropolis-1-2.png?w=720 720w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/05/Metropolis-1-2.png?resize=300%2C225 300w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/05/Metropolis-1-2.png?resize=360%2C270 360w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" data-recalc-dims="1" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption">© Universum Film/Murnau Stiftung</figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-745" data-id="745" src="https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/05/Metropolis-2-2.png?w=640" srcset="https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/05/Metropolis-2-2.png?w=720 720w, https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/05/Metropolis-2-2.png?resize=300%2C225 300w, https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/05/Metropolis-2-2.png?resize=360%2C270 360w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" data-recalc-dims="1" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> © Universum Film/Murnau Stiftung </figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image 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alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-749" data-id="749" src="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/05/Metropolis-01-2.jpg?fit=640%2C480" srcset="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/05/Metropolis-01-2.jpg?w=1024 1024w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/05/Metropolis-01-2.jpg?resize=300%2C225 300w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/05/Metropolis-01-2.jpg?resize=768%2C576 768w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/05/Metropolis-01-2.jpg?resize=360%2C270 360w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> © Universum Film/Murnau Stiftung </figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-741" data-id="741" 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Hierbei stechen vor allem die Bezüge zur romantischen Literatur heraus, schließlich sahen sich bereits dort die Protagonisten wiederholt mit artifiziellen Lebensformen konfrontiert. Der beinahe jedwedem Fortschritt inhärente Zwiespalt zwischen Segen und Fluch sorgte natürlich dafür, dass sich einige der damaligen Schriftsteller – sowohl hierzulande als auch in Großbritannien – den abgründigen Facetten jenes schöpferischen Akts verpflichtet fühlten. Hierbei gebührt der Britin <strong>Mary Shelley</strong> die Ehre, den literarischen Prototypen, an dem sich heutige Werke noch immer messen lassen müssen, erschaffen zu haben. Doch obgleich der Nachhall ihrer <em>Gothic Novel Frankenstein</em> <em>or The Modern Prometheus</em> (1818) bis dato anhält, soll hier zunächst die Verbindung zwischen den deutschen Literaten der Schauerromantik und <em>Metropolis </em>(Roman und Drehbuch: <strong>Thea von Harbou</strong>) im Fokus stehen. Die Roboterfrau des <em>Mad Scientist</em> C.A. Rotwang lässt dabei insbesondere einen Namen vor dem geistigen Auge aufblitzen: <strong>E.T.A. Hoffmann</strong>. </p><p><strong>Vergangenheit und Zukunft – E.T.A. Hoffmanns Spuren in Metropolis</strong><br>Obwohl <strong>E.T.A. Hoffmann</strong> (1776 – 1822) zu Lebzeiten als Jurist, Komponist, Karikaturist, Maler und Zeichner in Erscheinung trat, ist er vor allem durch seine Arbeit als Schriftsteller (<em>Die Elixiere des Teufels, Das öde Haus</em>) in Erinnerung geblieben. Mit Vorliebe handelten die Geschichten des Königsbergers von fantastischen wie übernatürlichen Begebenheiten, weswegen er alsbald den Spitznamen <em>Gespenster-Hoffmann</em> trug. Neben zahlreichen metaphysischen Phänomenen bevölkerten zudem wiederholt künstlich geschaffene Lebensformen seine Erzählungen. Während jedoch beispielsweise in <em>Die Automate</em> (1814) die Aufziehpuppe als solche deutlich zu identifizieren ist, dreht sich in <em>Der Sandmann</em> (1815) alles um die folgenschwere Verheimlichung dieser Tatsache (<a href="http://books.google.de/books?id=8-Dyi3h1JFgC&pg=PA334&lpg=PA334&dq=e.t.a.+hoffmann+die+automate+1814&source=bl&ots=JZVtC5oowm&sig=3V3rWTtULu0doUb-v3KVtSvMKsQ&hl=de&sa=X&ei=XJ-4UrKSE4bbsgawooGYDQ&ved=0CFMQ6AEwBA#v=onepage&q=e.t.a.%20hoffmann%20die%20automate%201814&f=false">E.T.A. Hoffmann, Der Sandmann</a>). Der junge Protagonist Nathanael verfällt in jenem Kunstmärchen dem Charme des Automaten Olimpia – eine teuflische Erfindung des Gespanns Coppelius/Coppola und Spalanzani. Zusehends steigert er sich in ein imaginäres Verhältnis zu dem artifiziellen Wesen und verliert dabei Stück für Stück den Blick für die Realität. Im direkten Vergleich offenbart sich Student Nathanael somit als geistiger Vorfahre all jener Männerscharen, die in Metropolis den lasziven Reizen der Roboter-Maria anheimfallen und auf ihr Geheiß sogar die lebensnotwendigen Maschinen der Stadt sabotieren.</p><p>Abseits der künstlichen Lebensformen à la <strong>E.T.A. Hoffmann</strong> instrumentalisiert <strong>Fritz Langs</strong> <em>Metropolis </em>noch ein weiteres populäres Motiv der Schauerromantik und spannt dadurch erneut den Bogen zwischen außerfilmischer Vergangenheit und filmischer Zukunftsvision. Abermals markiert die Schöpfung des Wissenschaftlers dabei den Dreh- und Angelpunkt. Als destruktiver Zwilling der gutmütigen Maria steht der weibliche Maschinenmensch in der Tradition des <em>Doppelgängers</em>. Auch in Bezug auf dieses Motiv führt die Spurensuche zu Schriftstellern wie <strong>E.T.A. Hoffmann</strong> (<em>Die Elixiere des Teufels, Der Sandmann</em>), <strong>Adelbert von Chamisso</strong> und Co. Ihnen diente die Figurenkonstellation mitunter dazu, den drohenden Zerfall des Ichs bzw. den menschlichen Zwiespalt zwischen Gut und Böse zu illustrieren – essentielle Themen der Schwarzen Romantik, deren Vertreter bekanntermaßen die dunkle Gefühlswelt des Individuums in den Mittelpunkt rückten (<a href="http://www.bertz-fischer.de/product_info.php?cPath=1_35&products_id=104">Die Lange Nacht der Schatten</a>). Das diesbezüglich wohl berühmteste Beispiel – <strong>Robert Louis Stevensons</strong> <em>Gothic Novel</em> <em>Der seltsame Fall von Dr. Jekyll und Mr. Hyde</em> (1886) – bezeugt genannte Intentionen. In der Erzählung gelingt es Dr. Henry Jekyll, die dunklen Wesenszüge seines Ichs abzuspalten. Infolgedessen verwandelt sich der angesehene Bürger in den ruchlosen Mr. Hyde. Wie der Doktor und sein dunkler Schatten verkörpern Maria und der weibliche Roboter ebenfalls zwei Seiten einer Medaille, jedoch variiert <strong>Fritz Lang</strong> die Gut-Böse-Dichotomie, indem er hier die zwei weiblichen Stereotypen Hure und Heilige bemüht.</p><p><strong>Parawissenschaften, Dämonen und Lehmstatuen</strong><br>Nach vorangegangenem Literatur-Exkurs kehren wir abschließend noch einmal zu den künstlichen Lebensformen des Stummfilms zurück. Im weitaus weniger technisierten <em>Der Golem, wie er in die Welt kam</em> (1920) fasst Rabbi Loew (<em>Albert Steinrück</em>) den Entschluss, ein aus Lehm geformtes Wesen zu erwecken, um das jüdische Volk vor einer herannahenden Katastrophe zu bewahren. Alles verläuft zunächst nach den Vorstellungen des Gelehrten, doch schon bald entwickelt die Lehmkreatur einen katastrophalen Eigensinn, der das Prager Ghetto ins Chaos stürzt. <strong>Paul Wegener</strong> liefert hier – nach <em>Der Golem</em> (1915) sowie <em>Der Golem und die Tänzerin</em> (1917) – den bereits dritten und wohl zugleich legendärsten Auftritt als titelgebende Sagengestalt ab. Im Gegensatz zu den Vorgängern orientiert sich die 1920er-Verfilmung stärker an der klassischen jüdischen Volkslegende. Dementsprechend versetzte <strong>Paul Wegener</strong>, der bei den drei genannten Werken ebenfalls auf dem Regiestuhl saß, die Handlung ins 16. Jahrhundert und schuf streng genommen eine Art Prequel zu den ersten beiden Golem-Filmen (<a href="http://www.kinoeye.org/03/11/gelbin11.php">kinoeye.org</a>). Wie <em>Metropolis </em>atmet diese Vorgeschichte durchweg den Geist der (Schwarzen) Romantik. Aber nicht allein die Golem-Figur dokumentiert den Bezug. Vor allem im Wirkkreis von Rabbi Loew manifestieren sich zahlreiche prominente Motive der Schauerromantik, die allesamt den nicht untypischen Glauben an das Metaphysische bekunden. Das Spektrum reicht dabei von esoterischen Praktiken à la Astrologie bis hin zu okkulten Beschwörungsriten. Letztere erweisen sich als zwingende Notwendigkeit, weil nur der Dämon Astaroth das magische Wort besitzt, das dem Golem zur Erweckung in seine Brusthöhle gelegt werden muss.</p><p>Mit diesen Betrachtungen zu den unterschiedlichen Typen künstlicher Lebensformen im Kino der Weimarer Republik schließt die Artikelreihe <em>Schwarze Romantik im Stummfilm </em>ab und beendet somit einen Exkurs, der sich vorgenommen hatte, ein Schlaglicht auf die dunkle Seite der frühen Filmgeschichte zu werfen und diese mittels eines intermedialen Ansatzes zu erkunden bzw. in letzter Hinsicht natürlich auch ein stückweit zu dechiffrieren.</p><p>Der Artikel ist zuerst auf <a href="http://www.moviepilot.de">moviepilot.de</a> erschienen!<br></p>]]></content:encoded><wfw:commentRss>http://incinemaveritas.com/2021/05/18/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-5-vom-toedlichen-eigensinn-kuenstlicher-lebensformen/feed/</wfw:commentRss><slash:comments>0</slash:comments><post-id xmlns="com-wordpress:feed-additions:1">704</post-id> </item><item><title>Filmbesprechung: Redline (Takeshi Koike, 2009)</title><link>http://incinemaveritas.com/2021/01/31/filmbesprechung-redline-takeshi-koike-2009/</link><comments>http://incinemaveritas.com/2021/01/31/filmbesprechung-redline-takeshi-koike-2009/#respond</comments><pubDate>Sun, 31 Jan 2021 19:12:42 +0000</pubDate><dc:creator><![CDATA[Robin Vesper-Regenstein]]></dc:creator><category><![CDATA[Allgemein]]></category><category><![CDATA[Filmbesprechung]]></category><category><![CDATA[2000er]]></category><category><![CDATA[Akira]]></category><category><![CDATA[Animation]]></category><category><![CDATA[Anime]]></category><category><![CDATA[Dragon Ball]]></category><category><![CDATA[Japan]]></category><category><![CDATA[Redline]]></category><category><![CDATA[Sci-Fi]]></category><category><![CDATA[Science Fiction]]></category><category><![CDATA[Takeshi Koike]]></category><guid isPermaLink="false">http://incinemaveritas.com/?p=689</guid><description><![CDATA[Animes, d.h. japanische Animationsfilme, waren hierzulande lange eher eine Randerscheinung. Zwar wurde 1959 mit Der Zauberer und die Banditen schon früh ein japanischer Animationsfilm in den deutschen Kinos gezeigt, aber bis zu Akira (1988, R: Katsuhiro Otomo), der 1991 in die deutschen Kinos kam, und vor allem Dragon Ball (R: Daisuke Nishio) – eine Serie, die ab 1998 bei RTL II im deutschen Fernsehen lief – waren Animes noch nicht allzu stark im Bewusstsein der hiesigen Gesellschaft angekommen. 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Zwar wurde 1959 mit <em>Der Zauberer und die Banditen </em>schon früh ein japanischer Animationsfilm in den deutschen Kinos gezeigt, aber bis zu <em>Akira</em> (1988, R: Katsuhiro Otomo), der 1991 in die deutschen Kinos kam, und vor allem <em>Dragon Ball</em> (R: Daisuke Nishio) – eine Serie, die ab 1998 bei RTL II im deutschen Fernsehen lief – waren Animes noch nicht allzu stark im Bewusstsein der hiesigen Gesellschaft angekommen. Erst u.a. durch <em>Dragon Ball</em> wuchs eine ganze Generation im Kontakt mit Animes auf, da sie täglich auf RTL II liefen. Durch den Erfolg von <em>Dragon Ball</em> schafften es so nach und nach immer weitere Animes ins Nachmittagsprogramm der deutschen Fernsehlandschaft und auch ins Kino. Animes wurden einer breiteren Masse zugänglich. Die Geschichte der Animes in Deutschland passt sich an die internationale Geschichte der Animes an, in der <em>Akira </em>und<em> Dragon Ball</em> gleichfalls als Initialzündungen gelten. Doch noch immer nicht schaffen alle Animationsfilme den großen Sprung und werden hierzulande auch im Kino gezeigt, wie z.B. <strong>Redline </strong>(<strong>OT: Redline, </strong>2009).</p><span id="more-689"></span><p>In einer unbekannten Zukunft findet im 5-Jahres-Rhythmus das härteste und gefährlichste Rennen des Universums, das <em>Redline</em>, statt. Dieses Jahr versucht JP, ein noch unbeschriebenes Blatt und ein Chaot, sich mit seinem gelben TransAm für eben dieses zu qualifizieren. JP und sein TransAm führen eine eher schwierige Beziehung, da ihm das Auto bei höheren Geschwindigkeiten immer wieder um die Ohren zu fliegen droht. Das <em>Redline </em>zeichnet sich durch verschiedene verrückte Teilnehmer aus und JP schafft es, sich durch einen Formfehler dann doch zu qualifizieren. Als dann auch noch herauskommt, dass das <em>Redline </em>auf dem feindlichen Planeten Roboworld stattfindet, sind alle Weichen für ein Rennen gelegt, das spannender kaum sein könnte. JP tritt den Wettstreit, bei dem auch der Einsatz von Waffen erlaubt ist, an und setzt alles daran zu gewinnen. </p><p>Anime oder Animation ist die Kunst des bewegten Bildes, welche hier fast ausschließlich im titelgebenen Rennen, dem <em>Redline,</em> zur Geltung kommt. Die Bewegungen sind schnell, fließend und, anders als in langjährigen Animeserien, die gerne Abkürzungen zur Animation nehmen, einzigartig. Bilder wackeln dynamisch und verzerren, um den Zuschauer die Geschwindigkeit der Autos miterleben zu lassen. Stille Bilder gibt es kaum, außer als punktierte Gegenschnitte zum hektischen Renngeschehen, welches dadurch noch mehr an Dramatik und Dynamik gewinnt. Takeshi Koike zeigt, was er schon in seinem Abschnitt der <em>Animatrix (World Record, 2003)</em> zur Perfektion geführt hat: Dynamische Bewegungen und ein Gefühl für Geschwindigkeit, welches den Animationen sonst oftmals verwehrt ist. Dabei stilisiert er alles – so wirkt JP wie ein moderner Elvis Presley mit einer Schmalzlocke, die sich den Gesetzen der Schwerkraft widersetzt – und schafft durch den durchgängigen Einsatz von extremen Veränderungen und Verrenkungen der Charaktere, das sich diese latent abstrus bewegen. Geschwindigkeit und Bewegung erscheinen so nicht nur fließend, sondern auch extrem überspitzt, was dem <em>world building </em>des Films – mitsamt Außerirdischen, anderen Planeten und Robotern – sehr entgegenkommt. <strong>Redline </strong>ist ein bunter Film voller Flair, der unter dem Großteil der Anime-Produktionen genau dadurch hervorsticht.</p><p>Doch geht es nicht nur um Geschwindigkeit und das <em>Redline</em>-Spektakel selber. In den ruhigen Momenten fernab der Rennstrecke werden große Themen wie Diktatur, Spionage, militärische Geheimwaffen sowie die Gefahr von Glücksspiel angerissen. So gleichen die Logos der Armee von Roboworld nicht ohne Grund weitbekannten faschistischen Zeichen und das <em>Redline</em> selber führt zur Aufdeckung ihrer geheimen und ultimativen Waffe. Diese narrativen Elemente stehen aber zugegebenermaßen im Hintergrund der Geschichte um JP, das <em>Redline </em>und die damit verbundenen Gewinne. Sie erweitern das Narrativ, ohne den Anspruch zu erheben Lösungen finden zu können. Es sind satirisch überspitzte Beobachtungen der Welt, die kritisch Gedanken aufzeigen, aber nicht ausformulieren. Der Fokus von <strong>Redline</strong> bleibt auf dem Rennen, das aber zugleich mehr ist als nur der Kampf um den Sieg.</p><p><strong>Redline</strong> lief 2010 in Deutschland auf dem Fantasy Film Fest im Kino, was die einzige Möglichkeit für Zuschauer war, ihn auf der großen Leinwand zu erleben. <strong>Redline</strong> lebt von seiner Größe, seinen bombastischen Sounds und seinen Bildern, die sich ohne zurückzuschrecken in die Netzhaut des Betrachters einbrennen. Kurzum: <strong>Redline</strong> ist ein Film, der eigentlich ins Kino gehört. Doch auch die BluRay und DVD, die 2011 veröffentlicht wurden, sind sehenswert. Die Geschichte ist nicht die Tiefgründigste und Gefühlvollste, die erzählt werden könnte, ist aber ohne Pause unterhaltsam. Das Spektakel, das sich den Augen bietet, ist ohne Frage sehenswert, vor allem wenn man einen besonders großen Bildschirm oder Beamer zur Verfügung hat. Vielleicht schafft es <strong>Redline </strong>irgendwann doch noch mal ins Kino, aber bis dahin lohnt er sich auch im Heimkino auf jeden Fall. Man sollte JP in seinem TransAm auf keinen Fall verpassen.</p><p> </p>]]></content:encoded><wfw:commentRss>http://incinemaveritas.com/2021/01/31/filmbesprechung-redline-takeshi-koike-2009/feed/</wfw:commentRss><slash:comments>0</slash:comments><post-id xmlns="com-wordpress:feed-additions:1">689</post-id> </item><item><title>Schwarze Romantik im Stummfilm – Part 4: Der Teufel bittet zum Tanz auf Leben und Tod</title><link>http://incinemaveritas.com/2021/01/14/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-4-der-teufel-bittet-zum-tanz-auf-leben-und-tod/</link><comments>http://incinemaveritas.com/2021/01/14/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-4-der-teufel-bittet-zum-tanz-auf-leben-und-tod/#respond</comments><pubDate>Thu, 14 Jan 2021 06:24:57 +0000</pubDate><dc:creator><![CDATA[Julian M.]]></dc:creator><category><![CDATA[Artikelreihe]]></category><category><![CDATA[Deep Dive]]></category><category><![CDATA[Der Student von Prag]]></category><category><![CDATA[Emil Jannings]]></category><category><![CDATA[F.W. Murnau]]></category><category><![CDATA[Faust]]></category><category><![CDATA[Faust - Eine deutsche Volkssage]]></category><category><![CDATA[Francisco de Goya]]></category><category><![CDATA[Hexen]]></category><category><![CDATA[Johann Wolfgang von Goethe]]></category><category><![CDATA[Schauerromantik]]></category><category><![CDATA[Schwarze Romantik]]></category><category><![CDATA[Stummfilm]]></category><category><![CDATA[Teufel]]></category><guid isPermaLink="false">http://incinemaveritas.com/?p=653</guid><description><![CDATA[Nach dem vorangegangenen Exkurs ins Hexenreich klettern wir im Rahmen unserer Themenreihe nun in der Hierarchie des Bösen gen Spitze, um uns heute mit dem Spiritus Rector allen Übels – dem Beelzebub – zu befassen. Jener ultimative Verführer geistert in unterschiedlichen Darstellungsformen durch die schwarzromantische Kunst. Dementsprechend facettenreich präsentieren sich auch die davon sichtlich beeinflussten Stummfilm-Inkarnationen des Leibhaftigen. Eine Variante lieferte beispielsweise Benjamin Christensen, der im zuvor besprochenen Werk Die Hexe (OT: Häxan) nicht nur für die Regie verantwortlich zeichnete,...<p class="read-more"><a class="btn btn-default" href="http://incinemaveritas.com/2021/01/14/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-4-der-teufel-bittet-zum-tanz-auf-leben-und-tod/">Weiterlesen<span class="screen-reader-text"> Weiterlesen</span></a></p>]]></description><content:encoded><![CDATA[<div class="wp-block-image"><figure class="aligncenter"><img data-attachment-id="654" data-permalink="http://incinemaveritas.com/2021/01/14/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-4-der-teufel-bittet-zum-tanz-auf-leben-und-tod/faust-eine-deutsche-volkssage2/" data-orig-file="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Faust-Eine-deutsche-Volkssage2.jpg?fit=700%2C300" data-orig-size="700,300" data-comments-opened="1" data-image-meta="{"aperture":"0","credit":"","camera":"","caption":"","created_timestamp":"0","copyright":"","focal_length":"0","iso":"0","shutter_speed":"0","title":"","orientation":"1"}" data-image-title="Faust-Eine deutsche Volkssage2" data-image-description="" data-medium-file="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Faust-Eine-deutsche-Volkssage2.jpg?fit=300%2C129" data-large-file="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Faust-Eine-deutsche-Volkssage2.jpg?fit=640%2C274" src="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Faust-Eine-deutsche-Volkssage2.jpg?w=640" alt="" class="wp-image-654" srcset="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Faust-Eine-deutsche-Volkssage2.jpg?w=700 700w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Faust-Eine-deutsche-Volkssage2.jpg?resize=300%2C129 300w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Faust-Eine-deutsche-Volkssage2.jpg?resize=604%2C259 604w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" data-recalc-dims="1" /><figcaption>Faust – Eine deutsche Volkssage (Copyright: Eureka!)</figcaption></figure></div><p>Nach dem vorangegangenen <a href="http://incinemaveritas.com/2020/08/23/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-3-die-hexe-zwischen-aufklaerung-und-romantik/">Exkurs ins Hexenreich</a> klettern wir im Rahmen unserer Themenreihe nun in der Hierarchie des Bösen gen Spitze, um uns heute mit dem <em>Spiritus Rector</em> allen Übels – dem Beelzebub – zu befassen. Jener ultimative Verführer geistert in unterschiedlichen Darstellungsformen durch die schwarzromantische Kunst. Dementsprechend facettenreich präsentieren sich auch die davon sichtlich beeinflussten Stummfilm-Inkarnationen des Leibhaftigen. Eine Variante lieferte beispielsweise <strong>Benjamin Christensen</strong>, der im zuvor besprochenen Werk <em>Die Hexe </em>(OT:<em> Häxan</em>) nicht nur für die Regie verantwortlich zeichnete, sondern auch höchstpersönlich als gehörnter Höllenfürst für Angst und Schrecken sorgte. Im Gegensatz dazu setzten die Teufelsfiguren aus <em>Faust – Eine deutsche Volkssage</em> (1926) und <em>Der Student von Prag</em> (1913) auf ein gefälligeres Auftreten. Ihre einschmeichelnde wie tödliche Tartüfferie nehmen wir im vierten Artikel der Themenreihe <em>Schwarze Romantik im Stummfilm</em> ausführlicher unter die Lupe.</p><span id="more-653"></span><p><strong>Kampf gegen die Verführung: Faust – Eine deutsche Volkssage</strong><br>Bevor <strong>F.W. Murnau</strong> dem Ruf aus Hollywood folgte, widmete er sich zum Abschied dem UFA-Prestigeprojekt <em>Faust – Eine deutsche Volkssage</em>. Hierbei vermischt der Regisseur unterschiedliche Bearbeitungen des klassischen Sujets – die Volkssage, <strong>Goethes </strong>Faust sowie <strong>Christopher Marlowes</strong> Dramatisierung des Stoffs (<a href="http://www.eurekavideo.co.uk/moc/catalogue/faust">DVD-Eureka</a>). Als narrative Initialzündung des Films fungiert eine Wette zwischen dem Erzengel Gabriel (<strong>Werner Fuetterer</strong>) und Mephisto (<strong>Emil Jannings</strong>). Um aus dieser als Sieger hervorzugehen, muss der Teufel den Alchemisten Faust (<strong>Gösta Ekman</strong>) vom Weg der Rechtschaffenheit abbringen. Mit diesem Ziel vor Augen lässt er die Pest über die Heimat des Gelehrten hereinbrechen, sodass sich der Erdling im aussichtslosen Kampf gegen die Seuche gezwungen sieht, dubiose Mächte zur Unterstützung zu beschwören. Mephisto nutzt jenen Moment der Schwäche im Gegenüber und schlägt Faust einen fatalen Pakt vor.</p><div class="wp-block-jetpack-slideshow aligncenter" data-effect="slide"><div class="wp-block-jetpack-slideshow_container swiper-container"><ul class="wp-block-jetpack-slideshow_swiper-wrappper swiper-wrapper"><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-679" data-id="679" src="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/murnau_faust.jpg?w=640" srcset="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/murnau_faust.jpg?w=646 646w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/murnau_faust.jpg?resize=300%2C221 300w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/murnau_faust.jpg?resize=366%2C270 366w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" data-recalc-dims="1" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> © Eureka! </figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-668" data-id="668" src="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/CDF_Mann-und-Frau-den-Mond-betrachtend.jpg?fit=640%2C491" srcset="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/CDF_Mann-und-Frau-den-Mond-betrachtend.jpg?w=3000 3000w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/CDF_Mann-und-Frau-den-Mond-betrachtend.jpg?resize=300%2C230 300w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/CDF_Mann-und-Frau-den-Mond-betrachtend.jpg?resize=768%2C589 768w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/CDF_Mann-und-Frau-den-Mond-betrachtend.jpg?resize=1024%2C785 1024w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/CDF_Mann-und-Frau-den-Mond-betrachtend.jpg?resize=352%2C270 352w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/CDF_Mann-und-Frau-den-Mond-betrachtend.jpg?w=1280 1280w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/CDF_Mann-und-Frau-den-Mond-betrachtend.jpg?w=1920 1920w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> © Caspar David Friedrich</figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-672" data-id="672" src="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust5.png?w=640" srcset="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust5.png?w=768 768w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust5.png?resize=300%2C225 300w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust5.png?resize=360%2C270 360w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" data-recalc-dims="1" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption">© Eureka!</figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-671" data-id="671" src="https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust5.jpg?w=640" srcset="https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust5.jpg?w=667 667w, https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust5.jpg?resize=300%2C232 300w, https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust5.jpg?resize=350%2C270 350w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" data-recalc-dims="1" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> © Eureka!</figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-673" data-id="673" src="https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust7.png?w=640" srcset="https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust7.png?w=768 768w, https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust7.png?resize=300%2C225 300w, https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust7.png?resize=360%2C270 360w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" data-recalc-dims="1" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> © Eureka!</figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-678" data-id="678" src="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Mephistopheles-apparaissant-a-Faust-1828.jpg?fit=640%2C824" srcset="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Mephistopheles-apparaissant-a-Faust-1828.jpg?w=795 795w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Mephistopheles-apparaissant-a-Faust-1828.jpg?resize=233%2C300 233w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Mephistopheles-apparaissant-a-Faust-1828.jpg?resize=768%2C989 768w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Mephistopheles-apparaissant-a-Faust-1828.jpg?resize=210%2C270 210w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> © Eugène Delacroix/ M. Johnston </figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-674" data-id="674" src="https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust9.png?w=640" srcset="https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust9.png?w=768 768w, https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust9.png?resize=300%2C225 300w, https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust9.png?resize=360%2C270 360w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" data-recalc-dims="1" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> © Eureka!</figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-677" data-id="677" src="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/L’ombre-de-Marguerite-apparaissant-à-Faust-1828.jpg?fit=640%2C498" srcset="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/L’ombre-de-Marguerite-apparaissant-à-Faust-1828.jpg?w=1024 1024w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/L’ombre-de-Marguerite-apparaissant-à-Faust-1828.jpg?resize=300%2C233 300w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/L’ombre-de-Marguerite-apparaissant-à-Faust-1828.jpg?resize=768%2C598 768w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/L’ombre-de-Marguerite-apparaissant-à-Faust-1828.jpg?resize=347%2C270 347w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> <br>© Eugène Delacroix/ M. Johnston</figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-675" data-id="675" src="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust10.png?w=640" srcset="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust10.png?w=768 768w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust10.png?resize=300%2C225 300w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/faust10.png?resize=360%2C270 360w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" data-recalc-dims="1" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> © Eureka!</figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-670" data-id="670" src="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Faust-et-Mephistopheles-galopant-dans-la-nuit-du-Sabat-1828.jpg?fit=640%2C515" srcset="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Faust-et-Mephistopheles-galopant-dans-la-nuit-du-Sabat-1828.jpg?w=1024 1024w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Faust-et-Mephistopheles-galopant-dans-la-nuit-du-Sabat-1828.jpg?resize=300%2C241 300w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Faust-et-Mephistopheles-galopant-dans-la-nuit-du-Sabat-1828.jpg?resize=768%2C618 768w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Faust-et-Mephistopheles-galopant-dans-la-nuit-du-Sabat-1828.jpg?resize=336%2C270 336w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> © Eugène Delacroix/ M. Johnston</figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-683" data-id="683" src="https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/El_Aquelarre_1819-1823.jpg?fit=640%2C203" srcset="https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/El_Aquelarre_1819-1823.jpg?w=3051 3051w, https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/El_Aquelarre_1819-1823.jpg?resize=300%2C95 300w, https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/El_Aquelarre_1819-1823.jpg?resize=768%2C243 768w, https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/El_Aquelarre_1819-1823.jpg?resize=1024%2C324 1024w, https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/El_Aquelarre_1819-1823.jpg?resize=604%2C191 604w, https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/El_Aquelarre_1819-1823.jpg?w=1280 1280w, 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angedeutet, besitzt der Teufel zahlreiche Gesichter, an denen sich auch die Künstler der Schwarzen Romantik abgearbeitet haben. So tritt er beispielsweise als Ziegenbock (<strong>Francisco de Goyas</strong> <em>Hexensabbat</em> (1819-1823)), als geflügelter Höllenfürst (<strong>Jean-Jacques Feuchères</strong> <em>Satan</em> (1833)) oder in menschlicher Ausformung in Erscheinung (<a href="http://www.hatjecantz.de/schwarze-romantik-3135-0.html">Schwarze Romantik – Von Goya bis Max Ernst</a>). Letzterer Variante bedienten sich natürlich insbesondere all jene direkt an <strong>Johann Wolfgang von Goethes</strong> <em>Faust – Der Tragödie erster Teil</em> orientierten Kunstwerke. Hier offenbart sich das wahrlich Teuflische vorrangig in den subtilen Verführungs- und Manipulationskünsten, versucht doch Mephisto mittels verlockendem Blendwerk – namentlich: die Aussicht auf Jugend und Reichtum – der begehrten Gelehrtenseele habhaft zu werden. Dementsprechend steht die Darstellung eines möglichst schaurig-bedrohlichen, metaphysischen Wesens – Paradebeispiel hierfür wiederum: <strong>Benjamin Christensen</strong> als Höllenfürst in <em>Häxan </em>– weitaus weniger im Vordergrund.</p><p>Obwohl <strong>Goethe </strong>selbst nur wenig Verständnis für die Romantik aufwies – er versah beispielsweise <strong>E.T.A. Hoffmanns</strong> literarisches Schaffen mit dem Prädikat <em>krankhaft</em> (<a href="http://blog.staedelmuseum.de/kunst-der-moderne/wo-worte-vernichten-und-blicke-toten-–-literatur-und-kunst-in-der-schwarzen-romantik">Städel Blog</a>) -, erkannten schwarzromantisch geprägte Künstler wie <strong>Theodor von Holst</strong> und <strong>Eugène Delacroix</strong> das Potential seines Werks und überführten den magischen wie düsteren Faust-Kosmos in die bildende Kunst. Letztgenannter schuf beispielsweise in den 1820er Jahren einen kompletten Zyklus, der essentielle Szenen aus <strong>Goethes </strong>Faust aufgriff. Inwiefern jene Lithografien den kunstaffinen <strong>F. W. Murnau</strong> in seiner visuellen Ausgestaltung des Fauststoffs beeinflusst haben, muss an dieser Stelle Spekulation bleiben. Nichtsdestotrotz dokumentiert die unmittelbare Gegenüberstellung eine nicht von der Hand zu weisende ästhetische Verwandtschaft, sodass <strong>Eugène Delacroix</strong> durchaus als Einflussquelle sowie legitimes Bindeglied zwischen <strong>Goethe </strong>und <strong>F.W. Murnau </strong>verstanden werden kann. (<a href="http://www.hatjecantz.de/schwarze-romantik-3135-0.html">Schwarze Romantik – Von Goya bis Max Ernst</a>)</p><p>Eine hingegen wesentlich auffälligere Beziehung existiert zwischen <strong>F. W. Murnau</strong> und <strong>Caspar David Friedrich</strong>, dessen künstlerisches Schaffen nicht zum ersten Mal als Vorlage für das Bewegtbild-Medium diente. Diese intermediale Querverbindung offenbart sich kurz vor der Teufelsbeschwörung. Der Gelehrte Faust durchwandert in jenen Momenten eine höchst atmosphärische Bildkomposition, die unverkennbar das Arrangement von <strong>Friedrichs </strong><em>Mann und Frau den Mond betrachtend</em> (1830-1835) zitiert – zur Rechten ein Baum mit gespenstischem Habitus im Gegenlicht, zur Linken die jeweilige(n) Person(en) in Rückansicht und im Zentrum der Kadrage ein hell leuchtender Mond. Bei genauerer Betrachtung springen spätestens hier unweigerlich Parallelen zwischen <em>Faust – Eine deutsche Volkssage</em> und <em>Der müde Tod</em> (1921) ins Auge. Wie im ersten Artikel der Themenreihe (<a href="http://www.moviepilot.de/news/die-melancholie-des-sensenmanns-127063">Die Melancholie des Sensenmanns</a>) beschrieben, instrumentalisierte auch <strong>Fritz Lang</strong> obiges Gemälde von<strong> Caspar David Friedrich</strong> für seine Zwecke. Doch die Verwandtschaft beider Filme transzendiert den Aspekt des rein Bildlichen. Vielmehr sind es schwarzromantische Elemente wie die figureninhärente Melancholie und der schlussendliche Triumph der Liebe über höhere Mächte – ob nun Tod oder Teufel –, die beide Werke gleichermaßen auszeichnen. (<a href="http://www.hatjecantz.de/schwarze-romantik-3135-0.html">Schwarze Romantik – Von Goya bis Max Ernst</a>)</p><p>“<strong>Lass dir deinen leeren Sack doch vom Satan füllen.”</strong><br>Eine Variation des Fauststoffs lieferte <em>Der Student von Prag</em> (1913), welcher das Kino von der miefigen Aura billiger Jahrmarkts-Attraktionen löste und zur Kunstform erhob (<a href="http://www.arte.tv/de/der-kunstfilm/7275460.html">arte.tv</a>). Analog zur Figur des Mephisto erscheint dem verarmten Balduin (<strong>Paul Wegener</strong>) in dieser schwarzromantischen Geschichte der diabolische Scapinelli (<strong>John Gottowt</strong>), der den Studenten mit unermesslichen Reichtümern lockt. Im Gegenzug dafür fordert jener das Recht ein, aus Balduins ärmlicher Behausung mitzunehmen, was auch immer ihm gefällt. Der einwilligende Balduin ahnt nicht, dass ihn der Vertrag sein Spiegelbild und schlussendlich das Leben kosten wird. Mit dieser finalen Pointe gibt sich die Doppelgänger-Story dann auch ungleich pessimistischer als die zuvor besprochene Faust-Adaption. Während dort in letzter Konsequenz die Liebe über Mephistos hinterlistige Machenschaften siegt, behält hier der unheimliche Verführer Scapinelli die Oberhand und schlendert in einer der letzten Einstellungen jovialen Schrittes davon. Offensichtlich traf Drehbuchautor <strong>Hanns Heinz Ewers</strong> damit genau den Nerv der damaligen Zeit. Das Werk, welches prominente Motive der Schauerromantik – etwa aus <em>William Wilson</em> (<strong>Edgar Allan Poe</strong>), <em>Peter Schlemihl</em> (<strong>Adelbert von Chamisso</strong>), <em>Die Geschichte vom verlornen Spiegelbilde</em> (<strong>E.T.A. Hoffmann</strong>) und <em>Das Bildnis des Dorian Gray</em> (<strong>Oscar Wilde</strong>) – heranzog (<a href="http://www.arte.tv/de/der-kunstfilm/7275460.html">arte.tv</a>), stieß in der Öffentlichkeit auf durchweg positive Resonanz und erfuhr im Laufe der Jahre sogar zwei Neuinterpretationen (1926 &1935).</p><p>Der Artikel ist zuerst auf <a href="http://www.moviepilot.de">moviepilot.de</a> erschienen!</p>]]></content:encoded><wfw:commentRss>http://incinemaveritas.com/2021/01/14/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-4-der-teufel-bittet-zum-tanz-auf-leben-und-tod/feed/</wfw:commentRss><slash:comments>0</slash:comments><post-id xmlns="com-wordpress:feed-additions:1">653</post-id> </item><item><title>Filmbesprechung: Leichen unter brennender Sonne (Hélène Cattet & Bruno Forzani, 2017)</title><link>http://incinemaveritas.com/2021/01/06/filmbesprechung-leichen-unter-brennender-sonne-helene-cattet-bruno-forzani-2017/</link><comments>http://incinemaveritas.com/2021/01/06/filmbesprechung-leichen-unter-brennender-sonne-helene-cattet-bruno-forzani-2017/#respond</comments><pubDate>Wed, 06 Jan 2021 17:35:02 +0000</pubDate><dc:creator><![CDATA[Julian M.]]></dc:creator><category><![CDATA[Allgemein]]></category><category><![CDATA[Filmbesprechung]]></category><category><![CDATA[2010er]]></category><category><![CDATA[Amer]]></category><category><![CDATA[Bruno Forzani]]></category><category><![CDATA[Das Unheimliche]]></category><category><![CDATA[Der Tod weint rote Tränen]]></category><category><![CDATA[Eros]]></category><category><![CDATA[Eurokult]]></category><category><![CDATA[Giallo]]></category><category><![CDATA[Hélène Cattet]]></category><category><![CDATA[Johannes Binotto]]></category><category><![CDATA[Laissez bronzer les cadavres]]></category><category><![CDATA[Leichen unter brennender Sonne]]></category><category><![CDATA[Let The Corpses Tan]]></category><category><![CDATA[Poliziottesco]]></category><category><![CDATA[Sigmund Freud]]></category><category><![CDATA[Spaghetti-Western]]></category><category><![CDATA[Thanatos]]></category><guid isPermaLink="false">http://incinemaveritas.com/?p=635</guid><description><![CDATA[Kaum ein filmisches Œuvre fühlt sich derartig geschlossen und konsistent an wie das Werk von Hélène Cattet und Bruno Forzani. Sowohl inhaltlich als auch formal-ästhetisch schufen sie über die Jahre hinweg kinematographische Kunstwerke mit unverkennbarer Handschrift. Angefangen mit Kurzfilmen wie Catharsis (2001) und Chambre Jaune (2002), welche in späteren Jahren durch die stilwütig-experimentellen Spielfilme Amer (2009) und Der Tod weint rote Tränen (2013) ergänzt wurden, gelang es dem Regie-Duo Stück für Stück eine eigene filmische Ausdrucksform mit starkem Wiedererkennungswert zu...<p class="read-more"><a class="btn btn-default" href="http://incinemaveritas.com/2021/01/06/filmbesprechung-leichen-unter-brennender-sonne-helene-cattet-bruno-forzani-2017/">Weiterlesen<span class="screen-reader-text"> Weiterlesen</span></a></p>]]></description><content:encoded><![CDATA[<div class="wp-block-image"><figure class="aligncenter"><img data-attachment-id="637" data-permalink="http://incinemaveritas.com/2021/01/06/filmbesprechung-leichen-unter-brennender-sonne-helene-cattet-bruno-forzani-2017/leichen-unter-brennender-sonne_1/" data-orig-file="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Leichen-unter-brennender-Sonne_1.jpg?fit=700%2C300" data-orig-size="700,300" data-comments-opened="1" data-image-meta="{"aperture":"0","credit":"","camera":"","caption":"","created_timestamp":"0","copyright":"","focal_length":"0","iso":"0","shutter_speed":"0","title":"","orientation":"1"}" data-image-title="Leichen unter brennender Sonne_1" data-image-description="" data-medium-file="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Leichen-unter-brennender-Sonne_1.jpg?fit=300%2C129" data-large-file="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Leichen-unter-brennender-Sonne_1.jpg?fit=640%2C274" src="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Leichen-unter-brennender-Sonne_1.jpg?w=640&ssl=1" alt="" class="wp-image-637" srcset="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Leichen-unter-brennender-Sonne_1.jpg?w=700 700w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Leichen-unter-brennender-Sonne_1.jpg?resize=300%2C129 300w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2021/01/Leichen-unter-brennender-Sonne_1.jpg?resize=604%2C259 604w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" data-recalc-dims="1" /><figcaption>Copyright: Koch Media</figcaption></figure></div><p>Kaum ein filmisches Œuvre fühlt sich derartig geschlossen und konsistent an wie das Werk von Hélène Cattet und Bruno Forzani. Sowohl inhaltlich als auch formal-ästhetisch schufen sie über die Jahre hinweg kinematographische Kunstwerke mit unverkennbarer Handschrift. Angefangen mit Kurzfilmen wie <em>Catharsis </em>(2001) und <em>Chambre Jaune </em>(2002), welche in späteren Jahren durch die stilwütig-experimentellen Spielfilme <em>Amer</em> (2009) und <em>Der Tod weint rote Tränen</em> (2013) ergänzt wurden, gelang es dem Regie-Duo Stück für Stück eine eigene filmische Ausdrucksform mit starkem Wiedererkennungswert zu entwickeln. Fester Bestandteil ihrer Arbeiten waren hierbei stets die Verhandlung (figuren-)psychologischer Prozesse sowie ein Gestus der Referentialität, der sich bisher auf Genremuster und -versatzstücke des italienischen Giallofilms konzentriert hat. Wie nun fügt sich vor besagtem Hintergrund die jüngste Regiearbeit in den filmischen Kosmos des Gespanns ein? Denn mit <strong>Leichen unter brennender Sonne (OT: Laissez bronzer les cadavres, </strong>2017) verfilmt das Duo einen nahezu fünfzig Jahre alten, französischen Kriminalroman, der sich thematisch um einen Raubüberfall dreht und damit vertrautes Terrain allem Anschein nach verlässt. Doch tatsächlich nur auf den ersten Blick… </p><span id="more-635"></span><p>Selten verläuft im Leben alles nach Plan. Das muss auch die Diebesbande um Rhino (Stéphane Ferrara) feststellen. Kurz nach dem Überfall auf einen Sicherheitstransporter stoßen sie inmitten ländlicher Einöde auf zwei Frauen samt Kleinkind, die zu allem Überfluss auch noch dieselbe Destination wie das Trio anvisieren: die Herberge von Madame Luce (Elina Löwensohn). Der sorgfältig ausgewählte Unterschlupf der Kriminellen, für die es gilt, sich mit 250 Kilogramm Gold unbemerkt abzusetzen, entpuppt sich somit als deutlich belebter als anfänglich vermutet. Als darüber hinaus auch noch zwei Polizisten vor Ort auftauchen, eskaliert die Lage im Handumdrehen.</p><p>Gilt es <strong>Leichen unter brennender Sonne </strong>prägnant und mit wenigen Worten auf eine Essenz herunterzubrechen, so ließe sich der dritte Langspielfilm des Duos Cattet/Forzani als ein <em>Kino der Irritationen</em> beschreiben. Das Werk besitzt ein profundes Gespür dafür, intellektuelle Stolperstellen zu produzieren und somit Momente der Verunsicherung beim Betrachter zu evozieren. Zweifelsfrei ist dieser Ansatz kein Novum im filmischen Œuvre des Pärchens, aber sowohl Qualität und Quantität als auch der dieses Mal damit verwobene Genre-Bezugsrahmen – die Giallofilm-Motivik früherer Filme weicht in <strong>Leichen unter brennender Sonne </strong>einer Fokussierung auf Spaghetti-Western bzw. <em>Poliziottesco </em>– sind in ihrer Kombination mehr als beachtenswert. Die filmische Darstellung von Raum und Zeit, die im klassischen Erzählkino nach Eindeutigkeit und Kontextualisierbarkeit strebt, erlebt der Rezipient im Verlauf des Geschehens wiederholt als prekär, fragmentarisch und sprunghaft. Der Spielfilm entfaltet vor den Augen des Betrachters eine dezidierte Inszenierung von unheimlicher Räumlichkeit – zurückgehend auf <a href="https://schnittstellen.me/">Johannes Binottos</a> Analyse-Ansatz, der im Gegensatz zu Freud nicht bestimmten Motiven per se unheimliche Qualitäten zugesteht, sondern in der Erfahrung konkreter räumlicher Figurationen die Quelle unheimlicher Gefühlswelten sieht –, die maßgeblich für die verstörend-betörende Wirkung des Werks ist. Relationen lassen sich nicht mehr klar definieren, Verortung – sowohl in Bezug auf die Filmfiguren als auch hinsichtlich des eigenen Betrachterstandpunktes im Raum – ist wiederholt bestenfalls nur vage und ungenau möglich. Exemplarisch lassen sich derartige Inszenierungsstrategien anhand der Szene nachvollziehen, in welcher Rhino und seine Bande mitsamt den unbeteiligten Zivilisten bei Madame Luce ein Grillfest abhalten. Das Nichts einer undurchdringlichen Schwärze umhüllt dabei die Figuren. Räumliche Marker, die es dem Blick des Betrachters ermöglichen könnten, gesicherte Relationen zwischen den Figuren und ihrer Umwelt bzw. auch untereinander zu etablieren, sind nicht existent. Stattdessen inszeniert <strong>Leichen unter brennender Sonne</strong> hier – wie auch an anderer Stelle – prekäre räumliche Situationen, die sich durch ihre Unbestimmbarkeit auszeichnen und die Orientierung des Rezipienten unterminieren.</p><p>Die offenkundige Beschäftigung des Films mit dem Zuschauerblick findet ihre Fortsetzung in Gestalt einer mindestens ebenso profunden Auseinandersetzung mit den Blicken der handelnden Akteure. Nicht nur spielen Cattet und Forzani mit der Wahrnehmung des Betrachters, welcher sich inmitten eines mediterranen Ruinenlabyrinths wiederfindet. Sie fordern ihn darüber hinaus gleichsam dazu heraus, sich ebenso eingehend des visuellen Wahrnehmungsapparates des Figurenensembles zu widmen. Beobachtend, ängstlich, gierig, fragend, missbilligend und noch vieles mehr – die Fokussierung auf Blicke und Blickstrukturen ist integraler Bestandteil der Inszenierung. <strong>Leichen unter brennender Sonne </strong>hält nicht nur ein schaulustiges Publikum in Atem, welches hier auf eine aggressive Melange aus Gewalt, schnellen Schnitten, schrillen Farben und auditivem Hyperrealismus stößt, sondern frönt zugleich einer ungeheuren Lust am Akt des Schauens. <strong>Leichen unter brennender Sonne</strong> entfaltet infolgedessen eine Poetik des Blicks, die den Zuschauer zugleich auf seine eigene, vor der Mattscheibe zelebrierte Schaulust zurückverweist. Am schmerzlichsten schließt sich dieser Kreislauf in dem Moment, als Cattet und Forzani dazu übergehen, das visuelle Sinnesorgan auch noch frontalen Angriffen auszusetzen, indem sie es einem der Gangster gestatten, einer Ordnungshüterin nicht nur in den Kopf zu schießen, sondern natürlich auch gleich noch das Auge mit der abgefeuerten Kugel direkt zu penetrieren. </p><p>Wie zuvor zitierte Filmszene bereits andeuten mag: Leicht verdauliche Filmkost liefert <strong>Leichen unter brennender Sonne </strong>nicht. Hinzukommt, dass das Werk besagte Momente voller Gewalt und Tod wiederholt mit einer hochgradig sexuellen Note auflädt und diesbezüglich auch keinesfalls subtil agiert. So treffen <em>Eros</em> und <em>Thanatos</em> beispielsweise in der Szene, in der Madame Luce mit einem der Ganoven ein <em>Tête-à-Tête</em> beginnt, vollkommen unverblümt aufeinander. Während beide Parteien dabei sind, Zärtlichkeiten auszutauschen, graben sich die Hände von Madame Luce hinter ihrem männlichen Gegenpart in ein abgehangenes Stück Fleisch. Voller Begierde und Wollust betasten und kneten sie diese tote Masse, als gehörte sie unmittelbar zu ihrem Objekt der Begierde. Ein weiteres Beispiel, welches jenes Aufeinandertreffen ebenfalls sinnfällig macht, findet sich gegen Ende von <strong>Leichen unter brennender Sonne</strong>. In einer Tagtraum ähnlichen Szene eröffnet einer der Verbrecher das Feuer aus seiner Maschinenpistole. Das Ziel: Eine der beiden jungen Damen, welche die Bande nach ihrem Raubüberfall aufgegriffen hatte. Doch anstelle den Körper mit blutigen Schusswunden zu übersäen, sorgt jede Feuersalve in dieser irrealen Szene dafür, dass die Frau Stück für Stück ihre Kleidung einbüßt. Buchstäblich wird sie mit Waffengewalt entblößt, sodass sie schlussendlich gänzlich nackt – gleichermaßen den voyeuristischen Blicken von Filmfigur und Rezipient ausgeliefert – zurückbleibt. Diese exemplarisch angeführten Szenen, die <em>Eros </em>und <em>Thanatos </em>miteinander engführen, reihen sich in ein allgemein von Trieben und Begierden thematisch dominiertes Werk ein. Hierbei muss konstatiert werden, dass <strong>Leichen unter brennender Sonne</strong> damit keinesfalls Neuland im Œuvre von Cattet und Forzani betritt. Die Verhandlung von Begierden und Trieben sowie eine spezifische damit einhergehende Ästhetik bzw. Visualisierung von psychischen Prozessen sind dem Duo spätestens seit <em>Amer </em>eigen. <strong>Leichen unter brennender Sonne</strong> wechselt diesbezüglich jedoch erstmalig in gewisser Art und Weise ein wenig die Ausrichtung, indem der Spielfilm die zuvor stets im Rampenlicht stehenden körperlichen Begierden thematisch zwar keinesfalls ausspart, sie jedoch dieses Mal mit einem bisher in der Filmographie unbeleuchteten Faktor verquickt: der materiellen Begierde, der halsbrecherischen Jagd nach dem Gold. </p><p><strong>Leichen unter brennender Sonne </strong>erinnert an die Freudsche Definition des Unheimlichen. Auf vielerlei Art und Weise erscheint das Werk vertraut und doch zugleich fremd. Betrachter, welche sich bereits mit der Filmograhie des Duos auseinandergesetzt haben, stoßen in dem Spielfilm auf zuvor erprobte disruptive Inszenierungsstrategien und Motive, die Cattet und Forzani hier in einen neuen Genre-, Handlungs- und Figurenkontext einbetten. <strong>Leichen unter brennender Sonne</strong> mutet in diesem Zusammenhang wiederholt wie eine Einladung an. Förmlich wird der Zuschauer dazu aufgefordert, über die Bedingungen und inszenatorischen Konventionen des Mediums Film zu reflektieren, aber auch seiner eigenen voyeuristisch-schaulustigen Natur gewahr zu werden. Insbesondere letztgenanntem Aspekt bietet <strong>Leichen unter brennender Sonne </strong>dann auch nur allzu bereitwillig Futter, denn Hélène Cattet und Bruno Forzani ummanteln die Tiefgründig- und Vielschichtigkeit des Werks mit einem wahrlich hoch explosiven Überzug aus Sex, Gewalt und audiovisueller Opulenz.</p>]]></content:encoded><wfw:commentRss>http://incinemaveritas.com/2021/01/06/filmbesprechung-leichen-unter-brennender-sonne-helene-cattet-bruno-forzani-2017/feed/</wfw:commentRss><slash:comments>0</slash:comments><post-id xmlns="com-wordpress:feed-additions:1">635</post-id> </item><item><title>Filmbesprechung: Don’t Torture a Duckling (Lucio Fulci, 1972)</title><link>http://incinemaveritas.com/2020/11/16/filmbesprechung-dont-torture-a-duckling-lucio-fulci-1972/</link><comments>http://incinemaveritas.com/2020/11/16/filmbesprechung-dont-torture-a-duckling-lucio-fulci-1972/#respond</comments><pubDate>Mon, 16 Nov 2020 19:56:00 +0000</pubDate><dc:creator><![CDATA[Robin Vesper-Regenstein]]></dc:creator><category><![CDATA[Allgemein]]></category><category><![CDATA[Filmbesprechung]]></category><category><![CDATA[1970er]]></category><category><![CDATA[Barbara Bouchet]]></category><category><![CDATA[Das Haus an der Friedhofsmauer]]></category><category><![CDATA[Don't Torture a Duckling]]></category><category><![CDATA[Ein Zombie hing am Glockenseil]]></category><category><![CDATA[Eurokult]]></category><category><![CDATA[Geisterstadt der Zombies]]></category><category><![CDATA[Giallo]]></category><category><![CDATA[Italien]]></category><category><![CDATA[Lucio Fulci]]></category><category><![CDATA[Thriller]]></category><category><![CDATA[Tomas Milian]]></category><guid isPermaLink="false">http://incinemaveritas.com/?p=627</guid><description><![CDATA[Im Schatten der Autobahn im Süden Italiens liegt das kleine Dorf Accendura, in dem ein Junge vermisst wird. Nachdem die Polizei zuerst einen unschuldigen Stadtstreicher festnimmt, taucht die Leiche des gesuchten Kindes auf – und darauffolgend in kurzen Abständen zwei weitere junge Opfer. Die Polizei scheint im Dunkeln zu tappen. 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Nachdem die Polizei zuerst einen unschuldigen Stadtstreicher festnimmt, taucht die Leiche des gesuchten Kindes auf – und darauffolgend in kurzen Abständen zwei weitere junge Opfer. Die Polizei scheint im Dunkeln zu tappen. Stattdessen machen sich das reiche Großstadtpüppchen Patrizia (Barbara Bouchet), das nach einem Drogenskandal von ihrem Vater in das Dorf geschickt wurde, und der Journalist Andrea Martelli (Tomas Milian), der im Zuge der Kindermorde mit einer Traube von anderen Journalisten in das kleine Dorf eingefallen ist, auf die Suche nach dem Täter. Sie kommen diesem immer näher und lernen über den Dorf-Priester Don Alberto Avallone (Marc Porel) dessen geistig zurückgebliebene Schwester kennen, von der sie sicher sind, dass sie eine der Taten miterlebt hat. Als diese auch noch verschwindet, müssen sich Patrizia und Andrea beeilen, bevor noch ein weiterer Mord geschieht. In einem Showdown, der unerwarteter nicht sein könnte, gelingt es ihnen schlussendlich, den Täter zu stellen.</p><span id="more-627"></span><p>Lucio Fulci, der vielen eher durch seine Gore- und Splatter-Filme wie <em>Die Geisterstadt der Zombies </em>(1981), <em>Ein Zombie hing am Glockenseil </em>(1980) und <em>Das Haus an der Friedhofsmauer</em> (1981) bekannt ist, nannte in mehreren Interviews <strong>Don’t Torture a Duckling</strong> (OT: <strong>Non si sevizia un paperino) </strong>als Lieblingsfilm des eigenen Schaffens. Seine klassischen Gewaltexzesse treten hier komplett in den Hintergrund und nur noch die Leichenfunde selber sorgen für kurze Momente des Ekels – wenn z.B. eine alte Frau beim Waschen ein ertrunkenes Kind findet – und werden nicht als Schauwert ausgenutzt. Auch Tomas Milians sonst so übertriebene Coolness, die in vielen anderen Filmen der Zeit wie z.B. <em>Die Viper</em> (1976, R: Umberto Lenzi) oder <em>Der Berserker</em> (1974, R: Umberto Lenzi) meist im Mittelpunkt steht, ist zurückgeschraubt und in den Plot integriert. Tomas Milian glänzt hier als Schauspieler und nicht als Filmstar. Die Elemente, die jeden der Mitwirkenden ausmachen, sind zwar noch zu finden, stehen aber klar im Hintergrund der Geschichte. Selbst die wenigen Nackt-Szenen von Barbara Bouchet, die grade für jene bekannt war, bringen <strong>Don’t Torture a Duckling</strong> voran. So wird dem Zuschauer kein Spektakel geliefert, das von Gewalt, Coolness oder Sexappeal lebt, sondern ein Werk, das eine kohärente Geschichte erzählt, welche die Mitwirkenden perfekt integriert und zeitlos spannend ist.</p><p>Auch das Dorf selber schwebt in einer Art Zeitlosigkeit. Durch die Autobahn und die Technik, die nur sehr selten gezeigt wird, ist zwar klar, dass wir uns in den 70er Jahren befinden, aber das Dorf selber scheint im Mittelalter gefangen zu sein. Was erst durch die Architektur und Ausstattung der Häuser impliziert wird, zeigt sich dann auch ganz klar in den Köpfen der Dorfgemeinschaft selber. Die Bewohner von Accendura sind abergläubisch – so sehr, dass sie glauben, dass eine schwarze Hexe die Kinder umbringt – und rachsüchtig, was sich zeigt, als sie eben diese ‚Hexe‘ selbst lynchen. Glaube, Tugend und vor allem das Christentum werden großgeschrieben. Don Alberto Avallone ist in diesem Zusammenhang eine der wichtigsten Personen der Gemeinde. Andrea Martelli und Patrizia hingegen sind von dieser Gemeinde wie losgelöst und vertreten andere Werte, was schon alleine dadurch gezeigt wird, dass Patrizia im Film nackt eingeführt wird, wobei sie fast versucht den Jungen, der das erste Mordopfer ist, zu verführen. Martelli und Patrizia erfüllen somit die Voraussetzung von Giallo-Protagonisten, die immer ein neues Element in ihrer Umgebung sind. Sie sind losgelöst vom Dorf und losgelöst von dessen Menschen. Sie sind die Neuen, die Eindringlinge, die nicht mit den Gepflogenheiten vertraut sind und von den Bewohnern eher abweisend behandelt werden. Sie kennen niemanden und werden von wenigen Menschen freundlich willkommen geheißen. Somit bieten sie sich dem Zuschauer als perfekte Identifikationsfiguren und Führer in dieses neue, gruselige Giallo-Land an.</p><p>Die Gegenüberstellung von moderner Promiskuität und dem altertümlichen Glauben wird zum Zentralstück von <strong>Don’t Torture a Duckling</strong>. Die schwarze Hexe ist eine Frau, die auch ganz klar attraktiv ist; die, die im Dorf nicht willkommen sind, sind nicht standesgemäß gekleidet und wie sich herausstellt ist jedes der ermordeten Kinder vorher in die Versuchung geraten, etwas Sexuelles zu sehen. Sei es die nackte Patrizia oder der Geschlechtsakt einer Prostituierten. Die Kinder wurden aber nicht ermordet, weil sie etwas gesehen haben, sondern um sie vor weiteren Versuchungen zu schützen, anders als beim klassischen Giallo-Mord wird hier nichts vertuscht, sondern präventiv jemand von etwas ferngehalten. Dass der kirchliche Glaube sich hier der modernen, offenen und toleranten Welt entgegenstellt, ist genauso klar, wie dass er sich dem Schaffen von Lucio Fulci entgegenstellt, der bewusst immer wieder Grenzübertretungen in seinen Filmen zelebriert hat. Repression und Schuld werden zu den Hauptthemen des Filmes und die offene Kritik an der katholischen Kirche führte dazu, dass <strong>Don’t Torture a Duckling</strong> in Italien und auch darüber hinaus in der Welt lange keine Plattform erhielt. Die Thematik ist heute nach wie vor spannend und aktuell, wenn man sich anguckt, wie in vielen Ländern Kirche und Staat noch miteinander verbunden sind und Verbote, vor allem Abtreibung, Kondome und Homosexualität, immer noch mit religiösen Hintergründen erklärt werden.</p><p><strong>Don‘t Torture a Duckling</strong> ist nicht nur ein exzellenter Giallo, der bis zum Ende spannend bleibt, sondern auch ein Werk der Moderne, welches das Rückständige, in dem wer sündigt sterben muss, dem modernen Leben, in dem alle Sünde in sich tragen (personifiziert von Patrizia und Andrea), gegenüberstellt. Gegen das Schwarz-Weiß-Denken des Dorfes wird ein ganzes Farbspektrum gesetzt, das nicht nur durch Kleidung, sondern auch durch Zwischenschnitte auf die moderne Einrichtung Patrizias oder die bunten Autos auf der Autobahn immer wieder bewusst gemacht wird. Im fulminanten Showdown wird das Schwarz-Weiß dann regelrecht gestürzt, als es einen Berg hinunterfällt und mit Rot besudelt wird. Ob das Dorf selber daraus etwas gelernt hat, bleibt offen und dem Zuschauer überlassen. Lohnenswert ist <strong>Don‘t Torture a Duckling </strong>so alle mal. Und als Werk von einem der interessantesten Regisseure Italiens kann man ihn nur empfehlen.</p>]]></content:encoded><wfw:commentRss>http://incinemaveritas.com/2020/11/16/filmbesprechung-dont-torture-a-duckling-lucio-fulci-1972/feed/</wfw:commentRss><slash:comments>0</slash:comments><post-id xmlns="com-wordpress:feed-additions:1">627</post-id> </item><item><title>Schwarze Romantik im Stummfilm – Part 3: Die Hexe zwischen Aufklärung und Romantik</title><link>http://incinemaveritas.com/2020/08/23/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-3-die-hexe-zwischen-aufklaerung-und-romantik/</link><comments>http://incinemaveritas.com/2020/08/23/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-3-die-hexe-zwischen-aufklaerung-und-romantik/#respond</comments><pubDate>Sun, 23 Aug 2020 07:49:15 +0000</pubDate><dc:creator><![CDATA[Julian M.]]></dc:creator><category><![CDATA[Artikelreihe]]></category><category><![CDATA[Deep Dive]]></category><category><![CDATA[Benjamin Christensen]]></category><category><![CDATA[Carl Theodor Dreyer]]></category><category><![CDATA[Francisco de Goya]]></category><category><![CDATA[Häxan]]></category><category><![CDATA[Hexen]]></category><category><![CDATA[Schauerromantik]]></category><category><![CDATA[Schwarze Romantik]]></category><category><![CDATA[Stummfilm]]></category><category><![CDATA[Teufel]]></category><category><![CDATA[Victor Sjöström]]></category><guid isPermaLink="false">http://incinemaveritas.com/?p=600</guid><description><![CDATA[Sie braut magische Elixiere im stillen Kämmerlein, trifft sich mit ihresgleichen zu konspirativen Ritualen oder durchstreift auf einem Besen die Lüfte: die Hexe. Im dritten Teil der Artikelreihe wollen wir jener schwarzromantischen Figur und ihrer – im Allgemeinen recht spärlichen – medialen Präsenz im Kino des frühen 20. Jahrhunderts nachspüren. Abermals führt die Exkursion in die nordischen Gefilde Europas, wo abseits der deutschen Stummfilm-Industrie die wohl stärkste Verquickung von Schauerromantik und Bewegtbild existierte. Verantwortlich hierfür waren unter anderem Regiegrößen wie...<p class="read-more"><a class="btn btn-default" href="http://incinemaveritas.com/2020/08/23/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-3-die-hexe-zwischen-aufklaerung-und-romantik/">Weiterlesen<span class="screen-reader-text"> Weiterlesen</span></a></p>]]></description><content:encoded><![CDATA[<div class="wp-block-image"><figure class="aligncenter"><img data-attachment-id="602" data-permalink="http://incinemaveritas.com/2020/08/23/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-3-die-hexe-zwischen-aufklaerung-und-romantik/haexan/" data-orig-file="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan.jpg?fit=700%2C300" data-orig-size="700,300" data-comments-opened="1" data-image-meta="{"aperture":"0","credit":"","camera":"","caption":"","created_timestamp":"0","copyright":"","focal_length":"0","iso":"0","shutter_speed":"0","title":"","orientation":"1"}" data-image-title="Häxan" data-image-description="" data-medium-file="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan.jpg?fit=300%2C129" data-large-file="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan.jpg?fit=640%2C274" src="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan.jpg?w=640" alt="" class="wp-image-602" srcset="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan.jpg?w=700 700w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan.jpg?resize=300%2C129 300w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan.jpg?resize=604%2C259 604w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" data-recalc-dims="1" /><figcaption>Häxan (Copyright: The Criterion Collection)</figcaption></figure></div><p>Sie braut magische Elixiere im stillen Kämmerlein, trifft sich mit ihresgleichen zu konspirativen Ritualen oder durchstreift auf einem Besen die Lüfte: die Hexe. Im dritten Teil der Artikelreihe wollen wir jener schwarzromantischen Figur und ihrer – im Allgemeinen recht spärlichen – medialen Präsenz im Kino des frühen 20. Jahrhunderts nachspüren. Abermals führt die Exkursion in die nordischen Gefilde Europas, wo abseits der deutschen Stummfilm-Industrie die wohl stärkste Verquickung von Schauerromantik und Bewegtbild existierte. Verantwortlich hierfür waren unter anderem Regiegrößen wie <strong>Carl Theodor Dreyer</strong>, <strong>Victor Sjöström</strong> und <strong>Benjamin Christensen</strong>. Letzterer wagte mit <em>Die Hexe </em>(OT:<em> Häxan</em>) (1922) ein in vielerlei Hinsicht aufregendes Experiment, das darüber hinaus mit kunsthistorischen Bezügen zur Schwarzen Romantik aufwartet. </p><span id="more-600"></span><p><strong>Die Dialektik der Hexen – Zwischen Aufklärung und Romantik</strong><br>Zweifelsfrei ist <em>Häxan</em> das wohl unkonventionellste Werk dieser Artikelreihe. Als Hybridwesen siedelt die schwedische Produktion im schwer zu definierenden Niemandsland zwischen Spiel- und Dokumentarfilm – eine wegweisende Verquickung Anfang der 1920er Jahre. Zunächst bereitet ein essayistisches Kapitel den Einstieg ins Geschehen vor. Im ersten Akt kommentiert Regisseur <strong>Benjamin Christensen</strong> aus der Ich-Perspektive dokumentarisches Bildmaterial unterschiedlicher Quellen, das in den Hexen- und Dämonenglauben früherer Kulturen einführt. Erst mit dem Jahr 1488 setzt die – zugegebenermaßen mitunter nur wenig kohärente, aber umso magischere – Spielhandlung ein. Der Zuschauer wird Zeuge, wie Frauen sprichwörtlich des Teufels Hintern küssen, satanische Rituale auf dem Brocken feiern und die kirchlichen Inquisitoren ihrem gnadenlosen Tagewerk nachgehen. Abschließend springt der Film im siebenten Kapitel ins 20. Jahrhundert und wagt den Versuch, die vermeintlich verräterischen Hexenkennzeichen mittels moderner Psychologie zu deuten. Zeitgeschichtlich überlagert sich dieser Erklärungsansatz mit der aufkeimenden Popularität der Psychoanalyse.</p><div class="wp-block-jetpack-slideshow aligncenter" data-effect="slide"><div class="wp-block-jetpack-slideshow_container swiper-container"><ul class="wp-block-jetpack-slideshow_swiper-wrappper swiper-wrapper"><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-609" data-id="609" src="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan1.jpg?fit=640%2C504" srcset="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan1.jpg?w=1280 1280w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan1.jpg?resize=300%2C236 300w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan1.jpg?resize=768%2C604 768w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan1.jpg?resize=1024%2C806 1024w, 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class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-615" data-id="615" src="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan7.jpg?fit=640%2C480" srcset="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan7.jpg?w=1024 1024w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan7.jpg?resize=300%2C225 300w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan7.jpg?resize=768%2C576 768w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan7.jpg?resize=360%2C270 360w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> © The Criterion Collection </figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-613" data-id="613" 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swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-604" data-id="604" src="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Die-Lampe-des-Teufels-1797-1798.jpg?fit=640%2C910" srcset="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Die-Lampe-des-Teufels-1797-1798.jpg?w=2024 2024w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Die-Lampe-des-Teufels-1797-1798.jpg?resize=211%2C300 211w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Die-Lampe-des-Teufels-1797-1798.jpg?resize=768%2C1092 768w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Die-Lampe-des-Teufels-1797-1798.jpg?resize=720%2C1024 720w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Die-Lampe-des-Teufels-1797-1798.jpg?resize=190%2C270 190w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Die-Lampe-des-Teufels-1797-1798.jpg?w=1280 1280w, 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class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> © The Criterion Collection </figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-611" data-id="611" src="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan3.jpg?w=640" srcset="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan3.jpg?w=900 900w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan3.jpg?resize=300%2C236 300w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan3.jpg?resize=768%2C604 768w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Häxan3.jpg?resize=343%2C270 343w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" data-recalc-dims="1" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> © The Criterion Collection </figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-616" data-id="616" src="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Viejos_comiendo_sopa-1819-1823.jpg?fit=640%2C379" srcset="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Viejos_comiendo_sopa-1819-1823.jpg?w=3051 3051w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Viejos_comiendo_sopa-1819-1823.jpg?resize=300%2C178 300w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Viejos_comiendo_sopa-1819-1823.jpg?resize=768%2C455 768w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Viejos_comiendo_sopa-1819-1823.jpg?resize=1024%2C606 1024w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Viejos_comiendo_sopa-1819-1823.jpg?resize=456%2C270 456w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Viejos_comiendo_sopa-1819-1823.jpg?w=1280 1280w, 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class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> © The Criterion Collection </figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-618" data-id="618" src="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Francisco_de_Goya_y_Lucientes-Flug-der-Hexen-1797-1798-1.jpg?fit=640%2C917" srcset="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Francisco_de_Goya_y_Lucientes-Flug-der-Hexen-1797-1798-1.jpg?w=2143 2143w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Francisco_de_Goya_y_Lucientes-Flug-der-Hexen-1797-1798-1.jpg?resize=209%2C300 209w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Francisco_de_Goya_y_Lucientes-Flug-der-Hexen-1797-1798-1.jpg?resize=768%2C1101 768w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/08/Francisco_de_Goya_y_Lucientes-Flug-der-Hexen-1797-1798-1.jpg?resize=715%2C1024 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class="wp-block-jetpack-slideshow_pagination swiper-pagination swiper-pagination-white"></div></div></div><p>Wie bereits angedeutet, nimmt <em>Häxan </em>in vielfacher Hinsicht eine Sonderstellung ein. Aus einer aufgeklärten, vernunftorientierten Perspektive widmet sich <strong>Benjamin Christensen</strong> der Geschichte des Hexenglaubens und deklariert diesen – und somit die Hexe per se – gleich zu Beginn als Ausgeburt eines naiven Weltbildes. Hierbei offenbart sich die fruchtbare Ambivalenz des filmischen Ansatzes. Denn trotz des unmissverständlich antiromantischen Grundtenors schwelgt der Regisseur in den Bildwelten der Schauerromantik, die eine metaphysische Atmosphäre voller Angst und Unbehagen forcieren. Bei alledem soll jedoch nicht die Existenz des Übernatürlichen als Faktum etabliert werden. Vielmehr sucht <strong>Benjamin Christensen</strong> nach visuellen Äquivalenten, um die allgegenwärtige Furcht vor Hexen und Dämonen aus dem subjektiven Blickwinkel seiner Figuren in erschreckenden Bildkompositionen zu manifestieren. Schlussendlich zu diesem Zweck verwertet <strong>Christensen </strong>wiederholt gängige Themen aus der schwarzromantischen Literatur und Bildkunst, beispielsweise die Visualisierung des Teufels, den rasenden Wahnsinn der Ordensschwestern und die mannigfaltigen, okkulten Praktiken. </p><p><strong>Auf den Spuren von Francisco de Goya und Heinrich Kramer</strong><br>Zwar lassen sich in <em>Häxan </em>keine konkreten Einstellungen unmittelbar auf schwarzromantisch geprägte Gemälde zurückführen, dennoch atmet die schwedische Produktion den Geist eines bestimmten Künstlers: <strong>Francisco de Goya</strong> (1746 – 1828). In seinen Werken thematisierte der spanische Maler wiederholt die Schattenseiten der menschlichen Existenz, wobei insbesondere in der späten Schaffensphase auffällig eigenwillige Bildwelten dominierten. Parallel zu dieser Entwicklung rückte zusehends das Abgründige und zuweilen Übernatürliche in den Vordergrund. Die Gemälde <em>Flug der Hexen</em> (1797/1798), <em>Hexensabbat</em> (1819 – 1823, Pinturas Negras-Zyklus), <em>Zwei Alte essen Suppe</em> (1820 – 1823, Pinturas Negras-Zyklus) und <em>Eine feine Lehrmeisterin</em> (1797-1799) aus dem Los Caprichos-Zyklus wirken dabei wie atmosphärische Blaupausen für die unheimlichen Geschehnisse in <em>Häxan</em>. Zugleich fungiert letztere Aquatinta-Grafik – durch ihre Reproduktion im einleitenden, essayistisch geprägten Kapitel des Films – als konkretes Indiz dafür, dass die hier aufgestellte Verbindung zwischen Regisseur und Maler keinesfalls willkürlicher Natur ist. </p><p>Abseits der schwarzromantischen Vorbilder bezog <strong>Benjamin Christensen</strong> vielfach Inspiration aus einem literarischen Werk des 15. Jahrhunderts: dem Hexenhammer (<a href="http://www.criterion.com/films/352-haxan">Criterion Collection</a>). Jenes barbarische, 700 Seiten umfassende Manifest entstammte der Feder von <strong>Heinrich Kramer</strong> – seines Zeichens Dominikanermönch und Inquisitor unter <strong>Papst Innozenz VIII</strong>. Der Hexenhammer – oder auch: <em>Malleus Maleficarum</em> – diente in Europa als offizielle Richtlinie zur Identifizierung und Verfolgung von Hexen. Hierbei definierte das Werk die Ursprünge der Hexerei, führte vermeintliche Beispiele für die verheerenden Mächte jener Teufelsjüngerinnen an und gab abschließende Hinweise zur effektiven Neutralisation der Bedrohung. <strong>Benjamin Christensen</strong> betonte diesen tragischen, durch die Veröffentlichung des Hexenhammers bedingten, Einschnitt in die europäische Geschichte, indem er die Spielhandlung von <em>Häxan</em> unmittelbar nach Erscheinen des Pamphlets (1487) ansiedelte. (<a href="http://www.planet-wissen.de/politik_geschichte/verbrechen/hexenverfolgung/hexen_hammer.jsp">Planet-Wissen</a>, <a href="http://www.historicum.net/themen/hexenforschung/lexikon/alphabethisch/h-o/art/Malleus_Malefic/html/artikel/5937/ca/056e2e50f514a46170fc62a4781f3361/">historicum</a>)</p><p>Ursprünglich war <em>Häxan </em>als Auftakt einer Trilogie konzipiert, die sich der <em>Geschichte des Aberglaubens</em> verschrieben hatte. Die intendierten Nachfolger sollten die Titel <em>Helgeninde</em> (The Woman Saint) und <em>Ånder</em> (Spirits) tragen. Bekanntermaßen vermochte es der Regisseur jedoch nie, diese Projekte zu realisieren. Interessanterweise lag die Schuld indirekt bei <strong>Benjamin Christensen</strong> selbst. Sein notorischer Perfektionismus und das damit einhergehende weit überzogene Budget von <em>Häxan </em>ließen die Fortsetzungen wohl nur bedingt lukrativ erscheinen. Zu jenem Aspekt gesellten sich die durchwachsenen Zuschauerreaktionen, die der Erstling im Zuge seiner internationalen Veröffentlichung erntete. Zwar fand <em>Häxan </em>in Dänemark und Schweden durchaus sein Publikum, nichtsdestotrotz erwies sich die sexuell aufgeladene Horrorvision als ihrer Zeit voraus, wie auch ein damaliges Zitat aus der New York Times mit latent spöttelndem Unterton nahelegt: <em>Come back with your film in 25 years, Mr. Christensen, and maybe then America will be mature enough to understand your art.</em> Dem ist nichts mehr hinzuzufügen. (<a href="http://www.fabpress.com/books/witchcraft-through-the-ages-paperback.html">Witchcraft Through the Ages: The Story of Haxan, the World’s Strangest Film, and the Man Who Made it</a> & <a href="http://stummfilmsymposium.wordpress.com/category/filmgeschichte/page/2/">Stummfilm-Symposium Heidelberg</a>) </p><p>Der Artikel ist zuerst auf <a href="http://www.moviepilot.de">moviepilot.de</a> erschienen! </p>]]></content:encoded><wfw:commentRss>http://incinemaveritas.com/2020/08/23/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-3-die-hexe-zwischen-aufklaerung-und-romantik/feed/</wfw:commentRss><slash:comments>0</slash:comments><post-id xmlns="com-wordpress:feed-additions:1">600</post-id> </item><item><title>Filmbesprechung: Der Leuchtturm (Robert Eggers, 2019)</title><link>http://incinemaveritas.com/2020/07/23/filmbesprechung-der-leuchtturm-robert-eggers-2019/</link><comments>http://incinemaveritas.com/2020/07/23/filmbesprechung-der-leuchtturm-robert-eggers-2019/#respond</comments><pubDate>Thu, 23 Jul 2020 20:21:17 +0000</pubDate><dc:creator><![CDATA[Julian M.]]></dc:creator><category><![CDATA[Allgemein]]></category><category><![CDATA[Filmbesprechung]]></category><category><![CDATA[2010er]]></category><category><![CDATA[Chiaroscuro]]></category><category><![CDATA[Horrorfilm]]></category><category><![CDATA[Martin Scorsese]]></category><category><![CDATA[Robert Eggers]]></category><category><![CDATA[Shutter Island]]></category><category><![CDATA[The Lighthouse]]></category><category><![CDATA[The Witch]]></category><category><![CDATA[Thriller]]></category><category><![CDATA[Weimarer Kino]]></category><category><![CDATA[Willem Dafoe]]></category><guid isPermaLink="false">http://incinemaveritas.com/?p=586</guid><description><![CDATA[Es herrscht grau. Ein jedwede Orientierung negierender Schleier verhüllt die Sicht. Nur langsam schält sich eine – zunächst nur schemenhaft auszumachende – Kontur aus dem alles nivellierenden Nebel heraus: Ein kleines Boot, welches unverdrossen den Widrigkeiten der Natur trotzt und der See auf seinem Weg Meter um Meter abringt. In der Ferne ertönt ein Nebelhorn. Zweifelsohne nicht nur ein innerdiegetisches, maritimes Warnsignal, sondern gleichermaßen auch für die Rezipienten von Robert Eggers Der Leuchtturm (OT: The Lighthouse, 2019) ein akustischer Marker,...<p class="read-more"><a class="btn btn-default" href="http://incinemaveritas.com/2020/07/23/filmbesprechung-der-leuchtturm-robert-eggers-2019/">Weiterlesen<span class="screen-reader-text"> Weiterlesen</span></a></p>]]></description><content:encoded><![CDATA[<div class="wp-block-image"><figure class="aligncenter"><img data-attachment-id="587" data-permalink="http://incinemaveritas.com/2020/07/23/filmbesprechung-der-leuchtturm-robert-eggers-2019/der-leuchtturm/" data-orig-file="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/07/Der-Leuchtturm.jpg?fit=700%2C300" data-orig-size="700,300" data-comments-opened="1" data-image-meta="{"aperture":"0","credit":"","camera":"","caption":"","created_timestamp":"0","copyright":"","focal_length":"0","iso":"0","shutter_speed":"0","title":"","orientation":"1"}" data-image-title="Der Leuchtturm" data-image-description="" data-medium-file="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/07/Der-Leuchtturm.jpg?fit=300%2C129" data-large-file="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/07/Der-Leuchtturm.jpg?fit=640%2C274" src="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/07/Der-Leuchtturm.jpg?w=640" alt="" class="wp-image-587" srcset="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/07/Der-Leuchtturm.jpg?w=700 700w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/07/Der-Leuchtturm.jpg?resize=300%2C129 300w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/07/Der-Leuchtturm.jpg?resize=604%2C259 604w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" data-recalc-dims="1" /><figcaption>Copyright: Universal Pictures</figcaption></figure></div><p>Es herrscht grau. Ein jedwede Orientierung negierender Schleier verhüllt die Sicht. Nur langsam schält sich eine – zunächst nur schemenhaft auszumachende – Kontur aus dem alles nivellierenden Nebel heraus: Ein kleines Boot, welches unverdrossen den Widrigkeiten der Natur trotzt und der See auf seinem Weg Meter um Meter abringt. In der Ferne ertönt ein Nebelhorn. Zweifelsohne nicht nur ein innerdiegetisches, maritimes Warnsignal, sondern gleichermaßen auch für die Rezipienten von Robert Eggers <strong>Der Leuchtturm </strong>(OT: <strong>The Lighthouse, 2019) </strong>ein akustischer Marker, der zur Obacht gemahnt. Und dies zu Recht, denn der Regisseur von <em>The Witch</em> (2015) entfesselt im Rahmen seines zweiten Langfilms einen höchst intensiven Parforceritt, infolgedessen Realität und Wahnsinn beginnen, ineinander überzugleiten. </p><span id="more-586"></span><p>Neuengland, 19. Jahrhundert: Ephraim Winslow (Robert Pattinson) und Thomas Wake (Willem Dafoe) treten ihren mehrwöchigen Dienst als Leuchtturmwärter auf einem verlassenen Eiland vor der nordamerikanischen Atlantikküste an. Schon bald merkt Grünschnabel Winslow, dass sich der Alltag auf der Insel anders gestaltet, als erhofft. Insbesondere das launische wie gleichsam herrische Gemüt seines Vorgesetzten macht ihm zu schaffen. Als zu allem Überfluss nach Ende der gemeinsamen Dienstwochen das Boot mit der langersehnten Ablösung ausbleibt, drohen alle mühsam im Zaum gehaltenen Streitigkeiten abermals hervorzubrechen. Chaos reigns!</p><p>Mythisch, voll abgründiger Schönheit und zugleich höchst vielschichtig – so präsentiert sich das klaustrophobische Psychoduell <strong>Der Leuchtturm</strong>. Im Kern erweist sich Robert Eggers zweite Regiearbeit dabei als ein Werk des kontinuierlichen Kampfes. Das Motiv des erbitterten Ringens – in enger Verflechtung mit mannigfaltigen Gegensatzpaarungen – durchzieht das Werk wie ein roter Faden, wobei sich dieser in unterschiedlichster Form im filmischen Text manifestiert. Gleichgültig ob es <em>Mensch gegen Natur</em>, <em>Mensch gegen Mensch </em>oder <em>der</em> <em>Mensch gegen sich selbst </em>heißt, wiederholt steht das Aufeinanderprallen konfligierender Parteien im Fokus, was für eine Vielzahl an vollends ausgekosteten Reibungsmomenten sorgt. Abseits dieser skizzierten Kriegsschauplätze – aber beileibe nicht losgelöst von ihnen – vollzieht sich in <strong>Der Leuchtturm </strong>noch ein abstrakteres, immerwährendes und dem Kino-Dispositiv ebenfalls inhärentes Gefecht: <em>Licht gegen Dunkelheit</em>. Konkret an den filmischen Text zurückgebunden, gilt es mit jeder heranziehenden Nacht von Neuem, die trügerische Dunkelheit – im Rahmen der technischen Möglichkeiten – in ihre Schranken zu verweisen und den Kapitänen auf See das lebensnotwendige Gut zu spenden. Interessanterweise entwickelt sich zugleich genau dieses Licht – Synonym für Wärme, Geborgenheit, Schutz, Aufklärung und das Transzendentale – zu einem der Hauptstreitpunkte zwischen Ephraim Winslow und seinem Vorgesetzten Wake. An dieser Stelle offenbart <strong>Der Leuchtturm</strong> seine Komplexität. Er bereichert die Ebene interpersoneller Unstimmigkeiten – besagtes Licht, an welches Thomas seinen Untergebenen nicht heranlassen will und zu dem er selbst eine fetischisierte Beziehung unterhält – um einschlägige Motive und Figuren griechischer Sagen. Konkret verarbeitet Eggers u.a. Motive der Prometheus-Erzählung, worin jener Titan den Menschen das Feuer überbringt, obwohl sich der Göttervater Zeus zuvor ausdrücklich dagegen ausspricht, es mit den Menschen zu teilen. Auf derlei Art und Weise inszeniert der Regisseur seine Geschichte im Subtext als göttlichen Zwist, verleiht dem zentralen Widerstreit eine gar mythische Grandeur, wobei dem jungen Protagonisten Winslow ein an Prometheus‘ Bestrafung angelehntes Schicksal widerfährt – vermutlich jedoch ohne den zermürbenden Ewigkeitsansatz der Zeusschen Maßregelung.</p><p>Wie schon Martin Scorsese mit <em>Shutter Island </em>so nutzt auch Robert Eggers das Setting des abgeschotteten Eilands, um einen klaustrophobisch-halluzinatorischen Fiebertraum zu orchestrieren. Verglichen mit Scorseses Widescreen-Extravaganza schlägt Eggers jedoch die deutlich unkonventionellere Richtung ein. Hierzu greift er auf formal-ästhetischer Ebene zu einem kleinen Kuriosum, insofern es kontemporäre Kinofilme betrifft. Zu einer Zeit, in der bereits das 4:3-Format des klassischen Röhrenfernsehers zum Relikt einer noch nicht allzu fernen Technik-Vergangenheit geworden ist, wählt der Regisseur mit 1.19:1 ein noch weitaus antiquierteres Bildseitenverhältnis. Offenkundig sind hierbei die Allusionen in Bezug auf die frühen Jahre der Filmgeschichte. Eggers kreiert Pastiche und konsolidiert diese Intention zugleich durch weitere kinematographische Parameter. So weisen zum Beispiel viele Szenen einen profunden Hang zur Chiaroscuro-Ästhetik des frühen Weimarer Kinos auf. Doch <strong>Der Leuchtturm </strong>huldigt mit seinem ingeniösen visuellen Konzept nicht einfach nur einer vergangenen Filmepoche bzw. verpflichtet sich nicht dem plakativen Selbstzweck. Vielmehr geht er weit über den Gestus des Nachahmens hinaus. So unterstützen besagte formal-ästhetische Entscheidungen auf höchst effektive Art und Weise das filmische Narrativ. Wenn also im Rahmen der Chiaroscuro-Beleuchtung – ein der Malerei entlehnter Terminus für eine kinematographische Lichtsetzung mit einem speziellen Verhältnis von Führungs- und Fülllicht – gleißende Helligkeit auf undurchdringliche Schattenbereiche trifft, dann verhandelt <strong>Der Leuchtturm</strong> mit dieser kontrastreichen Visualität nichts Geringeres als die Essenz all der in diesem Film durchexerzierten Gegensätze, die im Widerstreit miteinander kollidieren. Und auch wenn beispielsweise am Ende Ephraim Winslow dem ersehnten Licht des Leuchtturms – und all der damit vermeintlich verbundenen Konnotationen – habhaft wird, aus dem Konflikt mit Wake also siegreich hervorgeht, so bringt das Licht doch kurioser Weise für ihn weder Geborgenheit noch Wärme. Vielmehr macht das unerbittliche Gleißen zuvor Verstecktes sichtbar. Es zerrt ins Scheinwerferlicht, was an menschlichen Abgründen in den Schattenbereichen der Bildkompositionen geschlummert haben mag, sodass schlussendlich nur eine Fratze wahnsinniger (Selbst-)Erkenntnis verbleibt.</p><p>Gerahmt wird dieser Ausdruck blanken Horrors – wie gleichfalls der restliche Spielfilm – in besagtem 1.19:1 Bildformat. Auch hinter dem heutzutage antiquiert anmutenden Seitenverhältnis verbirgt sich mehr als nur ein technisches Gimmick bzw. eine Bezugnahme auf frühere Epochen der Filmgeschichte. Anstatt es Martin Scorsese gleichzutun – d.h. eines der unterschiedlichen Widescreen-Formate zu wählen, welche prädestiniert dafür sind, weitläufige Landschaftsaufnahmen optimal in Szene zu setzen –, wählt Regisseur Robert Eggers eine Aspect Ratio, die genau dem gegenteiligen Anliegen Vorschub leistet und mit wahrhaftiger Effizienz ein Gefühl von räumlicher Enge auf Rezeptionsebene heraufbeschwört. Gleichsam einer viereckigen Schlinge legt sich die nahezu quadratische Rahmung um die Geschehnisse innerhalb der Kadrage. Die Wirkmächtigkeit dieser formal-ästhetischen Entscheidung lässt sich in diesem Zusammenhang wohl auch aus dem mittlerweile vollkommen konträr konditionierten Zuschauerblick ableiten. Eine besondere Rolle übernimmt hierbei das filmische Off. Obwohl eigentlich bei jedem Film die Frage nach dem <em>hors-champ </em>unterschwellig mitschwingt – die diegetische Welt hört schließlich nicht schlagartig an den Bildrändern auf, sondern wird in der Regel hinter der Bildrahmenbegrenzung weiter imaginiert –, so erscheint sie hier ungleich virulenter. Die Schwärze des <em>hors-champ</em> zur linken wie zur rechten Seite der Leinwand beginnt früher, d.h. verdeckt mehr, als es der zeitgenössische Zuschauer in der gängigen Praxis durch die Breitbildformate gewohnt ist. Vor diesem Hintergrund bricht sich ein Werk dominierendes Gefühl der Klaustrophobie Bahn, welches durch ein visuelles Informationsdefizit bedingt ist und dazu dient, die Situation der Protagonisten zu akzentuieren.</p><p>Robert Eggers <strong>Der Leuchtturm</strong> ist ein Paradebeispiel für das oft bemühte Credo <em>Form follows Function. </em>Der Regisseur präsentiert ein ästhetisch höchst wohlgefälliges wie zugleich bis ins letzte Detail durchkomponiertes Werk, welches sein audiovisuelles Potenzial voll ausschöpft, um die zu erzählende Geschichte zu unterstützen. Jede Pore des Films atmet Isolation, Wahnsinn und Konflikt. Genannte Aspekte verbinden sich über den Spielfilmverlauf zu einem komplexen Maelström, der die Rezipienten hinfort reißt und nicht mehr freizugeben droht. Mehr und mehr drängen zugleich Elemente des Mythisch-Phantastischen in die entfaltete Erzählung. Im Zuge dessen verwischen die ohnehin fragilen Grenzziehungen zwischen Realität und Halluzination schlussendlich zur Gänze – und das keinesfalls nur für Ephraim Winslow. Zurück bleiben ein zutiefst verstörter Zuschauer und eine letzte Gewissheit: Robert Eggers <strong>Der Leuchtturm</strong> strahlt wie kaum ein anderes kinematographisches Werk der letzten Jahre.</p>]]></content:encoded><wfw:commentRss>http://incinemaveritas.com/2020/07/23/filmbesprechung-der-leuchtturm-robert-eggers-2019/feed/</wfw:commentRss><slash:comments>0</slash:comments><post-id xmlns="com-wordpress:feed-additions:1">586</post-id> </item><item><title>Schwarze Romantik im Stummfilm – Part 2: Der Vampir im Bann des Okkultismus</title><link>http://incinemaveritas.com/2020/06/26/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-2-der-vampir-im-bann-des-okkultismus/</link><comments>http://incinemaveritas.com/2020/06/26/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-2-der-vampir-im-bann-des-okkultismus/#respond</comments><pubDate>Fri, 26 Jun 2020 14:06:00 +0000</pubDate><dc:creator><![CDATA[Julian M.]]></dc:creator><category><![CDATA[Artikelreihe]]></category><category><![CDATA[Deep Dive]]></category><category><![CDATA[Albin Grau]]></category><category><![CDATA[Carl Theodor Dreyer]]></category><category><![CDATA[Caspar David Friedrich]]></category><category><![CDATA[Der Nachtmahr]]></category><category><![CDATA[Friedrich Wilhelm Murnau]]></category><category><![CDATA[Jean-François Millet]]></category><category><![CDATA[Johann Heinrich Füssli]]></category><category><![CDATA[Nosferatu]]></category><category><![CDATA[Okkultismus]]></category><category><![CDATA[Schwarze Romantik]]></category><category><![CDATA[Stummfilm]]></category><category><![CDATA[Vampire]]></category><category><![CDATA[Vampyr]]></category><guid isPermaLink="false">http://incinemaveritas.com/?p=556</guid><description><![CDATA[Eine Aura des Gespenstischen und Bizarren durchdringt die Werke der Schwarzen Romantik, weshalb sie bereits in frühen Kinojahren als gestalterische Blaupausen für düstere Stimmungsbilder (Schwarze Romantik – Von Goya bis Max Ernst) dienten. Hierbei unterschied sich der Grad der kinematographischen Aneignung mitunter stark. Die Spannweite reichte von direkten Referenzen mit größtmöglicher Nähe zum anvisierten Gemälde bis hin zur rein atmosphärischen Nachempfindung der Vorlage. Kunstaffine Regisseure wie Carl Theodor Dreyer und F.W. 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Hierbei unterschied sich der Grad der kinematographischen Aneignung mitunter stark. Die Spannweite reichte von direkten Referenzen mit größtmöglicher Nähe zum anvisierten Gemälde bis hin zur rein atmosphärischen Nachempfindung der Vorlage. Kunstaffine Regisseure wie <strong>Carl Theodor Dreyer </strong>und <strong>F.W. Murnau</strong> erkannten das Potential derartiger intermedialer Verquickungen und schöpften es wiederholt aus. Der zweite Artikel der Reihe <em>Schwarze Romantik im Stummfilm</em> wandelt auf den Spuren des Blutsaugers. Im Fokus stehen dabei die finsteren Meisterwerke <em>Vampyr – Der Traum des Allan Grey</em> (1932) und <em>Nosferatu, eine Symphonie des Grauens</em> (1922), deren literarische Ursprünge in der <em>gothic fiction</em> – der englischsprachigen Ausprägung der Schauerromantik – liegen.</p><span id="more-556"></span><p><strong>Carl Theodor Dreyer und das Wesen der Nacht</strong><br>Neben den deutschen Stummfilm-Regisseuren weisen die nordeuropäischen Kollegen jener Epoche einen ähnlich starken Hang zu schwarzromantischen Motivwelten auf. So besitzt beispielsweise <strong>Carl Theodor Dreyers</strong> <em>Vampyr </em>– eine deutsche Produktion unter dänischer Regie – mannigfaltige Querverbindungen zu den Werken jener Künstler, die sich im Geiste den unheimlichen und metaphysischen Aspekten des Daseins verpflichtet fühlten. Der zwischen Stumm- und Tonfilm angesiedelte <em>Vampyr </em>lockt die Zuschauer in eine entmaterialisierte Schemenwelt, in der Traum und Realität beinahe übergangslos verschmelzen. Im Mittelpunkt steht der junge Student Allan Grey (<strong>Julian West</strong>). Während einer Reise lernt der Flaneur die kränkliche Léone (<strong>Sybille Schmitz</strong>) kennen. Als Bettlägerige fristet sie ihre Tage im elterlichen Schloss. Die Familie sowie der Hausarzt scheinen bezüglich ihres gesundheitlichen Zustands machtlos. Erst das mysteriöse Buch <em>Die seltsame Geschichte der Vampyre</em> bringt ein Stück weit Licht ins Dunkel. Wie darin nachzulesen ist, leidet die gesamte Ortschaft unter dem Bann der Vampirin Marguerite Chopin. Zur Erweiterung ihrer Gefolgschaft versucht diese nun die wehrlose Léone gefügig zu machen.</p><div class="wp-block-jetpack-slideshow aligncenter" data-effect="slide"><div class="wp-block-jetpack-slideshow_container swiper-container"><ul class="wp-block-jetpack-slideshow_swiper-wrappper swiper-wrapper"><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-574" data-id="574" src="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/IMG_0121.jpg?fit=640%2C480" srcset="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/IMG_0121.jpg?w=2048 2048w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/IMG_0121.jpg?resize=300%2C225 300w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/IMG_0121.jpg?resize=768%2C576 768w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/IMG_0121.jpg?resize=1024%2C768 1024w, 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class="wp-block-jetpack-slideshow_button-pause" role="button"></a><div class="wp-block-jetpack-slideshow_pagination swiper-pagination swiper-pagination-white"></div></div></div><p>Aufgrund eines langjährigen Rechtsstreits mit seiner Produktionsfirma <em>Société Générale des Films</em> sah sich <strong>Carl Theodor Dreyer</strong> gezwungen, neue Geldgeber für die Produktion von <em>Vampyr </em>zu akquirieren. In <strong>Nicolas de Gunzburg</strong> (aka <strong>Julian West</strong>) fand der Regisseur einen bereitwilligen Gönner, der ihm die nötigen Mittel im Gegenzug für eine Rolle im anstehenden Projekt zur Verfügung stellte (<a href="http://english.carlthdreyer.dk/AboutDreyer/Biography/Biography---extended.aspx">Carl Th. Dreyer</a>). Interessanterweise offenbaren sich die Bezüge zur Schwarzen Romantik insbesondere im Charakter des von <strong>de Gunzburg</strong> verkörperten Allan Grey, der unverkennbare Merkmale einer romantischen Seele aufweist. Bezeugt wird dies primär durch eine ausgesprochene Empfänglichkeit für alles Unheimliche und Irrationale, wovon die kleine Ortschaft Courtempierre mehr als genug zu bieten vermag. Ein Zwischentitel zu Beginn proklamiert zudem Greys akademisches Interesse an Vampiren und Teufeln. Mit derartigen Neigungen durfte sich der junge Student in bester Gesellschaft wähnen. Geistesverwandte Seelen fanden sich unter den vielen schwarzromantisch geprägten Künstlern des 19. Jahrhunderts. So widmeten sich Maler und Schriftsteller wie <strong>E.T.A. Hoffmann</strong>, <strong>Victor Hugo</strong> und <strong>Edvard Munch</strong> mit Eifer der Untersuchung metaphysischer Erscheinungen. Letztgenannter glaubte beispielsweise an die Existenz übernatürlicher Wesen und sah allein in der Beschaffenheit unserer Augen den limitierenden Faktor im Hinblick auf Geistersichtungen. (<a href="http://www.hatjecantz.de/schwarze-romantik-3135-0.html">Schwarze Romantik – Von Goya bis Max Ernst</a>)</p><p>Um die irreale Schaueratmosphäre von Vampyr zu kreieren, griff <strong>Carl Th. Dreyer</strong> auf zahlreiche schwarzromantische Anleihen zurück. Wie dem <em>Visual Essay</em> der britischen Eureka-DVD zu entnehmen ist, kam dem Maler <strong>Francisco de Goya</strong> hierbei eine Sonderstellung zu. So brachte der Regisseur unterschiedliche Gemälde des Künstlers zur Einstimmung der Schauspieler mit ans Set. Zusätzlich bezog sich <strong>Dreyer</strong> bei der Bildkomposition oftmals auf konkrete kunsthistorische Vorlagen. Dem (alp)traumgleichen Charakter der Erzählung entsprechend orientierte er sich in einer Szene an <strong>Johann Heinrich Füsslis</strong> <em>Der Nachtmahr</em> (1790/91) (<a href="http://www.hatjecantz.de/schwarze-romantik-3135-0.html">Schwarze Romantik – Von Goya bis Max Ernst</a>). Das Gemälde zeigt eine schlafende Dame. Auf ihrem Körper lastet ein hämisch grinsender Dämon – Mahr oder Alb genannt –, der sie in eine resignierte Pose zwingt und ihr schreckliche Träume beschert. <strong>Dreyer </strong>adaptiert die düstere Vorlage, um Léones Hilflosigkeit während eines nächtlichen Übergriffs durch Marguerite Chopin zu unterstreichen. Analog zum Alb thront die alte Vampirin über ihrem weiblichen Opfer. Die schwerkranke Léone nimmt dabei die gleiche dramatische Körperhaltung wie die Dame auf dem Füssli-Gemälde ein. Nicht nur in jenem Moment verwischt das Werk die mediale Grenze zwischen Film und Bildender Kunst. Auch die wohl atmosphärischste Bildkomposition – ein schwarz gekleideter Mann mit Sense am Fluss – wirkt, als habe sie Dreyer direkt einem Gemälde (<em>Tod und der Holzfäller</em> von <strong>Jean-François Millet</strong> (1859)) entrissen. (<a href="http://eurekavideo.co.uk/moc/catalogue/vampyr">Eureka-DVD</a>)</p><p><strong>Nosferatu und die Berliner Okkultisten-Logen</strong><br>Gemäß eigener Aussage war für <strong>Carl Th. Dreyer</strong> der Untoten-Stoff kaum mehr als ein ehrgeiziges Experiment, das ihm helfen sollte, aus bewährten Mustern auszubrechen und filmisches Neuland zu erschließen (<a href="http://english.carlthdreyer.dk/AboutDreyer/Biography/Biography---extended.aspx">Carl Th. Dreyer</a>). Gänzlich anders verhielt es sich hingegen im Fall von <strong>Albin Grau</strong> – neben <strong>F.W. Murnau</strong> der federführende Kopf hinter dem Horror-Klassiker <em>Nosferatu</em>. Der Produzent zeigte sich nicht nur im abgesteckten Rahmen der Filmproduktion fasziniert von paranormalen Erscheinungen. Seine Passion für derlei Themen verfolgte ihn vielmehr bis in die tiefsten Sphären des Privatlebens. Wie <strong>E.T.A. Hoffmann</strong>,<strong> Victor Hugo</strong> und Co. setzte er sich mit metaphysischen Phänomenen auseinander. Im Verlauf der 1920er Jahre trat er als Mitglied der Pansophischen Gesellschaft und der Fraternitas Saturni – zwei Okkultisten-Logen mit Sitz in Berlin – in Erscheinung. Zudem veröffentlichte er Artikel und Illustrationen in der esoterischen Publikation <em>Saturn Gnosis</em>. Insbesondere vor diesem persönlichen Hintergrund erhält die Anziehungskraft, die das Vampirthema auf <strong>Albin Grau</strong> ausgeübt haben muss, eine gänzlich andere Qualität. (<a href="http://www.vierundzwanzig.de/maskenbild/interview_mit_michael_farin">vierundzwanzig.de</a> und <a href="http://www.eurekavideo.co.uk/moc/catalogue/nosferatu/">Eureka-DVD</a>)</p><p>Obwohl rückblickend vorrangig der Name <strong>F.W. Murnau</strong> im Zusammenhang mit <em>Nosferatu </em>fällt, zeichnete der visionäre Stummfilm-Regisseur nicht alleine für das Meisterwerk verantwortlich. In vielerlei Hinsicht zeigt sich das filmische Resultat maßgeblich durch die künstlerische Leitung <strong>Albin Graus</strong> geprägt, der neben seiner Produzentenrolle zusätzlich die Verantwortung für Kostüm, Maske und Setdesign übernahm. Sein diesbezüglich essentiellster Beitrag war sicherlich die visuelle Ausformulierung des Vampirgrafen (Max Schreck). Hierbei schöpfte <strong>Grau </strong>aus den unterschiedlichsten Quellen. Als Inspiration dienten ihm einerseits <strong>Hugo Steiner-Prags</strong> Illustrationen für den Roman <em>Der Golem</em> (<a href="http://www.eurekavideo.co.uk/moc/catalogue/nosferatu/">Eureka-DVD</a>). Andererseits erinnert insbesondere der ausgeprägte vertikale Habitus des transsilvanischen Adligen stark an das Gemälde <em>Der Dämon</em> (1903) von <strong>Alfred Kubin</strong> (<a href="http://www.hatjecantz.de/schwarze-romantik-3135-0.html">Schwarze Romantik – Von Goya bis Max Ernst</a>). Doch nicht nur die Figur des Nosferatu besitzt signifikante schwarzromantische Bezüge. Auch die Settings bergen bei genauerer Betrachtung eine Vielzahl kunsthistorischer Verweise. Als dominanteste Einflussquelle erweist sich hierbei <strong>Caspar David Friedrich</strong>, dessen Werke wie <em>Schiff auf hoher See mit vollen Segeln</em> (1815), <em>Trauerszene</em> (1799) und <em>Frau am Fenster</em> (1822) oftmals mit erstaunlicher Detailschärfe auf Zelluloid gebannt wurden. Die Wahl des Künstlers – respektive der Gemälde – stellt dabei natürlich keine dekorative Willkür dar. Bewusst ziehen hier die Filmemacher Bildwelten heran, die das inhärent Melancholische wie Sehnsuchtsvolle dieser Nonkonformismus-Fabel rund um Graf Orlok und seine Angebetete (<a href="http://www.moviepilot.de/people/greta-schroeder">Greta Schröder</a>) akzentuieren.</p><p>Im nächsten Artikel der Reihe <em>Schwarze Romantik im Stummfilm </em>verlassen wir die Gefilde des Vampirs. Stattdessen erforschen wir im dritten Teil die Querverbindungen zwischen frühem Kino und dem schwarzromantischen Motiv der Hexerei.</p><p>Der Artikel ist zuerst auf <a href="http://www.moviepilot.de">moviepilot.de</a> erschienen! </p>]]></content:encoded><wfw:commentRss>http://incinemaveritas.com/2020/06/26/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-2-der-vampir-im-bann-des-okkultismus/feed/</wfw:commentRss><slash:comments>0</slash:comments><post-id xmlns="com-wordpress:feed-additions:1">556</post-id> </item><item><title>Schwarze Romantik im Stummfilm – Part 1: Die Melancholie des Sensenmanns</title><link>http://incinemaveritas.com/2020/06/14/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-1-die-melancholie-des-sensenmanns/</link><comments>http://incinemaveritas.com/2020/06/14/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-1-die-melancholie-des-sensenmanns/#respond</comments><pubDate>Sun, 14 Jun 2020 11:54:16 +0000</pubDate><dc:creator><![CDATA[Julian M.]]></dc:creator><category><![CDATA[Artikelreihe]]></category><category><![CDATA[Deep Dive]]></category><category><![CDATA[Arnold Böcklin]]></category><category><![CDATA[Caspar David Friedrich]]></category><category><![CDATA[Der Fuhrmann des Todes]]></category><category><![CDATA[Der müde Tod]]></category><category><![CDATA[Doppelgänger]]></category><category><![CDATA[E.T.A. Hoffmann]]></category><category><![CDATA[Fritz Lang]]></category><category><![CDATA[Geister]]></category><category><![CDATA[Hexe]]></category><category><![CDATA[Phantom Carriage]]></category><category><![CDATA[Schwarze Romantik]]></category><category><![CDATA[Sensenmann]]></category><category><![CDATA[Stummfilm]]></category><category><![CDATA[Teufel]]></category><category><![CDATA[Vampire]]></category><category><![CDATA[Victor Sjöström]]></category><guid isPermaLink="false">http://incinemaveritas.com/?p=508</guid><description><![CDATA[„Mystizismus und Magie sind jene dunklen, dumpfen Kräfte, denen sich die deutsche Seele gern hingegeben hat.“, kommentierte die namhafte Filmhistorikerin Lotte Eisner den Hang ihrer Landsleute zum Abgründigen und Übernatürlichen. Obige Feststellung aus dem Buch Die dämonische Leinwand (1952) diente ihr als Ausgangsbasis, um die auffällige Vorliebe für düstere Inszenierungen im deutschen Stummfilm der 1920er Jahre zu erklären. Im Zuge dessen wies sie abseits des Expressionismus noch einen weiteren prägenden Einschlag im Kino des frühen 20. Jahrhunderts nach, der solch...<p class="read-more"><a class="btn btn-default" href="http://incinemaveritas.com/2020/06/14/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-1-die-melancholie-des-sensenmanns/">Weiterlesen<span class="screen-reader-text"> Weiterlesen</span></a></p>]]></description><content:encoded><![CDATA[<div class="wp-block-image"><figure class="aligncenter"><img data-attachment-id="514" data-permalink="http://incinemaveritas.com/2020/06/14/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-1-die-melancholie-des-sensenmanns/fuhrmann-des-todes/" data-orig-file="https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Fuhrmann-des-Todes.jpg?fit=700%2C300" data-orig-size="700,300" data-comments-opened="1" data-image-meta="{"aperture":"0","credit":"","camera":"","caption":"","created_timestamp":"0","copyright":"","focal_length":"0","iso":"0","shutter_speed":"0","title":"","orientation":"1"}" data-image-title="Fuhrmann des Todes" data-image-description="" data-medium-file="https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Fuhrmann-des-Todes.jpg?fit=300%2C129" data-large-file="https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Fuhrmann-des-Todes.jpg?fit=640%2C274" src="https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Fuhrmann-des-Todes.jpg?w=640" alt="" class="wp-image-514" srcset="https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Fuhrmann-des-Todes.jpg?w=700 700w, https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Fuhrmann-des-Todes.jpg?resize=300%2C129 300w, https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Fuhrmann-des-Todes.jpg?resize=604%2C259 604w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" data-recalc-dims="1" /><figcaption>Der Fuhrmann des Todes (Copyright: The Criterion Collection)</figcaption></figure></div><p><em>„Mystizismus und Magie sind jene dunklen, dumpfen Kräfte, denen sich die deutsche Seele gern hingegeben hat.“</em>, kommentierte die namhafte Filmhistorikerin <strong>Lotte Eisner</strong> den Hang ihrer Landsleute zum Abgründigen und Übernatürlichen. Obige Feststellung aus dem Buch <strong>Die dämonische Leinwand</strong> (1952) diente ihr als Ausgangsbasis, um die auffällige Vorliebe für düstere Inszenierungen im deutschen Stummfilm der 1920er Jahre zu erklären. Im Zuge dessen wies sie abseits des Expressionismus noch einen weiteren prägenden Einschlag im Kino des frühen 20. Jahrhunderts nach, der solch finsteres Begehren zu befriedigen vermochte: Die <em>(Schwarze) Romantik</em>. In dieser fünfteiligen Artikelreihe widmen wir uns der Melancholie und dem Wahnsinn, die aus schwarzromantischer Malerei und Literatur in den vornehmlich deutschen und nordeuropäischen Stummfilm hinüberschwappten.</p><span id="more-508"></span><p><strong>Die Romantik und ihre unheimlichen Seiten</strong><br>Gemeinhin gilt die Romantik, deren Vertreter sich zum Ende des 18. Jahrhunderts in der Öffentlichkeit formierten, als gedanklicher Gegenentwurf zum Zeitalter der Aufklärung. Während sich in intellektuellen Kreisen eine rationale, d.h. vernunftorientierte Denkweise etablierte, kristallisierte sich zusehends eine zweite, entgegengesetzte Strömung heraus. Den Anhängern jener konträr gelagerten Geisteshaltung ging es nicht darum, die Geheimnisse der Welt durch Vernunft und Verstand zu erschließen. Stattdessen stand die Gefühlswelt des Individuums – in enger Verbindung zur Natur – im Fokus der Aufmerksamkeit. Empfindungen wie Sehnsucht, Leidenschaft und Liebe dominierten die Werke von <strong>Friedrich von Hardenberg (Novalis)</strong>, <strong>Caspar David Friedrich</strong> und anderen gleichgesinnten Seelen der damaligen Zeit. (<a href="http://www.geo.de/GEO/heftreihen/geo_epoche/die-deutsche-romantik-essay-zwischen-traum-und-wirklichkeit-60977.html?p=1">GEO</a>, <a href="http://www.kunstwissen.de/fach/f-kuns/b_neu/romantik/01.htm">Kunstwissen.de</a>)</p><p>Im Kontext dieser Geisteshaltung markiert der Begriff <em>Schwarze Romantik</em> einen Korpus an deutlich finstereren Werken. Die Literaten und Maler dieser Untergruppierung erforschen in ihren Arbeiten die dunklen Flecken der menschlichen Existenz. Dabei offenbaren sie dem Betrachter unheilvolle Albträume, die zwischen phantastisch-bizarr und dämonisch-grausam changieren. Zum festen Figurenrepertoire von Künstlern wie <strong>Johann Heinrich Füssli</strong> (<em>Der Nachtmahr</em>), <strong>Arnold Böcklin</strong> (<em>Die Toteninsel</em>) und<strong> E.T.A. Hoffmann</strong> (<em>Der Sandmann</em>) gehören hierbei Hexen, Teufel, Doppelgänger, Vampire, Geister und natürlich Gevatter Tod höchstpersönlich. Jenen Ausgeburten der Nacht stehen mindestens ebenso symptomatische, morbide Lokalitäten wie beispielsweise zerfallene Ruinen, Friedhöfe und düstere Wälder voll knorriger Bäume gegenüber. Genannte Ingredienzien scheinen geradezu prädestiniert für das junge und experimentierfreudige Bewegtbild-Medium zu Beginn des 20. Jahrhunderts – insbesondere im Hinblick auf die gestalterischen Möglichkeiten, welche sich durch Mehrfachbelichtungen, Stopptricks und Modellaufnahmen ergeben. (<a href="http://www.hatjecantz.de/schwarze-romantik-3135-0.html">Schwarze Romantik – Von Goya bis Max Ernst</a>)</p><p><strong>Gevatter Tod als Gefangener eines höheren Prinzips</strong><br>Der gebürtige Wiener <strong>Fritz Lang </strong>zählt gleichermaßen zu den wegweisendsten und ambivalentesten Figuren des frühen deutschen Kinos. Zehn Jahre bevor er mit <em>M – Eine Stadt sucht einen Mörder</em> (1931) internationale Anerkennung ernten sollte, schuf der Regisseur mit <em>Der müde Tod </em>(1921) ein kleines Juwel, dessen Atmosphäre der Vergänglichkeit von einer Vielzahl schwarzromantischer Motive beherrscht wird. Im Zentrum der Geschichte, die ursprünglich den Untertitel <em>ein deutsches Volkslied in sechs Versen</em> trug, steht ein junges Pärchen. Deren Idyll zerbricht, als sich in einem unbeobachteten Augenblick Gevatter Tod des Ehegatten bemächtigt. Kurz entschlossen folgt die junge Frau den beiden ins Jenseits. Dort trifft sie eine Übereinkunft mit dem Sensenmann: Wenn es ihr gelingt, eines von drei verlöschenden Menschenleben zu retten, so will der Seelensammler den Liebsten verschonen.</p><div class="wp-block-jetpack-slideshow aligncenter" data-effect="slide"><div class="wp-block-jetpack-slideshow_container swiper-container"><ul class="wp-block-jetpack-slideshow_swiper-wrappper swiper-wrapper"><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-528" data-id="528" src="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/CDF_Mann-und-Frau-den-Mond-betrachtend.jpg?w=640" srcset="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/CDF_Mann-und-Frau-den-Mond-betrachtend.jpg?w=3000 3000w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/CDF_Mann-und-Frau-den-Mond-betrachtend.jpg?resize=300%2C230 300w, 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Entertainment </figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-532" data-id="532" src="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Der-müde-Tod-8.png?w=640" srcset="https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Der-müde-Tod-8.png?w=444 444w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Der-müde-Tod-8.png?resize=300%2C243 300w, https://i0.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Der-müde-Tod-8.png?resize=333%2C270 333w" sizes="(max-width: 444px) 100vw, 444px" data-recalc-dims="1" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> © Image Entertainment </figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-534" data-id="534" 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class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-536" data-id="536" src="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Phantom-Carriage_image_04.jpg?w=640" srcset="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Phantom-Carriage_image_04.jpg?w=1048 1048w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Phantom-Carriage_image_04.jpg?resize=300%2C218 300w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Phantom-Carriage_image_04.jpg?resize=768%2C557 768w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Phantom-Carriage_image_04.jpg?resize=1024%2C743 1024w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Phantom-Carriage_image_04.jpg?resize=372%2C270 372w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" data-recalc-dims="1" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> © absolut Medien/Arte </figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-537" data-id="537" src="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Phantom-Carriage_image_05.jpg?w=640" srcset="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Phantom-Carriage_image_05.jpg?w=1010 1010w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Phantom-Carriage_image_05.jpg?resize=300%2C223 300w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Phantom-Carriage_image_05.jpg?resize=768%2C571 768w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Phantom-Carriage_image_05.jpg?resize=363%2C270 363w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" data-recalc-dims="1" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> © absolut Medien/Arte </figcaption></figure></li><li class="wp-block-jetpack-slideshow_slide swiper-slide"><figure><img alt="" class="wp-block-jetpack-slideshow_image wp-image-539" data-id="539" src="https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/phantomcarriage_415_005_current.jpg?w=640" srcset="https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/phantomcarriage_415_005_current.jpg?w=600 600w, https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/phantomcarriage_415_005_current.jpg?resize=300%2C169 300w, https://i2.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/phantomcarriage_415_005_current.jpg?resize=479%2C270 479w" sizes="(max-width: 600px) 100vw, 600px" data-recalc-dims="1" /><figcaption class="wp-block-jetpack-slideshow_caption gallery-caption"> © absolut Medien/Arte</figcaption></figure></li></ul><a class="wp-block-jetpack-slideshow_button-prev swiper-button-prev swiper-button-white" role="button"></a><a class="wp-block-jetpack-slideshow_button-next swiper-button-next swiper-button-white" role="button"></a><a aria-label="Pause Slideshow" class="wp-block-jetpack-slideshow_button-pause" role="button"></a><div class="wp-block-jetpack-slideshow_pagination swiper-pagination swiper-pagination-white"></div></div></div><p>Inspiration für die melancholisch-düsteren Bildkompositionen der Rahmenhandlung bezog der kunstaffine Regisseur aus unterschiedlichen Quellen. Ein direkter Bildvergleich offenbart, dass etwa <strong>Caspar David Friedrichs</strong> <em>Mann und Frau den Mond betrachtend</em> (1830-1835) und auch <strong>Oskar Zwintschers</strong> <em>Gram</em> (1898) recht ungefiltert Einzug in <em>Der müde Tod </em>hielten (<a href="http://www.hatjecantz.de/schwarze-romantik-3135-0.html">Schwarze Romantik – Von Goya bis Max Ernst</a>). Die mystische Gegenlicht-Stimmung bei stechendem Vollmond findet sich im Film wieder, als der Apotheker (<strong>Karl Platen</strong>) des nächtens eine Alraunenwurzel – ein mit übernatürlicher Bedeutung aufgeladenes Gewächs – ausgräbt. Den Kummer-Gestus aus Zwintschers Gemälde setzte <strong>Fritz Lang</strong> hingegen unter umgekehrten Vorzeichen ans Ende. Nachdem die Gattin (<strong>Lil Dagover</strong>) keines der drei Menschenleben zu retten vermochte, bricht sie ohnmächtig vor Trauer über ihrem verstorbenen Geliebten (<strong>Walter Janssen</strong>) zusammen. Dabei verwendet Lang einen dem Gemälde verblüffend ähnlichen Bildaufbau, der das Pärchen ebenfalls in äußerster Nähe zur unteren Begrenzung der Kadrage komponiert.</p><p>Auch der schwarzromantischen Geschichte <em>Gevatter Tod</em> (Grimm’sche Kinder- und Hausmärchensammlung) entlehnt<strong> Fritz Lang</strong> ein konkretes Motiv. Zum wiederholten Male um seine wohlverdienten Seelen betrogen, führt der erboste Sensenmann dort einen pfiffigen Arzt in ein Gemäuer voller Kerzen. Analog zur Schilderung des Märchens inszeniert der Regisseur eine der wundervollsten Szenen in <em>Der müde Tod</em>. Inmitten eines Meeres aus Lebenslichtern fleht die verzweifelte <strong>Lil Dagover</strong> den Todesengel an, ihren Mann zu verschonen. In diesem Moment offenbart der vermeintliche Gegenspieler eine vollkommen unerwartete, schwarzromantische Facette. Anstelle schonungsloser Härte schlägt der Gattin Melancholie und Ermattung entgegen. Der Tod gibt sich als müder Mann zu erkennen, der seine Berufung aufgrund des allgegenwärtigen Leids verflucht. Insbesondere im Kontext der Entstehungszeit gewinnt der demonstrative Überdruss der Figur erschreckende Verständlichkeit, schließlich kostete der Erste Weltkrieg bloß wenige Jahre zuvor einer Generation junger Menschen das Leben. (<a href="http://www.transcript-verlag.de/ts1103/ts1103.php">Schattenbilder – Lichtgestalten</a>)</p><p>Im selben Jahr erschien mit <em>Der Fuhrmann des Todes</em> ein in ähnlich düster-romantische Motivwelten getauchtes Werk, das von der Omnipräsenz des Todes zehrt. Die <strong>Selma Lagerlöf</strong>-Adaption handelt von einer uralten Schauerlegende. Gemäß jener obliegt es dem letzten Verstorbenen einer Silvesternacht, im folgenden Jahr als Fuhrmann die Seelen frisch Verschiedener einzusammeln. Just in jenem prekären Zeitraum kurz vor Neujahrsanbruch droht der gewalttätige Alkoholiker David Holm (<strong>Victor Sjöström</strong>) die Schwelle zum Jenseits zu passieren. Bevor Holm jedoch das gefürchtete Amt antreten muss, führt ihm der abdankende Fuhrmann sein sündiges Leben in Rückblenden vor Augen. Interessanterweise tritt dieser dabei nicht als herzloser Vollstrecker auf. Vielmehr kennzeichnet ihn – wie gleichermaßen sein deutsches Pendant aus <em>Der müde Tod</em> – eine auffällige Anteilnahme am Schicksal der Menschen. Regisseur und Protagonist Sjöström wagt hier mit den Mitteln des Irrealen und Metaphysischen – der personifizierte Tod als moralische Instanz – einen Blick in die Abgründe einer verletzten Seele.</p><p><em>Im zweiten Exkurs weichen derlei psychische Blessuren handfesteren Läsionen, denn im nächsten Artikel der Reihe nähern wir uns den spitzen Fangzähnen des Vampirs an und analysieren seine Verbindung zur Schauerromantik.</em></p><p>Der Artikel ist zuerst auf <a href="http://www.moviepilot.de">moviepilot.de</a> erschienen!</p>]]></content:encoded><wfw:commentRss>http://incinemaveritas.com/2020/06/14/schwarze-romantik-im-stummfilm-part-1-die-melancholie-des-sensenmanns/feed/</wfw:commentRss><slash:comments>0</slash:comments><post-id xmlns="com-wordpress:feed-additions:1">508</post-id> </item><item><title>Filmbesprechung: Okami – Das Schwert der Rache (Kenji Misumi, 1972)</title><link>http://incinemaveritas.com/2020/06/03/filmbesprechung-okami-das-schwert-der-rache-1972-kenji-misumi/</link><comments>http://incinemaveritas.com/2020/06/03/filmbesprechung-okami-das-schwert-der-rache-1972-kenji-misumi/#respond</comments><pubDate>Wed, 03 Jun 2020 10:31:43 +0000</pubDate><dc:creator><![CDATA[Robin Vesper-Regenstein]]></dc:creator><category><![CDATA[Allgemein]]></category><category><![CDATA[Filmbesprechung]]></category><category><![CDATA[1970er]]></category><category><![CDATA[Disney]]></category><category><![CDATA[Kenji Misumi]]></category><category><![CDATA[Okami - Das Schwert der Rache]]></category><category><![CDATA[Quentin Tarantino]]></category><category><![CDATA[Ronin]]></category><category><![CDATA[Samurai]]></category><category><![CDATA[Shogun Assassin]]></category><category><![CDATA[The Mandalorian]]></category><category><![CDATA[Tomisaburō Wakayama]]></category><guid isPermaLink="false">http://incinemaveritas.com/?p=491</guid><description><![CDATA[Es ist 2003 und in den Kinos kehrt Quentin Tarantino mit dem ersten Teil seiner Kill Bill-Saga auf die Leinwände zurück. 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Im Laufe des Epos schaut die Tochter der Braut, um die sich diese Geschichte der Rache dreht, im Fernsehen den Film Shogun Assassin (1980), welcher viele der Hauptelemente von Kill Bill beinhaltet und auch eine Geschichte von Vergeltung, Blut und vom...<p class="read-more"><a class="btn btn-default" href="http://incinemaveritas.com/2020/06/03/filmbesprechung-okami-das-schwert-der-rache-1972-kenji-misumi/">Weiterlesen<span class="screen-reader-text"> Weiterlesen</span></a></p>]]></description><content:encoded><![CDATA[<figure class="wp-block-image"><img data-attachment-id="492" data-permalink="http://incinemaveritas.com/2020/06/03/filmbesprechung-okami-das-schwert-der-rache-1972-kenji-misumi/lone-wolf-cub/" data-orig-file="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Lone-Wolf-Cub.jpg?fit=700%2C300" data-orig-size="700,300" data-comments-opened="1" data-image-meta="{"aperture":"0","credit":"","camera":"","caption":"","created_timestamp":"0","copyright":"","focal_length":"0","iso":"0","shutter_speed":"0","title":"","orientation":"1"}" data-image-title="Lone Wolf & Cub" data-image-description="" data-medium-file="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Lone-Wolf-Cub.jpg?fit=300%2C129" data-large-file="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Lone-Wolf-Cub.jpg?fit=640%2C274" src="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Lone-Wolf-Cub.jpg?w=640" alt="" class="wp-image-492" srcset="https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Lone-Wolf-Cub.jpg?w=700 700w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Lone-Wolf-Cub.jpg?resize=300%2C129 300w, https://i1.wp.com/incinemaveritas.com/wp-content/uploads/2020/06/Lone-Wolf-Cub.jpg?resize=604%2C259 604w" sizes="(max-width: 640px) 100vw, 640px" data-recalc-dims="1" /><figcaption>Copyright: Rapid Eye Movies/ Al!ve</figcaption></figure><p>Es ist 2003 und in den Kinos kehrt Quentin Tarantino mit dem ersten Teil seiner <em>Kill Bill</em>-Saga auf die Leinwände zurück. Einer Rachegeschichte gefüllt mit Zitaten und Verbeugungen vor dem asiatischen Kino der späten 60er bis frühen 80er Jahre. Im Laufe des Epos schaut die Tochter der Braut, um die sich diese Geschichte der Rache dreht, im Fernsehen den Film <em>Shogun Assassin</em> (1980), welcher viele der Hauptelemente von <em>Kill Bill</em> beinhaltet und auch eine Geschichte von Vergeltung, Blut und vom Weg durch die Hölle erzählt. Einen Weg, den man gehen muss, um sich rächen zu können. <em>Shogun Assassin</em> selber ist aber nur der amerikanische Zusammenschnitt der ersten beiden Teile der <em>Lone Wolf & Cub-</em>Filmreihe. Diese aus sechs Teilen bestehende japanische Filmreihe erzählt – wie das Manga – die Geschichte der Familie Itto, von ihrem Fall und der Suche nach Rache von Vater und Sohn.</p><span id="more-491"></span><p><strong>Okami – Das Schwert der Rache</strong> (OT: <strong>Kozure Ôkami: Kowokashi udekashi tsukamatsuru, </strong>1972) beginnt damit, wie Ogami Itto (Tomisaburō Wakayama), Scharfrichter des Shoguns, einem Kind im Namen eben dieses Shoguns den Kopf abtrennt. Wir lernen, dass er ein treuer Ergebener des Shoguns ist und den Job des Scharfrichters schon lange inne hat und auch sehr ernst nimmt. Jeden Abend betet er für die Seelen der von ihm – in der Rolle des Scharfrichters – Ermordeten. Als er eines abends mit seinem neugeborenen Sohn Daigoro in den Familientempel zum Beten geht, wird das Anwesen seiner Familie angegriffen. Lautlos werden alle – bis auf ihn und Sohn Daigoro – ermordet.</p><p>Ogami findet, als ihm dann auch noch vorgeworfen wird, ein Verräter am Shogunat zu sein, schnell heraus, dass eine der herrschenden Familien ihn hintergangen hat. Er entscheidet sich, statt sich seiner Strafe zu stellen, den Weg der Rache zu gehen und sich so nicht nur gegen den Clan der Yagyu zu stellen, die ihn hintergangen haben, sondern gegen das ganze Shogunat. Ogami wird zum Ronin (herrenlosen Samurai), der durch das Land zieht und Mordaufträge übernimmt. </p><p>Sein Sohn Daigoro, der in seinem Alter kaum verstehen kann, worum es geht, wird vor die Wahl gestellt: Tod oder Rache, und folgt nach seiner unbewussten Entscheidung für das Schwert dem Vater auf dem Weg der Vergeltung. Dieser führt sie in <strong>Okami – Das Schwert der Rache </strong>zu einem Thermalbad in der japanischen Provinz. Ogami wurde angeheuert, hier eine Bande von Banditen auszulöschen, die das Dorf ums Thermalbad terrorisieren – angeheuert von einem Regierungs-Offiziellen, der in Wahrheit jedoch einen Nebenbuhler ausschalten will. Ogami lässt vor Ort einiges über sich ergehen, tötet aber im Showdown nicht nur die Banditen selber, sondern auch den Offiziellen. Was diese Aufgabe mit seiner Rache zu tun hat, erfahren wir in <strong>Okami – Das Schwert der Rache </strong>aber noch nicht, da muss man sich auf die ganze Reihe einlassen.</p><p><strong>Okami – Das Schwert der Rache </strong>ist in erster Linie eine Weiterführung der – grade zu dieser Zeit – populären Samuraifilme à la <em>Sanjuro</em> (1962, Akira Kurosawa) und <em>The Tale of Zatoichi</em> (1962, Kenji Misumi). Doch während diese meist von Heldentaten und Ehre handelten, erzählt <strong>Okami – Das Schwert der Rache</strong> von der Beziehung zwischen Vater und Sohn und dem Erwachsenwerden in einer Gesellschaft geprägt von Gewalt. Gleich wie die Yakuzafilme der frühen 70er von Kenji Fukasak, z.B. die <em>Battles without Honor and Humanity-</em>Reihe (1973-1976), ist auch <strong>Okami – Das Schwert der Rache</strong> ein Produkt der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg. Bestechliche sowie hinterhältige Politiker tauchen immer wieder auf und das Shogunat selber wirkt wie eine Diktatur, die sich vor allem durch Klassismus ausdrückt. Immer wieder werden Ogami und sein Sohn – und somit auch wir Zuschauer – Zeuge von Gräueltaten an den Ärmsten der Armen. Der Film bietet selber keine Antwort an, wie man dies aufhält, zeigt aber immer wieder, wie Gewalt weitere Gewalt schafft. </p><p>Die Drastik der Gewalt ist hierbei unübersehbar. Der Film, der sonst fast schon lautlos ist, explodiert in diesen Momenten durch die Geräusche der Schwerter, die in die Stille schneiden. Aus den Wunden quillt das Blut hervor und abgeschlagene Gliedmaßen finden sich in Massen. Ogami kämpft gegen ganze Gruppen von Feinden, bleibt ihnen aber immer einen Schritt voraus und das, obwohl er immer den Kinderwagen mit Daigoro dabei hat. Die Kampfszenen wirken dabei wie ein schnelles Ballett, da sie kunstvoll und kreativ dargestellt werden. In ihrer Drastik und Gewalt erscheinen sie wie störende Elemente in der wunderschönen Szenerie der japanischen Natur und der fast schon meditativen Stille des restlichen Films. Vor allem diese Zweischneidigkeit in <strong>Okami – Das Schwert der Rache </strong>führt dazu, dass er sehenswert wird, zwischen Arthouse und Splatter, zwischen Meditation und Krieg oder wie der Film selber sagt: zwischen Himmel und Hölle. Genau da gehen Ogami Itto und sein Sohn Daigoro ihren Weg der Rache und es lohnt sich mitzugehen. Vor allem jetzt grade, wo Disney mit seiner im Star-Wars-Universum verorteten Serie <em>The Mandalorian</em> (2020 -) viele der Handlungspunkte von <em>Lone Wolf & Cub </em>aufgreift und die Geschichte auf neue Art interpretiert.</p>]]></content:encoded><wfw:commentRss>http://incinemaveritas.com/2020/06/03/filmbesprechung-okami-das-schwert-der-rache-1972-kenji-misumi/feed/</wfw:commentRss><slash:comments>0</slash:comments><post-id xmlns="com-wordpress:feed-additions:1">491</post-id> </item></channel></rss>
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