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<title>Film geschaut: Das Geheimnis der schwarzen Handschuhe aka The Bird with the Crystal Plumage (1970)</title>
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<pubDate>Fri, 16 Jul 2021 20:31:53 +0000</pubDate>
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<h1 class="wp-block-heading"><a href="https://twitter.com/hashtag/settegialli?src=hashtag_click&f=live" target="_blank" rel="noreferrer noopener">settegialli</a> 2021, Film #3.</h1>
Ich bin beeindruckt, denn auch wenn ich das Ganze noch etwas nachwirken und sacken lassen muss, hat sich Argento mit seinem Debut vielleicht sogar direkt in der Erstsichtung auf den obersten Platz meines persönlichen Argento-Treppchens gespielt. Das hätte ich, obwohl mir sein zweiter Film DIE NEUNSCHWÄNZIGE KATZE (im Gegensatz zum dritten VIER FLIEGEN AUF GRAUEM SAMT) ebenfalls sehr gut gefällt, nicht erwartet.
Der Film bedient viele Giallo-Tropen ( ein Unbeteiligter wird Zeuge eines Verbrechens, nimmt die Ermittlungen selbst in die Hand und stößt am Ende auf große Twists; Ego-Perspektiven des Killers; etc.) und hat bereits in Ansätzen die hyper-stylischen und -stilisierten Sequenzen, die man an späteren Werken des Regisseurs so lieben gelernt hat (inkl. des für die Stimmung elementaren, überhöhten Sounddesigns). Im Kern schlummert allerdings eine vernünftig konstruierte, selbst in der Auflösung noch einigermaßen glaubhafte und vor allem auf dem Weg zu dieser hin, nicht vollkommen wirre Krimi-Handlung. Ungewöhnlich, um es mal wohlwollend auszudrücken. Pluspunkt ist auch, dass sich das Ganze nicht bierernst nimmt, sondern reichlich liebevollen, wenn auch in einzelnen Momenten aus der Zeit gefallenen Humor serviert. Gefärbt mit reichlich Zeit-Kolorit und untermalt von einem psychedelisch jazzigen Ennio Morricone-Score zum Niederknien, macht THE BIRD WITH THE CRYSTAL PLUMAGE durchweg Laune.
Schon so früh in seiner Karriere betätigt der Meister die nötigen Hebel, um entrückten Thrill und beklemmende Atmosphäre zu schaffen. Bereits Szenen wie der erste (versuchte) Mord in der Kunstgalerie stechen visuell, wie auch durch inhaltliche Kniffe als denkwürdig hervor, spätere Setpieces wie die fußläufige Verfolgungsjagd im Busdepot, oder die erhaben fotografierte Flucht vor dem Killer im Treppenhaus brennen sich ein, wie es auch die großen Momente der späteren Argentos mit Gewissheit tun. Dass die Morde hier noch nicht bis ins Letzte zelebriert und exploitativ ausgeschlachtet werden, empfinde ich als klaren Pluspunkt.
 Ulkig ist, wenn es auch nichts mit dem Film zu tun hat, dass mich Katzen anscheinend durch meinen #settegialli 2021 begleiten. Stellte Film #2 (YOUR VICE…) sie noch als aktive, diabolische Entität dar, trifft sie hier ein deutlich passiveres Schicksal. Und im Wissen mir hier echt Feinde zu machen: ich fand’s gut! 
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<title>Film Geschaut: Getaway (2013)</title>
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<pubDate>Sun, 04 Jul 2021 15:47:43 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Titelbild © by Universum Hat ja super geklappt das Blog wieder zu beleben… Nicht. Aber es ist nie zu spät, daher seit langem mal wieder ein Paar Worte zu einem Film. Getaway (2013) Director: Courtney Solomon Cast: Ethan Hawke, Selena Gomez, John Voigt Review Als GETAWAY 2013 in die Kinos kam, sorgte der Film Gott … <a href="https://jackers2cents.de/film-geschaut-getaway-2013/" class="more-link">Film Geschaut: Getaway (2013) weiterlesen →</a>]]></description>
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 Hat ja super geklappt das Blog wieder zu beleben… Nicht. Aber es ist nie zu spät, daher seit langem mal wieder ein Paar Worte zu einem Film. 
 Getaway (2013) 
 Director: Courtney Solomon Cast: Ethan Hawke, Selena Gomez, John Voigt 
 Review 
 Als GETAWAY 2013 in die Kinos kam, sorgte der Film Gott weiß nicht aufgrund filmischer Qualität für Schlagzeilen, sondern stellte einige, größtenteils mehr als fragwürdige Zahlen in den Raum, bzw. sogar Rekorde auf. Ein Auszug: 
<ul><li>In nur 90 Minuten Laufzeit, genau genommen 80 min Netto (ohne Verleih-Labels und Abspann), bringt der Film es auf über 6000 Schnitte. Das entspricht einer durchschnittlichen Einstellungslänge von 0,8 Sekunden und somit mehr als einem Schnitt pro Sekunde. WTF!</li><li>130 Autos verschiedenster Couleur wurden während des Drehs zerstört, welcher vollständig on Location in Sofia, Bulgarien stattfand.</li><li>Im Rahmen dieser Crashs sind Autos teilweise mit bis zu 90 km/h in- und aneinander geknallt, was es zu einem absoluten Wunder macht, dass bei der Produktion niemand gestorben ist.</li></ul>
 Usw. 
 Die Summe dieser Informationen sorgte dafür, dass ich für den Film seitdem eine Art morbides Interesse verspürte und es nun nach 8 Jahren – [Ironie on]es gäbe ja nichts besseres zu gucken[/Ironie off] – schlussendlich wagte. 
Und was soll man sagen, GETAWAY ist tatsächlich einer der, vielleicht DER zerschnittenste(n) Film(e) überhaupt. Egal welche Szene sich auf dem Schirm abspielt – irsinniges Geheize in bulgarischen Innenstädten, simple Dialoge, für sich genommen ziemlich beeindruckende ON-Set Explosionen, ausgetauschte Blicke, oder auch nur die zwei Hauptfiguren beim “ruhigen” Durchatmen – in epileptischer Frequenz wird zwischen jeweils gefühlten 13 verschiedenen Kamerawinkeln gesprungen, so dass auch ruhige Momente für Herzkasper sorgen, inszenatorisch gibt es keinerlei Unterschied zwischen all diesen genannten Inhalten.
In Actionszenen, also dem ganzen Film, denn von 80 min sind sicher 70 Verfolgungsjagden, ist das teilweise gar nicht so schlimm wie vermutet, da der eigentliche Protagonist des Films, ein grauer Shelby Mustang, mit drölfzig GoPros gepreppt wurde (wer sich jetzt fragt was das soll: es wird sogar in der Handlung erklärt warum, die Optik macht es allerdings unglaublich hässlich) und das stetige Springen zwischen den Perspektiven zumindest sehr ausgeschlafenen Zuschauer*innen eine gewisse räumliche Orientierung erlaubt. Was allerdings völlig flöten geht – und somit demontiert sich GETAWAY über die Montage selbst (pun intended) – ist die Energie all dieser Bewegung. Geschwindigkeit kann sich schlicht nicht entfalten, wenn das “vorbeirasen” niemals mehr als 0,2 sec Zeit für Wirkung bekommt.
Auch wenn das desaströs klingt, ist der Schnitt aber noch das kleinste Problem dieses (inhaltlichen) C-Movies. Die Figuren sind ein Witz, Chemie zwischen den Darstellern ist absolute Fehlanzeige, die Erzählung hat keinerlei Pacing, so dass die Dauer-Action sich nach 5 min bereits abzunutzen beginnt, Dialoge existieren nicht – obwohl man durchweg nur Hawke und Gomez im Cockpit sieht, gibt niemals jemand etwas von sich, was über Fluchen und Motzen hinaus geht – das spätere Bonding der zwei Leidensgenossen kauft man Null. Alles blass und so unglaublich egal, dass es weh tut, was vor allem aufgrund des Bekenntnis zu 100% handgemachten Stunts sehr schade ist.
 Dennoch bin ich froh, nicht meinem immer stärker werdenden Impuls gefolgt zu sein, den Film einfach abzubrechen, denn in der allerletzten Verfolgungsjagd des Finales, ich hatte das alles schon längst als absoluten Totalausfall abgeschrieben, schafft Regisseur Solomon plötzlich eine Sequenz die in ihrer puren und ungefilterten Action-Magie regelrecht die Antithese zu den vorherigen 78 Minuten darstellt. 
Einige Sekunden vorher die erste Überraschung: erstmalig im gesamten Film sieht man in einer Einstellung unzerhexelt eine vollständige Bewegung – um genau zu sein sogar drei, denn drei Autos driften hintereinander um eine 90° Kurve. Und dann lenkt Hawke seinen Mustang auf eine breite Hauptstraße, immer noch inmitten der Stadt, und, als wäre es als Entschädigung für den bereits erfolgten Editing-Herzkasper gedacht, GETAWAY kommt plötzlich stilistisch zur Ruhe, erreicht einen für unmöglich gehaltenen Fokus und lässt uns (aus der Cockpit Perspektive) an einer absolut atemlosen, UNGESCHNITTENEN Chase teilhaben, die absolut alles in mir lostrat, was motorisierte Leinwand-Action bewirken kann.
Unfassbar und so elementar anders als der Rest des Films, dass die Vermutung der Regisseur brauchte mal einen Drehtag Pause und der Cutter schnitt den Film chronologisch und hatte in den letzten 3 Minuten einfach keine Lust mehr, nahe liegt. Und tatsächlich in der Lage den Film retrospektiv sogar noch frustrierender erscheinen zu lassen. Ein Filmteam was zu dieser Szene in der Lage war hätte, wenn vielleicht auch nur eine*r der 24 (!) Producer-Credits mal ein Veto bzgl. des Schnitt-Wahnsinns eingelegt hätte, vielleicht sogar großes erschaffen können.
 Fazit: Ein unfassbarer Action-Moment, eingebettet in einen Actionfilm, der uns mit absoluter Deutlichkeit vor Augen führt, dass ein Film mehr braucht, als handgemachte Zerstörung und in-Camera Explosionen. 
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<title>#52FilmsByWomen 2020 #7 – Atlantique</title>
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<pubDate>Sun, 14 Feb 2021 16:50:17 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Titelbild © by Netflix Lange Jahre hat das Thema Armut – selbst-abbildend in den verzweifelten Wellen der aus ihr resultierenden Migrations-Ströme – unsere Medien dominiert, wie kein Zweites. Was der hiesigen Berichterstattung (leider) jedoch immer gemein war, ist der zutiefst einseitige Blickwinkel. Stets schauen wir von hier, aus der sicheren Bastion des Wohlstands, nach da. … <a href="https://jackers2cents.de/52filmsbywomen-2020-7-atlantique/" class="more-link">#52FilmsByWomen 2020 #7 – Atlantique weiterlesen →</a>]]></description>
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Lange Jahre hat das Thema Armut – selbst-abbildend in den verzweifelten Wellen der aus ihr resultierenden Migrations-Ströme – unsere Medien dominiert, wie kein Zweites. Was der hiesigen Berichterstattung (leider) jedoch immer gemein war, ist der zutiefst einseitige Blickwinkel. Stets schauen wir von hier, aus der sicheren Bastion des Wohlstands, nach da. Nur ist dieses “da” selten weiter entfernt, als das Mittelmeer, in dem abertausende Seelen in Hoffnung auf ein besseres Leben ertrinken.
 Zur Basis der Probleme geht es selten, warum auch, es könnte ja bei einer ehrlichen Betrachtung heraus kommen, dass genau das globale System, was uns Sorgenfreiheit und einen Platz auf der Seite der Gewinner beschert, auch eine düstere Kehrseite hat. Dass der Wohlstand einiger weniger immer auf den Schultern von vielen entsteht. 
Die französische Schauspielerin und jetzt auch Regisseurin Mati Diop möchte weiter gehen, als Tagesschau und co. und erzählt in ATLANTIQUE von einem Leben in genau den Regionen Afrikas, wo die Leute nichts haben – weder Geld, noch eine Aussicht auf Jobs und erst recht keine Perspektive. Und wenn es doch mal Jobs gibt, dann unter unwürdigen Bedingungen, deren Gefahren in keinem Verhältnis zur geringen, falls überhaupt erfolgenden Bezahlung stehen.
 Einige Ausschnitte solcher Leben verwebt sie in einem, nicht nur in Bezug auf die Aspekte der behandelten sozialen Realitäten, verdammt vielschichtigen Film, dem es gelingt, trotz einer Fülle gesellschaftlicher Themen, beginnend bei besagter Perspektivlosigkeit, zu keiner Zeit vollgestopft zu wirken. Im Gegenteil, aufgrund der den Figuren immer sehr nahen Perspektive bleibt der Inhalt greifbar, was übersetzt vor allem fühlbar meint. 
Was gibt Halt und ein wenig Glück im Leben? Für Protagonistin Ada könnte die Antwort, zumindest teilweise, in einer glücklichen Beziehung liegen. Doch diese darf in einem System, in dem Familien ihre Töchter ohne deren Mitsprache versprechen und verheiraten nicht sein. Zwangsehe als vermeintlicher Ausweg aus den Zuständen – dieses nächste Große Thema stellt sich als ein weiterer Kernaspekt in ATLANTIQUE heraus. Das Leben als Frau in einer, unter dem Deckmantel der Religion gewaltvoll-patriarchisch dominierten Gesellschaft ist alles Andere als ein freies und in Beziehungen ist oft kein Platz für Liebe.
Im Blick der Regisseurin auf diesen und die weiteren Themenkomplexe im Film schwingt eine nachdenkliche Ambivalenz mit. Was ist Freiheit? Ein Symbol, oder ein Zustand? Eine Chance, oder ein Recht? Die Bilder von Kamerafrau Claire Mathon transportieren – visuell wie inhaltlich – eben diese Ambivalenz: Der Ort des Geschehens ist sowohl sonniges Schein-Paradies, wie auch zwielichtige Endstation. Das Meer stellt sowohl trügerische Hoffnung auf ein besseres Leben, als auch eine tödliche Gefahr dar. Der Wohlstand von Adas Zukünftigem Zwangs-Ehemann eine vermeintliche Rettung aus der Armut, aber eigentlich den Eintritt in noch größere Unfreiheit.
All dies lebt neben den starken inhaltlichen Aussagen von einer immerfort leicht undurchsichtigen, tief melancholischen Atmosphäre. Ein elementarer Eckpfeiler dieser Stimmung istneben besagten Bildern auch Fatima Al Quadiris Score, den ein mysteriöses, undurchsichtiges Element durchzieht. In Anbetracht der vollkommen unerwarteten Richtung, die der Film in der zweiten Hälfte einschlägt, wenn Diop uns brillant verdeutlicht, dass die Gespenster der ausbeuterischen Globalisierung nicht ewig schlafen werden, geht perfekt Hand in Hand mit der bereits früh gesetzten Audiovisualität.
Insgesamt vereint ATLANTIQUE sehr viel, was ich gern auf internationaler Bühne häufiger sehen würde: 1. Ein Film einer Regisseurin, der 2. von und mit PoC geschrieben, inszeniert, gespielt ist, die 3. aus einem afrikanischen Land stammen und die dort angesiedelte Handlung erst lebendig machen, sowie 4. die profunden (und erneut wieder völlig niederschmetternden) Beobachtungen zu weiblicher Lebensrealität in gewissen Kulturkreisen glaubhaft darstellen. Auch wichtig: 5. ist der Film ein “anspruchsvoller” Autor/innenfilm, der aber trotzdem Elemente des “elevated Genre” nicht scheut und so eine ungewöhnliche Mischung ergibt.
 Ganz stark. 
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<title>#52FilmsByWomen 2020 #31 – New York City Girl (SMITHEREENS)</title>
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<pubDate>Sat, 02 Jan 2021 20:33:19 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Titelbild © by Criterion Collection Moin, zusammen! Ich hoffe Ihr seid gut in 2021 gekommen und wir alle bekommen ein weit weniger Virus-lastiges, dafür aber Kultur-reicheres neues Jahr. Los geht es hier direkt mit einem Sequence-Breaker. Ja, richtig, alles gut, ihr könnt noch zählen, auch 2 Tage nach Silvester folgt auf die #6 nicht die #31. … <a href="https://jackers2cents.de/52filmsbywomen-2020-31-new-york-city-girl-smithereens/" class="more-link">#52FilmsByWomen 2020 #31 – New York City Girl (SMITHEREENS) weiterlesen →</a>]]></description>
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 Moin, zusammen! Ich hoffe Ihr seid gut in 2021 gekommen und wir alle bekommen ein weit weniger Virus-lastiges, dafür aber Kultur-reicheres neues Jahr. 
Los geht es hier direkt mit einem Sequence-Breaker. Ja, richtig, alles gut, ihr könnt noch zählen, auch 2 Tage nach Silvester folgt auf die #6 nicht die #31. Aber da ich Review 1-30 bereits im Laufe des Jahres geschrieben und auf <a rel="noreferrer noopener" href="https://letterboxd.com/jacker/films/reviews/" target="_blank">Letterboxd veröffentlicht </a>hatte, gehe ich hier jetzt in einen freien Mix-Mode über und veröffentliche alles einfach wild durcheinander. Wahrscheinlich bin ich sowieso der Einzige, dem es auffällt (kleinen Chronologie-Spleen habe ich halt). Um den Überblick zu behalten, habe ich jetzt trotzdem eine <a rel="noreferrer noopener" href="https://jackers2cents.de/52filmsbywomen/" target="_blank">Übersichtsseite</a> erstellt. Have Fun!
 #31: Smithereens <a href="https://letterboxd.com/director/susan-seidelman/">Susan Seidelman</a> 
Wren, die Protagonisten in Susan Seidelmanns 1982er Underground-Film SMITHEREENS, wird gleich zu Beginn auf effektive Art charakterisiert. Wir sehen, wie sie flink über die Absperrungen der New Yorker U-Bahn klettert, sich betont cool gibt und ein wenig herum prollt, arrogant und genervt auf ihr Umfeld reagiert und alsbald beginnt die Wagons mit Promo-Postern zu zu kleistern. Auf diesen Postern abgebildet: sie selbst. Ein Foto, ein Name, ein Datum – keine weitergehende Informationen.
 Alles was wir über Wren wissen müssen, ist damit gesagt: Sie ist tough, von sich überzeugt und lässt sich nicht sagen, sie hat Wirkung und nutzt diese für ein betont lautes, sich in den Vordergrund drängendes Auftreten. Ungeklärt bleibt jedoch (noch) die Frage, was genau sie zu über dieses Auftreten hinaus zu bieten hat. Warum es sich lohnen sollte, ohne Vorstellung davon worum es geht, auf ein Event zu gehen, auf dem sie etwas tut? 
Diese anfängliche Neugier auf den Menschen hinter der coolen New Yorker Hipster-Punk-Fassade, die Fragen dazu, wer sie wohl ist und was sie wohl im Kern ausmacht, werden bald von einer starken Ernüchterung abgelöst: Wren kann nämlich, abseits fragwürdiger Qualitäten wie “sich auf Drinks einladen lassen” oder “sich in fremden Wohnungen breit machen” absolut nichts. Und doch (was den Film, welcher Anfang der 80er entstanden ist, gerade in den heutigen Zeiten relevanter denn je macht) ist sie der Meinung, dass ihr bereits aufgrund ihres Seins, ein Stück vom großen Fame-Kuchen zustehen würde.
 “Kommt, um mich zu sehen” – Wren möchte den Prototypen des IT-Girls darstellen. Ihr ausgeprägter Narzissmus lässt sie glauben, dass Leute dies wirklich tun würden, eine ebenso ausgeprägte “Fuck Everything”-Punk-Attitude hilft dabei die Gründe für ihr baldiges Scheitern bei den Spießern und Idioten um sie rum zu suchen. 
Auf ihrer weiteren Reise durch das (hochgradig faszinierende), einem Drecksloch gleichende New York der frühen 80er, benimmt sich Wren, wie ein ekelhaftes Arschloch. Um mit der Brechstange berühmt zu werden, nutzt sie jede Person in ihrem Umfeld, die ihr auch nur noch ein Fünkchen wohl gesonnen war, bis ins Letzte aus, verwechselt asoziale Kantigkeit mit Coolness (oder vielleicht einer verzerrten Idee von unnahbarem Stardom), doch weiß leider im Kern nicht, wozu das alles gut ist. Ihre Tough-Chick-Fassade beginnt zu bröckeln und legt einen Blick auf eine unsichere und orientierungslose junge Frau frei, die absolut keinen Plan hat, wo es im Leben hin gehen könnte.
Aufgrund dieses Aspektes wirkt SMITHEREENS als Kind der New Yorker No-Wave Bewegung regelrecht prophetisch. No future – erstmalig haben sich (einst unumstößliche ) Zwänge bzgl. des gesellschaftlichen Funktionierens, des alternativlosen mit-dem-Strom-Schwimmens, für eine gesamte Generation völlig aufgelöst, und der zuvor seit Jahrhunderten bestehende Druck zu funktionieren, ist einer lähmenden Freiheit gewichen. Lähmend, denn alles tun zu können birgt zwar unendliche Möglichkeiten, aber bietet eben auch das Modell sein Leben lang gar nichts zu tun, was retrospektiv sicher dazu beitrug die Slacker-Kultur zu formen.
 Verlorenheit in ziellosem Drift, doch, weil eine*r aus einer Million es geschafft hat, trotzdem getragen von der Hoffnung, auch ohne jegliches eigenes Zutun zu Geld und Ruhm zu gelangen. Ganz konträr zum noch wenige Jahre zuvor uneingeschränkt gültigen, wenn auch seit jeher verzerrten und verlogenen Modell des American Dreams. 
Und ohne zu viel des Films, welcher in seiner Erzählung ebenfalls stark vor sich hin wabert und driftet, vorwegzunehmen, kann gesagt werden, dass sich die Klimax ihres Werdegangs genauso stark den klassischen Hollywood-Märchen verweigert, wie das Lebensmodell ihrer Figur dem angesprochenen American Dream. SMITHEREENS möchte nicht die Underdog-Gewinnerstory erzählen, sondern funktioniert eher als Slice-of-Life-Stück über das in der Realität hundertausendfach so ablaufende Scheitern in der Gewöhnlichkeit.
Schmutz und Ausweglosigkeit, verletzte Gefühle, insgesamt also keine heile Welt, weder in Wrens Leben, noch in den Bildern, die Seidelman uns in SMITHEREENS vorsetzt. So dreckig, an manchen Ecken regelrecht einem Kriegsschauplatz gleichend, wie sich die Kulisse des New Yorks in den späten 70ern, vielleicht frühen 80ern darstellt – der Film ist eine fantastische Zeitkapsel, voller Bilder und Momente, an denen man sich, gewöhnt an die hohlen Hochglanzbilder in der Popkultur, gar nicht sattsehen kann – gestaltet sich auch seine Pointe.
 Aufgrund der zerfaserten Erzählung hat mich der Film unterm Strich zwar gar nicht durchweg abgeholt, jedoch lohnt es sich allemal, diesen ungeschönten Blick in eben die New Yorker Ecken zu werfen, welche der Lauf der Zeit gern in Vergessenheit geraten lassen würde. 
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<title>#52FilmsByWomen 2020 #6 – iHuman</title>
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<pubDate>Mon, 21 Dec 2020 20:30:08 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Titelbild © by UpNorth Film #6: iHuman von  Tonje Hessen Schei iHuman ist eine einseitige Doku über den aktuellen Status der künstlichen Intelligenz, die den Zuschauer*innen konstant vermitteln will, dass K.I.-Forschung das Schlimmste ist, was der Menschheit passieren konnte. Um diesen Punkt zu machen, setzt sie uns Zitate und Interviews vor (gut), beschreibt wirtschaftliche und politische … <a href="https://jackers2cents.de/52filmsbywomen-2020-6-ihuman/" class="more-link">#52FilmsByWomen 2020 #6 – iHuman weiterlesen →</a>]]></description>
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 #6: iHuman von  <a href="https://letterboxd.com/director/tonje-hessen-schei/">Tonje Hessen Schei</a> 
iHuman ist eine einseitige Doku über den aktuellen Status der künstlichen Intelligenz, die den Zuschauer*innen konstant vermitteln will, dass K.I.-Forschung das Schlimmste ist, was der Menschheit passieren konnte. Um diesen Punkt zu machen, setzt sie uns Zitate und Interviews vor (gut), beschreibt wirtschaftliche und politische Zustände (auch gut), aber verplempert (mindestens) die Hälfte der Zeit mit sinnbefreiten, einzig zum Setzen einer apokalyptischen Stimmung dienenden, 3D-Visuals.
 Nicht gut.  
Das Gezeigte skizziert stark die Nutzung von fortgeschrittener Technologie durch Regierungen zur Überwachung, sowie unser aller freiwillige Transformation zum gläsernen Bürger, was insgesamt vor allem dem Zweck dient, dass Companys ihre Werbeeinnahmen maximieren. Krasse Zustände und natürlich wahr, plus sehr bedenklich – all dies sind Tendenzen die uns zeigen, dass wir bereits, ohne jegliche Gegenwehr, mit einem Fuß in einer Dystopie stehen, wie sie sich Orwell nicht hätte ausmalen können.
So weit verstanden. Aber über diesen Punkt kommt iHuman nicht hinaus. Als Doku über K.I., darüber was sie uns als Menschheit bringen könnte, was sie uns hoffen und träumen lässt, warum man also überhaupt an ihr forscht, scheitert der Film völlig. Denn die Dokumentation zeichnet kein umfassendes Bild, sondern ist eindimensional auf die negativen Entwicklungen und Möglichkeiten fokussiert. So stark, dass sich ohne Vorkenntnis der Thematik schnell die Frage aufdrängt, warum es diesen Zweig der Wissenschaft und Technik überhaupt gibt… wenn das alles doch so ungemein schrecklich ist und uns zwingend ins verderben stürzt?
Ich habe mich damit bereits (oberflächlich) befasst, kenne die Pro-Argumente, halte diese für ebenfalls sehr stark und verstehe wieso es einen krassen Antrieb für die Forschung gibt. Träume eines medizinischen Utopias, sich selbst lösender mathematischer Probleme, der Lösung unserer globalen Energiekrise, und noch viel mehr stehen im Raum. Diese Sicht und Hoffnung vermisst man in iHuman vollständig – mal fällt eine Erwähnung im Nebensatz, ansonsten ist davon schlichtweg gar nicht die Rede. Der Film suggeriert: “wir forschen ausschließlich, weil die bösen Wissenschaftler zu neugierig sind, weil Systeme digitale Tools für ihren Totalitarismus brauchen und Google Geld den Hals nicht voll kriegt”.
 Und das ist a) falsch und reicht b) nicht. Nicht mal zum Thinkpiece, oder zur essayistischen Doku-Kampfschrift, denn gar nicht auf all die Hoffnungen, die man in K.I. steckt und die regelrecht utopischen Gedanken, die mit den pro-Argumenten in Richtung A.G.I. (oder sogar A.S.I.) einhergehen einzugehen, geht in etwa damit einher zu behaupten, Kernspaltung wurde ausschließlich erforscht und entwickelt, um die Atombombe zu bauen.  
 Selbst wenn die Autorin sich mit dem Thema umfassend befasst hat und dabei zum guten alten fortschrittsfeindlichen Fazit “Science: Bad!” gekommen ist, hätte man diese Seite der Medaille sehr gut in den ca. 50% der Laufzeit, welche mit nerviger 3D Animation belegt sind, zeigen können. Interessant wäre gewesen, warum Frau Schei die Pro-Argumente für nicht haltbar einstuft, nicht sie einfach größtenteils zu verschweigen. 
 Insgesamt ist iHuman eine, unter dem Dystopie-Aspekt, einigermaßen gelungene Beschreibung real existierender düsterer Entwicklungen, welche erst durch moderne Technologie ermöglicht wurden. Die Aussagen dazu sind richtig, das Gezeigte kritisch zu reflektieren wichtig und gut, aber die Zielsetzung des Films scheint viel zu stark ge-spin-doctort, um mit aller Kraft die anscheinend enorm ablehnende Haltung der Filmemacherin zu untermauern. 
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<title>#52FilmsByWomen 2020 #5 – THE LURE (Córki dancingu)</title>
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<pubDate>Fri, 11 Dec 2020 19:03:18 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Titelbild © by Criterion Collection #5: The Lure von Agnieszka Smoczyńska Ich hätte wirklich nie gedacht, dass ich den folgenden Satz jemals über einen Film sage, in dem exzessiv gesungen, getanzt, doppelplus-dick aufgetragen und voller Pathos performt wird, aber verdammt noch mal, das polnische Anarcho Horror-Musical, welches da eben über meinen Schirm flimmerte, triggert eine wahrlich euphorische … <a href="https://jackers2cents.de/52filmsbywomen-2020-5-the-lure-corki-dancingu/" class="more-link">#52FilmsByWomen 2020 #5 – THE LURE (Córki dancingu) weiterlesen →</a>]]></description>
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<h4 class="wp-block-heading">#5: The Lure von <a href="https://letterboxd.com/director/agnieszka-smoczynska/">Agnieszka Smoczyńska</a></h4>
 Ich hätte wirklich nie gedacht, dass ich den folgenden Satz jemals über einen Film sage, in dem exzessiv gesungen, getanzt, doppelplus-dick aufgetragen und voller Pathos performt wird, aber verdammt noch mal, das polnische Anarcho Horror-Musical, welches da eben über meinen Schirm flimmerte, triggert eine wahrlich euphorische Reaktion: SO LIEBE ICH MEIN KINO! 
 Von Regeln gelöst, frei und eigenwillig, lässt dieses bunte Mischmasch aus Fantasy, Mystik, Disco-Vibes und Gore filmische Aspekte wie eine gewöhnliche Narration vollkommen links liegen, um Bild und Ton rauschhaft, exzessiv und in vollen Zügen zu zelebrieren. Funktioniert, denn von Freude und Spaß, über Herzschmerz bis Angst, ruft THE LURE, teils sprunghaft chaotisch, eine ganze Bandbreite an Emotionen ab. 
 Der inhaltliche Mix ist so krude wie stark: Zwei bezaubernde Meerjungfrauen, die eben noch Disco-Songs performen und im nächsten Moment ihren Opfern brutal das Herz heraus reißen, schweben anmutig, in wabernden, traumartigen Bildern durch das bunte Licht eines 80er Jahre Tanzclubs im Ostblock und uns Zuschauer nehmen Fluss (und ja, auch Tanznummern und Songs) dieser Inszenierung regelrecht gefangen. 
 Abseits der vereinnahmenden Ästhetik arbeitet sich Agnieszka Smoczynska an klassischen Märchenformeln ab. Die jungen Frauen fechten einen tief gehenden Konflikt mit der eigenen Identität aus – Meerjungfrau bleiben, oder diese besondere Identität für die Liebe aufgeben (was natürlich einen Preis mit sich zieht). Der Struggle des Coming-Of-Age. 
 Angereichert sind die Subtexte allerdings mit mit weit mehr, als den Stolpersteinen der Adoleszenz. Der Film spielt in der ex-UDSSR und wurde von einer Frau aus diesem Kulturkreis gedreht – da ist Systemkritik, bzw. zumindest ein sinnieren über besagtes System nicht weit. THE LURE thematisiert in den Texten der Songs, sowie den Settings viele Fragen von politischer und auch feministischer Dimension 
 Ich will gar nicht behaupten, dass die Bilder und Songs durchweg profunden Inhalt und deepe Metaphern enthalten, vieles könnte man auch als reinen Genuss an der Form sehen, in die man aktiv Dinge reinlesen muss, aber was soll’s – ich saß fröhlich, beeindruckt und mit offenem Mund da, freute mich, grübelte und wollte mehr davon. 
 Bezeichnend (und frustrierend) ist eigentlich nur, dass solch ein Film hierzulande zwar einen Titel hat (SIRENENGESANG), aber noch nicht mal mit einer Veröffentlichung – weder physisch, noch digital – gewürdigt wird. Doof, aber was soll’s, die 18 Pfund für die Criterion Disc sind nicht ein Penny zu viel – gebt sie ruhig aus. 
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<title>#52FilmsByWomen 2020 #4 – Das Mädchen Wadjda</title>
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<pubDate>Wed, 02 Dec 2020 19:57:47 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Titelbild © by Koch Media #4: Das Mädchen Wadjda von Haifaa al-Mansour Der erste Spielfilm der ersten Saudi-Arabischen Regisseurin dreht sich von vorn bis hinten um die “Rolle”, dechiffriert also “um die Unterdrückung” der Frau in der arabischen Gesellschaft. Es geht in diesem Film um eine, aus unserer (verdammt freien!) westlichen Sicht, ziemlich simple Sache: … <a href="https://jackers2cents.de/52filmsbywomen-2020-4-das-maedchen-wadjda/" class="more-link">#52FilmsByWomen 2020 #4 – Das Mädchen Wadjda weiterlesen →</a>]]></description>
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<h4 class="wp-block-heading">#4: Das Mädchen Wadjda von <a href="https://letterboxd.com/director/haifaa-al-mansour/">Haifaa al-Mansour</a></h4>
 
 Der erste Spielfilm der ersten Saudi-Arabischen Regisseurin dreht sich von vorn bis hinten um die “Rolle”, dechiffriert also “um die Unterdrückung” der Frau in der arabischen Gesellschaft. 
 Es geht in diesem Film um eine, aus unserer (verdammt freien!) westlichen Sicht, ziemlich simple Sache: Ein Mädchen möchte Fahrrad fahren. 
 Und dass dies in gewissen Teilen der Welt in diesem Jahrtausend so konsequent verhindert wird, dass es immer noch eine Unmöglichkeit darstellt, hat mich unglaublich wütend gemacht, mich in meinem Hass auf patriarchale Machtstrukturen bestärkt, es mir ein erneutes Mal umso schwerer Gemacht (sämtliche) Religion(en) nicht ebenso zu hassen, mich gerührt, mich bewegt und mir am Ende zum Glück auch ein Bisschen Hoffnung gemacht. 
Denn das titelgebende Mädchen Wadjda – umwerfend gespielt von Waad Mohammed – hinterfragt das System in dem sie lebt mit der schärfsten Waffe, die uns zum Ausbrechen aus sinnbefreiten Strukturen gegeben ist: gesundem Menschenverstand. Selbiger bringt sie schnell zu der Erkenntnis, dass das für sie geltende Verbot ungerecht ist, dumm und selbst mit aller Vorstellungskraft der Welt nicht auf nachvollziehbaren Argumenten oder gar Fakten basiert (es ist so, weil es schon immer so war und Menschen, vor allem Männer, gern darauf bestehen, dass Dinge so bleiben wie sie sind – die waren ja schließlich schon immer so). Und dank dieser Erkenntnis, nimmt sie die Zustände einfach nicht hin, fordert Erklärungen statt Befehlen, steht für ihre Sache ein und schafft es mit Beharrlichkeit irgendwann etwas zu bewegen.
 Dabei sind ihr nicht einmal alle Männer, die ihr Vorhaben blockieren, ablehnend oder feindselig eingestellt – für viele ist das einzige Problem an dem Wunsch nach einem Fahrrad, dass das kollektive Bewusstsein der Gesellschaft diese Vorhaben nicht als schicklich ansieht. Durch konsequentes hinnehmen, statt hinterfragen, werden Menschen zum Zahnrad eines kaputten Konstrukts. 
Treffend wird die traurige Wahrheit, wie bestehende Systeme in Schieflage unsere menschlichen und charakterlichen Werdegänge lenken, an Wadjdas heimlichen Kumpel Abdullah angedeutet. Jung (und unverdorben) lässt er Wadjda gern auf seinem Fahrrad fahren, versteht die Verbote ebenso wenig, aber hat im Gegensatz zu ihr keinerlei Bedürfnis gegen sie zu rebellieren – ihm werden schließlich immer alle Türen offen stehen und mit großer Wahrscheinlichkeit braucht es nur noch etwas Zeit, bis er selbst beginnen wird den Status Quo zu pflegen, oder schlimmer noch zu verteidigen. Warum auch mit unpopulären Ansichten die eigene Position gefährden, wenn man doch alle Freiheit hat.
Beängstigend ist es im Zuge aller dieser Themen auch, dass dies bis jetzt Waad Mohammeds einziger Film ist. Der Zyniker in mir befürchtet, dass sie wahrscheinlich der “Bestimmung” ihres Geschlechts zum Opfer gefallen ist und mittlerweile zwangsverheiratet und eingesperrt hinter hohen Mauern vor sich hin vegetiert. Schauspiel ist FÜR EINE FRAU doch wirklich etwas viel – Kochen und Erziehen hinter verschlossener Tür steht den Damen doch nun wirklich besser.
 Sorry, mir bleibt bei so fundamentalen Unrecht oft nur hilfloser Fatalismus übrig. Aus diesem wächst aber wenigstens der Wille, wann immer möglich dafür einzustehen, dass Gleichberechtigung immer und überall ein elementares Gut ist. 
 Mein Fazit zur emotionalen Zerstörtheit, die dieser Film auslöste: Ein riesengroßer Mittelfinger geht raus in Richtung aller Gottesstaaten, Zwangshochzeiten, unterdrückenden Arschlöchern und all dem obsoleten Mittelalter-Scheiß, der wir hier noch thematisiert wurde. 
<h1 class="wp-block-heading">#HabSonnHals!</h1>
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<title>#52FilmsByWomen 2020 – Der Anfang (aka Filme #1-3)</title>
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<pubDate>Tue, 24 Nov 2020 15:30:46 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Titelbild © Concorde Video Wie ich in meinem Comeback-Post bereits beschrieb, wurde ich auf die #52FilmsByWomen-Aktion erst im April aufmerksam. Umso interessierter war ich daran, wie viele, ähem, naja, wohl eher wie wenige Filme von Frauen ich in den ersten 16 Wochen des Jahres bereits gesehen hatte. Die ernüchternde Antwort: Drei. Und obwohl ich retrospektiv … <a href="https://jackers2cents.de/52filmsbywomen-2020-der-anfang-aka-filme-1-3/" class="more-link">#52FilmsByWomen 2020 – Der Anfang (aka Filme #1-3) weiterlesen →</a>]]></description>
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 Wie ich in meinem <a rel="noreferrer noopener" href="https://jackers2cents.de/wie-52filmsbywomen-mich-wieder-zum-schreiben-brachte/" data-type="post" data-id="15031" target="_blank">Comeback-Post</a> bereits beschrieb, wurde ich auf die #52FilmsByWomen-Aktion erst im April aufmerksam. Umso interessierter war ich daran, wie viele, ähem, naja, wohl eher wie wenige Filme von Frauen ich in den ersten 16 Wochen des Jahres bereits gesehen hatte. 
 Die ernüchternde Antwort: Drei. 
 Und obwohl ich retrospektiv zu diesen Filmen nur jeweils einen Tweet absetzte, möchte ich sie hier gerne, als kleines Warmup, erwähnen und empfehlen. Daher im Folgenden wenige Zeilen pro Film. 
 — 
 #1: Destroyer von <a href="https://letterboxd.com/director/karyn-kusama/">Karyn Kusama</a> 
 Ein atmosphärisch gelungener Cop-Thriller mit starken Anleihen an persönlich erzählte “Abstiegs-Dramen”, der viel Zeit mit dem Schicksal der von Nicole Kidman gespielten Hauptfigur, sowie der Verschleierung der entscheidenden Momente in ihrer Vergangenheit verbringt. Teilweise packend, doch im Strom der Ereignisse tun sich immer wieder Durststrecken auf, der Verlauf wirkt etwas ziellos und zerfasert. 
Highlight sind zwei (überragende) Heist-Szenen, die vor Spannung zu zerbersten drohen und in denen ich Kidman alles geglaubt habe – ihre Wut, ihre Verzweiflung, ihre Gebrochenheit. Ganz im Gegensatz zur Maske, denn auch wenn sie darstellerisch alles tut, um ihre kaputte Figur auch ebenso wirken zu lassen – die Körperhaltung entspricht der einer alten Frau, Energie scheint sie selbst zum Atmen kaum noch übrig zu haben – konnte ich ihr insgesamt leider die Abgefucktheit nicht abkaufen. Zu aufgemalt sehen Furchen und Narben aus.
 — 
 #2: Systemsprenger von <a href="https://letterboxd.com/director/nora-fingscheidt/">Nora Fingscheidt</a> 
 Ein zermürbender Film, dessen emotionale Wucht mich völlig umgehauen und lange nachgehalt hat. Die deprimierende Erkenntnis, dass es manchmal trotz aller Bemühungen des Umfelds und der Beteiligten für ein schwerwiegendes Problem keine Lösung gibt, schnürt Fingscheidt in ihrem Langfilmdebut zu einer unerträglich krassen Dosis Realität zusammen. 
 Das Beispiel eines schwer, bzw. un-erziehbaren kleinen Mädchens, welches von Heim zu Heim und Pflegefamilie zu Pflegefamilie geschoben wird, brachte mich enorm zum Nachdenken über unser menschliches Wesen und die Einflussfaktoren darauf. Was formt uns, was spielt in unsere Wesensentwicklung rein? Und gibt es einen Point-of-no-return, an dem das Fehlen von menschlicher Wärme (und die angedeutete erfahrene Gewalt) bereits in jungen Jahren für irreversible Schäden sorgen? 
 Der kleinen Benni wünscht man nur das Beste, weil sie doch eigentlich nur die Liebe ihrer Mutter möchte, ihr dabei zuzusehen, wie sie an den Institutionen scheitert (und diese an ihr) zerreißt das Herz, dass all diese Verfahrenheit zu verknotet ist, um sich noch aufzulösen, gibt den emotionalen Todesstoß. 
 — 
 #3: Unicorn Store von <a href="https://letterboxd.com/director/brie-larson/">Brie Larson</a> 
 Mit ihrem Regiedebut hat sich Brie Larson leider komplett verhoben, denn sich selbst in die Hauptrolle besetzen, war bei unerfahren Regisseur*innen in den seltensten Fällen eine gute Idee. 
 So auch hier, denn Larson selbst stolpert verplant als (enorm) unsympathische Figur durch zwar bunte, aber dennoch ideenlose Settings und langweilt in Szenen voll holziger, repetitiver Dialoge. Befremdlich ist dabei vor allem ihr Humorverständnis – das Klamotten farbig, oder Frisuren wild sind, scheint ihr bereits als Gag zu taugen, psychische Verwirrtheit verwechselt sie mit Individualismus, angepissten Teenager-Vibe mit sympathischem Coming-of-age. 
 Wirklich öde hoch zehn und eine Gurke von Film. In seinem farblosen Versuch ein aus der Welt gefallenes Manic-Pixie-Dreamgirl zu kreieren, ist Unicorn Store auf dem Feld der “bunt & querky”-Filme fast schon wieder herausragend. 
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<title>Wie #52FilmsByWomen mich wieder zum Schreiben brachte</title>
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<pubDate>Sun, 22 Nov 2020 12:31:48 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Stetig war es zu hören, das kühle Pfeifen des Windes, welcher hier über eine leere Steppe wehte, die einst ein lebendiger Wald aus inbrünstigen Musikempfehlungen und halbwegs vernünftig formulierten Film-Reviews war. 2018 hatte ich eine (als vorübergehend erhoffte) Pause mit dem Schreiben verkündet, weil das Ganze eher zur Pflicht verkommen, denn Spaß geblieben war. 2019 flammte … <a href="https://jackers2cents.de/wie-52filmsbywomen-mich-wieder-zum-schreiben-brachte/" class="more-link">Wie #52FilmsByWomen mich wieder zum Schreiben brachte weiterlesen →</a>]]></description>
<content:encoded><![CDATA[
 Stetig war es zu hören, das kühle Pfeifen des Windes, welcher hier über eine leere Steppe wehte, die einst ein lebendiger Wald aus inbrünstigen Musikempfehlungen und halbwegs vernünftig formulierten Film-Reviews war. 
 2018 hatte ich eine (als vorübergehend erhoffte) Pause mit dem Schreiben verkündet, weil das Ganze eher zur Pflicht verkommen, denn Spaß geblieben war. 
 2019 flammte dann wieder vereinzelt der Impuls auf, gesehene Filme mit ein paar Worten zu ehren (bzw. <a href="https://jackers2cents.de/ueber-die-militaerpropaganda-in-operation-red-sea/" data-type="post" data-id="14999">niederzumachen</a>), so dass ganze vier Einträge ihren Weg auf diese Plattform fanden. 
 In 2020 herrscht bis jetzt wieder gähnende Leere… 
 Wer meine anderen Online-Präsenzen verfolgt (was ihr sicherlich alle tut, denn wer könnte relevanter für den medialen Kurs und eure persönlichen Star-Kulte sein, als der jackermonkey [/Sarkasmus off]), könnte aber mitbekommen haben, dass es nicht an Motivation mangelte, sich lang und breit mit Filmen und den Themen in ihnen auseinander zu setzen – im Gegenteil. Einzig das Medium hatte sich gewandelt. 
Ich habe es nicht zusammen gerechnet, aber grob geschätzt habe ich in 2018-2020 bei <a rel="noreferrer noopener" href="https://enoughtalk.de" target="_blank">Enough Talk!</a> und <a href="https://superherounit.de">Superhero Unit</a> etwa 70 Podcast-Episoden mit im Schnitt je ca. 2,5h Laufzeit veröffentlicht. Irrsinnige Eskapaden in diesem Portfolio an Sendungen – zum Beispiel der insgesamt ca. 13 stündige Jahresrückblick 2018 mit Christian Steiner – deuten an, dass das Mitteilungsbedürfnis ungebrochen war. Nur eben in Wort, statt in Schrift.
Und dies dominierte auch lang meine Auseinandersetzung mit der Kunstform – warum in wenigen Worten wenige Aspekte eines Werkes ausloten, wenn es doch verbal so viel umfangreicher geht? In der Theorie richtig, aber dem Ganzen fehlt ein wesentlicher Aspekt, der meine Texte hier früher stark dominierte: Das Format eignet sich nur bedingt, um unmittelbar nach dem Schauen eines Films die ersten Gedanken, die Überwältigung, die Wut, das Glück, etc. einzufangen und zu kanalisieren.
 Das fehlte mir beim Casten manchmal ein wenig, da man Sendungen oft erst Tage nach dem Schauen aufzeichnet und (im worst case) die Stimmung nach dem Film wieder aktiv heraufbeschwören muss, statt noch voll auf der Welle zu schwimmen. 
 Auf den anderen Seite stellte ich mir aber immer wieder die Frage: “Worüber lohnt es sich zu schreiben?” 
 Und die Antwort lieferte mir eine Aktion, die ich Anfang des Jahres auf Twitter entdeckte: <a rel="noreferrer noopener" href="https://twitter.com/hashtag/52FilmsByWomen" target="_blank">#52FilmsByWomen</a> 
 Der Grund für das Aufkommen dieser Aktion ist ganz simpel. Wir alle schauen leider stetig viel zu wenige von Frauen gemachte Filme. 
 Das passiert aus verschiedensten Gründen und wenn man diese alle auflistet (was ich aus Gründen des Umfangs hier nur anreiße), zeigt sich ganz gut, dass sie Hand in Hand einen perfiden Teufelskreis formen. 
 Am wichtigsten sind wohl zwei Faktoren: 
<ol><li>Weil das schon immer so war: Da Popkultur seit jeher männlich dominiert ist, und unser liebes Publikum leider vor allem immer mehr von dem will, was es bereits kennt, schaut es vor allem Filme, die dieser Jahrzehnte lang praktizierten Sozialisierung entsprechen. Von Männern (also in “männlichem Ton”) erzählte Geschichten, in denen zumeist männliche Helden die Welt retten – Hollywood wie es schon immer leibte und lebte – sind nach wie vor das dominierende Ding. Die ANgst vor Veränderung dieser Erzählmuster geht so weit, dass weibliche Stars und Filmemacherinnen langsam davon genervt sind, <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.nytimes.com/2020/02/07/opinion/sunday/brit-marling-women-movies.html" target="_blank">dass sie keinen eigenen Ton entwickeln dürfen, sondern nur mit weiblicher statt männlicher Hauptrolle alte Muster replizieren</a>.</li><li>Gender Bias: Weil es in der Filmindustrie (wie leider auch in so gut wie jeder anderen Industrie) ein extremes Ungleichgewicht auf Ebene der Entscheider hin zu Männern gibt und diese dazu neigen <a rel="noreferrer noopener" href="https://www.ncbi.nlm.nih.gov/pmc/articles/PMC4554714/" target="_blank">Jobs und Projekte eher an ihnen selbst ähnelnde Akteure (also Männer) zu vergeben</a>, plus, wie andere Studien zeigen, <a rel="noreferrer noopener" href="https://hbswk.hbs.edu/item/why-employers-favor-men" target="_blank">sogar Frauen dazu neigen, eher Männer einzustellen</a>, gibt es schlichtweg weniger Filme von Frauen. Frauen müssen zudem viel höhere Hürden überwinden, um Projekte zu realisieren, bzw. nach einem Flop noch mal ein Projekt zu bekommen (sorry, ich finde den Link nicht mehr, googelt mal selbst, Hinweise sind willkommen), die Angst der Männer vor Machtverlust scheint immens zu sein (was so weit geht, dass <a href="https://hbr.org/2019/11/why-investors-react-negatively-to-companies-that-put-women-on-their-boards" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Companies mit Frauen im Management-Board größere Probleme haben Investoren zu mobilisieren</a>).</li></ol>
 Das führt zu der prekären Situation, dass es weniger Filme von Frauen gibt, die zudem auch noch strenger bewertet werden, weil sie unter Umständen eine andere Tonalität und Erzählweise haben, weswegen sie schneller als Flop gelten, weswegen es noch weniger Filme von Frauen gibt. Teufelskreis. 
 Und um dies aufzubrechen, sollte jede*r Filmfan sich vornehmen in den vielen Sachen die man schaut wenigstens (mehr geht immer) einmal pro Wochen einen Film einer Regisseurin zu sehen und darüber zu twittern, bloggen, podcasten, oder vielleicht einfach nur mit Freund*innen und Bekannten zu reden. 
 Im Gegensatz zu #horrorctober, #oWEstern und was es da noch alles gibt, erschien mir diese Aktion endlich einmal wirklich wichtig, weil sie uns dazu motiviert den Bias zu bekämpfen und Filme zu sehen, die wir sonst nicht sehen würden, anstatt (wie bei obigen Beispielen) nur Genres die wir eh schauen in ein bestimmtes Zeitfenster zu verschieben. 
 Und deswegen beschloß ich (in Woche 16, als ich von #52FilmsByWomen hörte) auch mitzumachen. Ein paar Filme von Frauen hatte ich dieses Jahr zu diesem Zeitpunkt schon gesehen und den weiteren Rückstand “aufzuholen” musste möglich sein. Bzw. schrieb ich damals: es nicht zu schaffen, wäre ein Armutszeugnis.  
Gesammelt habe ich die Filme in einer <a rel="noreferrer noopener" href="https://letterboxd.com/jacker/list/52filmsbywomen-jackers-auswahl-2020/" target="_blank">Letterboxd-Liste</a>, promoted habe ich sie über Tweets, bzw. einen <a rel="noreferrer noopener" href="https://twitter.com/jackermonkey/status/1282750882866761732?s=20" target="_blank">Twitter-Thread</a>. Doch irgendwann merkte ich, dass ich für jeden Film 4-5, später 10-12 Tweets brauchte, um meine Gedanken zu sammeln, begann sie auf Letterboxd zu posten und plötzlich war es geschehen: Ohne es zu merken, hatte ich wieder mit dem Review-Schreiben begonnen.
 Dass ich das nicht gleich hier tat, hatte den simplen Grund, dass ich ja davon ausging “nur ein paar Worte pro Film zu schreiben”. Aber da es deutlich mehr wurde, haltet die Augen offen, ich werde in den nächsten Tagen beginnen, diese Reviews ins Blog zu überführen – wer weiß, vielleicht beginnt die zweite Renaissance von Jacker’s 2 Cents? Ich selbst bin gespannt wo es hin führt. 
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<title>Die humanistische Melancholie in AD ASTRA</title>
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<pubDate>Wed, 16 Oct 2019 14:02:23 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Beitragsbild (c) by 20th Century Fox James Gray macht Filme, die ich immer – zumindest in den Exemplaren die ich kenne – als unperfekt ansehen würde. Filme, deren Gesamtbild sich aufgrund der Anordnung und Beschaffenheit einzelner Szenen unrund anfühlt, oder die an den sich auf tuenden Kreuzungen der Dramaturgie seltsame Abzweigungen nehmen, sich zeitweise gar … <a href="https://jackers2cents.de/die-humanistische-melancholie-in-ad-astra/" class="more-link">Die humanistische Melancholie in AD ASTRA weiterlesen →</a>]]></description>
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 Beitragsbild (c) by 20th Century Fox 
James Gray macht Filme, die ich immer – zumindest in den Exemplaren die ich kenne – als unperfekt ansehen würde. Filme, deren Gesamtbild sich aufgrund der Anordnung und Beschaffenheit einzelner Szenen unrund anfühlt, oder die an den sich auf tuenden Kreuzungen der Dramaturgie seltsame Abzweigungen nehmen, sich zeitweise gar auf fremden Terrain verirren. Und doch treffen diese ungeschliffenen Diamanten immer wieder einen ganz besonderen emotionalen Spot in mir.
Als z.B. Jeremy Renner in <a href="https://jackers2cents.de/review-the-immigrant-2013/">THE IMMIGRANT</a> als Magier vor gestrandeten Auswanderern eine Rede über die Möglichkeiten in der Freiheit des neuen Lebens hielt, inszenierte Gray dies – ganz der Sache entsprechend – mit einer solch magischen Hoffnung für die Zukunft, dass mir die Tränen in den Augen standen. Danach brach der Film diese Aussagen in Ambivalenz auf und demaskierte den American Dream, verirrte sich aber dann zunehmend in seiner Erzählung und scheiterte auf dem höchsten denkbaren Niveau.
Und auch hier in AD ASTRA passt vieles nicht zusammen – leise in sich gekehrte charakterliche Emotionalität trifft auf Mond-Action, ein melancholischer Abgesang auf die Menschheit und ihren gierigen Raubbau an der eigenen Zukunft trifft auf die angenehm angekitschte Hoffnung, dass die Menschen und ihre Liebe zueinander langfristig siegen können. AD ASTRA prangert an was mies läuft, prognostiziert sogar, dass das alles in Zukunft nicht besser werden wird, egal wie weit wir technologisch kommen, doch kontrastiert dies mit der Gewissheit, dass tief in uns dennoch etwas schlummert, dass das Leben für uns und unsere nächsten Mitmenschen lebenswert macht. Oh Mann, viel drin in dieser Gleichung, auch einiges, was sich per se nicht vertragen dürfte.
Doch trotz all der inhärenten Widersprüchlichkeit gelingen Gray erneut Momente von absolut erhabener Emotionalität. Zahlreich. Ein immer kontrollierter, fokussierter, fast maschinell funktionierender Mann lässt nach Jahrzehnten erstmalig bis ins Letzte die Gefühle zu, die ein emotionaler Verlust der schlimmsten Sorte einst in ihn pflanzte und muss dahin gehen wo Milliarden von Kilometern um ihn herum nichts ist, um zu erkennen was er am Leben hat. Reise ins All als Reise ins Ich – nichts neues, aber in der vorliegenden Form auch nichts was je alt werden würde.
All dies mag nach simpler Küchen-Weisheit klingen, wenn man es nüchtern als Text runter getippt wird. Verpackt in Metaphern, Symbole und Stimmungen steht Wirkung jedoch weit über der Ratio. Dieser Film muss erfühlt werden, denn er wurde (zu gleichen Teilen) von Gray, dem unglaublich agierenden Pitt, sowie den zwei – jeweils zu den Besten ihrer Zunft gehörenden – Virtuosen Hoyte van Hoytema und Max Richter mit einer durchweg vereinnahmenden, hypnotisch anmutenden Sogkraft auf die Leinwand gebracht.
 Some call it Kitsch, für mich ist AD ASTRA ein melancholisches Sinnieren über das Leben und den Menschen – ganz tief drin in Herz und Seele, wie auch makroskopisch, als Ressourcen- und Planeten-verschlingende Lebensform. Bin platt. 
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<title>#horrorctober 2019, Film #3: Die Farbe (2010)</title>
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<pubDate>Wed, 09 Oct 2019 17:18:32 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Ich bin erst spät zu H.P. Lovecraft‘s Werk gekommen, doch so sehr mich meine ersten Versuche im zarten Jugendalter an der – in meiner damaligen Sicht – altbackenen Sprache und Erzählweise scheitern ließen, so sehr haben mich knapp 20 Jahre später seine beklemmenden Grusel-Geschichten kosmischen Ausmaßes gepackt. Am stärksten daran wohl ein besonderer Aspekt, der … <a href="https://jackers2cents.de/horrorctober-2019-film-3-die-farbe-2010/" class="more-link">#horrorctober 2019, Film #3: Die Farbe (2010) weiterlesen →</a>]]></description>
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Ich bin erst spät zu H.P. Lovecraft‘s Werk gekommen, doch so sehr mich meine ersten Versuche im zarten Jugendalter an der – in meiner damaligen Sicht – altbackenen Sprache und Erzählweise scheitern ließen, so sehr haben mich knapp 20 Jahre später seine beklemmenden Grusel-Geschichten kosmischen Ausmaßes gepackt. Am stärksten daran wohl ein besonderer Aspekt, der sich wie ein roter Faden durch sein Werk zieht: Der Autor erzählt vom Unsichtbaren hinter der Fassade des normalen, von Dingen, Wesen und Ereignissen auf die seine Protagonisten treffen, die zu begreifen der menschliche Geist schlicht nicht im Stande ist. Doch so wenig das Unbeschreibliche zu beschreiben ist, so sehr macht er es fühl- und erlebbar.
Letzteres ist wohl der Punkt, warum seine Werke filmisch abzubilden keine triviale Aufgabe ist. Angespannte Stimmung an der Grenze zum Wahnsinn, eine Welt die nicht ist wie sie scheint, sich aber deshalb ein klein bißchen verschoben und falsch anfühlt, ohne klar als Hölle auf Erden erkennbar zu sein – ohne ein Händchen für Wirkung und ein intensiv ausgeprägtes Stilbewusstsein brauchen Filmemacher_innen sich an diese Stoffe gar nicht erst heranzuwagen, auch will sehr genau überlegt sein, was genau die Filme tatsächlich auf der Leinwand abbilden. Das Unzeigbare zu zeigen kann schnell ins Lächerliche abdriften.
Nun habe ich Huan Vu‘s DIE FARBE von 2010 gesehen und kann mich vor diesem, ganz offensichtlich ohne nennenswertes Budget entstandenen Film (nicht “finanziert durch”, sondern “gesponsert by lokale Brauerei”), nur verneigen. Richtiger als Vu – seines Zeichens übrigens treibende Kraft hinter der empfehlenswerten Website genrefilm.net – es mit seiner Interpretation des Lovecraft-Kurzromans THE COLOUR OUT OF SPACE angeht, geht es wohl kaum.
In kontrastreichem, die Welt in einen mysteriösen Schein kleidenden Schwarz/Weiss zeigen Vu und Kameramann Martin Kolbert uns den Einfall einer fremdartigen kosmischen Macht in die natürliche Idylle deutscher Wälder. Nervenzerreibend flimmern Streicher, unerklärlich stellen sich die Phänomene im Sommer nach dem Meteoriteneinschlag da, fiebrig entwickelt sich der mentale Verfall aller involvierten Dörfler. Dass einige Darsteller in den kleineren Rollen nicht der A-List entspringen, gibt dem ganzen sogar noch zusätzlich etwas leicht entrücktes.
 In der Limitierung liegt hier auch sonst die Kraft, denn der Horror entspringt, ganz dem Erbe Lovecrafts verschrieben, nicht aus dem offenkundig Sichtbarem, sondern der eigenartigen Veränderung von Natur und Mensch und einem damit einergehenden Vertrauensverlust in die Regeln unserer Welt. Menschen scheinen besessen, Insekten und Früchte mutieren, etwas stimmt nicht – doch niemand versteht wie man dies wieder umkehren kann. Alles scheint möglich, das schlimme Ende unabdingbar. 
 Auch wenn der Film nach herkömmlichen Maßstäben sicher nicht als perfekt durchgeht, hat Vu hier weit mehr als das Bestmögliche rausgeholt – was an Budget fehlt, holen Schnitt, Kamera und Erzählweise auf natürlichem Wege wieder rein. Ich war gefesselt und verbleibe begeistert, aber auch mit einigen zynischen Fragen im Hinterkopf. 
 Wieso redet über diesen Film kaum jemand? 
 Wieso ist man nach Fertigstellung als Filmproduzenten nicht an Huan Vu herangetreten, hat ihm einen Blanko Scheck – von mir aus gedeckelt – ausgestellt und gesagt “mach mal!”? 
 Wieso durfte Martin Kolbert, der hier einige der atmosphärischsten Bilder einfängt, die ich im deutschen Film bis jetzt bewundern durfte, abseits von DIE FARBE nur vier Kurzfilme machen dürfen? 
 Die Antworten kenne ich. Akzeptieren werde ich sie jedoch so schnell nicht… 
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<title>Über die Militärpropaganda in OPERATION RED SEA</title>
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<pubDate>Sun, 27 Jan 2019 15:33:15 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Operation Red Sea (IMDb) – Action/Militär-Propaganda, China, 2018 – Regie: Dante Lam, Skript: Feng Ji, Copyright (Titelbild, Bildausschnitte, Trailer): Splendid Review China ist dabei (bzw. größtenteils damit durch) sich alle nur erdenklichen Märkte zu erschließen und sie zu dominieren. Jahrelang funktionierte dies über das reine Kopieren, heute sind finanzielle Dominanz und schiere Größe die primäre Triebkraft. Dante Lam, … <a href="https://jackers2cents.de/ueber-die-militaerpropaganda-in-operation-red-sea/" class="more-link">Über die Militärpropaganda in OPERATION RED SEA weiterlesen →</a>]]></description>
<content:encoded><![CDATA[ Operation Red Sea (<a href="https://www.imdb.com/title/tt6878882/">IMDb</a>) – Action/Militär-Propaganda, China, 2018 – Regie: Dante Lam, Skript: Feng Ji, Copyright (Titelbild, Bildausschnitte, Trailer): <a rel="noreferrer noopener" href="http://splendid-film.de/ceemes/page/show/Splendid" target="_blank">Splendid</a> Review China ist dabei (bzw. größtenteils damit durch) sich alle nur erdenklichen Märkte zu erschließen und sie zu dominieren. Jahrelang funktionierte dies über das reine Kopieren, heute sind finanzielle Dominanz und schiere Größe die primäre Triebkraft. Dante Lam, den ich für Filme wie <a rel="noreferrer noopener" aria-label="THE VIRAL FACTOR (opens in a new tab)" href="https://jackers2cents.de/film-the-viral-factor-jik-zin-2012/" target="_blank">THE VIRAL FACTOR</a> sehr schätze, bedient sich beider Methoden zugleich: er kopiert 1 zu 1 die Mechanismen des “AMERICA, FUCK YEAH!”-Propagandafilms und treibt diese durch besagte Größe auf ein komplett neues Level. Mindestens 100 der ausufernden knapp 150 Minuten bestehen aus Action-Szenen, die an Bombast, Materialschlacht und Härte wohl kaum zu überbieten sind. Im Vakuum betrachtet, ist dies der absolute inszenatorische Wahnsinn und an Energie kaum zu übertreffendes Actionkino der allergrößten Sorte. Aber ich kann vor Pathos triefende, ultra-patriotische Militärporno-Propaganda nicht im Vakuum betrachten. Egal aus welchem Land sie kommt und egal ob die Fahnen einer (offiziell) lupenreinen Demokratie, oder eines fragwürdigen, totalitär agierenden Regimes geschwenkt werden – die Filmemacher legen die selben Regler um, die selbstlosen Soldaten werden identisch zu engelsgleichen Heilsbringern stilisiert und am Ende sind all die herben Verluste, all die Tränen, zerfetzten Körper und präzise in Köpfe gefeuerten Kugeln es wert gewesen. Für die Pflicht. Für die gute Sache. Für den Dienst am Vaterland. Mir wird schlecht! Es ist schon beklemmend, wie unreflektiert und/oder durch das Regime in Hintergrund getrieben Lam hier die Trademarks eines Michael Bay übernimmt. Die China-Flagge weht in Großaufnahme im Wind, die Marine/Armee ist unbesiegbar, die genutzte Technologie die neuste, größte, schnellste, präziseste und vor allem tödlichste. In ultra-ultra-Slow Motion werden stylische Headshots und Einschläge von Mörsergranaten zelebriert, den Kontrast bilden hyperkinetische Schlachtfeld-Sequenzen in den engen Gassen zerbombter arabischer Wüstenstädte. Dort zerreißt es Körper, der über-diabolische Feind wird mit aller Kraft in die Knie gezwungen. Moralisch verwerflich ist daran natürlich nichts, denn a) ist es for the FUCKIN’ CHINESE HONOUR (und somit richtig) und b) sind die Feinde ja nur – auch da hat man sich erfolgreich an das amerikanische Modell der letzten 15 Jahre angebiedert – Menschen dritter Klasse: Araber. Das Feindbild Turbarnträger funktioniert in den 10er Jahren einfach zu gut und somit werden hier, 13 HOURS bestellt zynische Grüße, sämtliche männliche Bewohner eines gesamten Kontinents ungebrochen zu “Terroristen” erklärt und in Egoshooter-Ästhetik zersiebt. 12jährige Jungs verdienen hier ebenso konsequent den Tod wie das folternde Oberhaupt der Terrorbande – der Feind hat kein Gesicht und keine Nuancen, jedes Y-Chromosom ist von Geburt an ein fieser Scherge, welcher einzig durch eindimensionale Mordlust definiert ist. Solchen Abschaum gibt man gern zum Abschluss frei – für den Frieden, für China, für die Ehre des Soldaten. Ohne genauer hinzusehen ist OPERATION RED SEA sicher ganz großes Actionkino, weil es überdurchschnittlich kräftig knallt und wummert bis die Couch bebt. Und auch wenn ich den Großteil der Menschen, die diesen Text evtl. lesen für reflektiert genug halte, um den militaristischen “don’t mess with China”-Spirit des Films auch im Detail zu entlarven – über die, nach ihrer Rettung durch die hoch technisierte Halbgott-Eliteeinheit grinsend China-Fähnchen in die Kamera schwenkenden armen Geiseln und triefenden Pathos im Finale hinaus – dennoch eine allgemeine Bitte: schaut genauer hin. Macht euch Gedanken über das Gezeigte, deutet mit dem Finger drauf und brandmarkt derart perfide Kriegs- und Nationalismus-Propaganda als das was sie ist, anstatt sie lobend durch zu winken “weil sie unterhaltsam ist”. Denn letzteres ist doch genau der Mechanismus wie sie gewinnen kann – Propaganda, macht sich da breit, wo keiner so genau hinsehen möchte, weil es einfach zu viel Spaß macht und der Rahmen so richtig fetzt. Aber eine so vollständige Entpolitisierung der Filmwahrnehmung dürfen wir nicht hinnehmen. Ich zumindest hätte auf diesen chinesischen <a href="https://jackers2cents.de/gesneakt-13-hours-the-secret-soldiers-of-benghazi-2016/">13 HOURS</a> trotz starker Action gern verzichtet. Wertung 3-4 von 10 heldenhaften Slow-Mo Kopfschüssen ]]></content:encoded>
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<title>Japanuary 2019, Film #1 – Your Name.</title>
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<pubDate>Sun, 06 Jan 2019 11:12:41 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Your Name. (IMDb) – Sci-Fi Lovestory, Japan, 2016 – Regie: Makoto Shinkai Skript: Makoto Shinkai Copyright (Titelbild, Bildausschnitte, Trailer): Universum Film Review Ist die Liebe universell? Leben wir nur auf den einen Punkt hin, der uns diese eine Person treffen und für immer ins Herz schließen lässt? Sind Menschen gar “für einander bestimmt”? Wenn im alltäglichen Leben Menschen mit solch … <a href="https://jackers2cents.de/japanuary-2019-film-1-your-name/" class="more-link">Japanuary 2019, Film #1 – Your Name. weiterlesen →</a>]]></description>
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 Your Name. (<a href="https://www.imdb.com/title/tt5311514/">IMDb</a>) – Sci-Fi Lovestory, Japan, 2016 – Regie: Makoto Shinkai Skript: Makoto Shinkai Copyright (Titelbild, Bildausschnitte, Trailer): Universum Film 
 Review Ist die Liebe universell? Leben wir nur auf den einen Punkt hin, der uns diese eine Person treffen und für immer ins Herz schließen lässt? Sind Menschen gar “für einander bestimmt”? 
Wenn im alltäglichen Leben Menschen mit solch esoterischen Thesen und Behauptungen um sich schmeißen, dreht sich mir als Wissenschaftler, Rationalist und Klardenker regelmäßig der Magen um. Von Seelen(verwandschaft), Schicksal und ähnlichem Geschwurbel halte ich genau Nullkommanichts und könnte regelmäßig an die Decke gehen, weil heutzutage leider statt Aufklärung und Wissenszuwachs eine starke Zunahme des irrationalen Quatsches in der Gesellschaft zu verzeichnen ist. Das ist nicht gut. Bildet euch. Bitte!
Nach diesem kurzen Rant aber ein wichtiger Zusatz: Wozu bräuchten wir Filme, wenn sie ausschließlich die Realität abbilden würden? So sehr ich mir in der Realität rationales Denken wünsche, so sehr begrüße ich es, wenn Filme sich so frei wie möglich bei “was wäre wenn”-Szenarien bedienen. Uns mit Zeitreise, Monstern, Weltraum, anderen Dimensionen, Schicksal, Magie, und, und, und den nötigen Eskapismus aus einer (manchmal ZU) kargen Welt ermöglichen. Träumen dürfen und sollen wir – man muss nur irgendwann auch wieder auf dem Boden landen – und somit ist Film das perfekte Medium, um in die Wogen des Fantastischen abzudriften.
Eben dies tut Makoto Shinkai in seinem x-ten Film (jedoch meinem ersten Kontakt mit diesem Filmemacher) mit Bravour. Boy meets Girl mal ganz anders gedacht, denn nachdem Mitsuha und Taki in ihren Träumen die Körper tauschten, sich über das Leben im Körper des anderen ineinander verliebten, durch die Zeit reisten, um sich vor einer großen Katastrophe zu retten, ist klar, dass wir hier keine gewöhnliche Liebesgeschichte vom Fließband genießen durften. Stattdessen steht ein großes Ausrufezeichen hinter der Kraft der Liebe. Shinkai lässt sie nicht nur als Triebkraft zu, die zwei Menschen sich finden lässt, sondern ganze Berge (oder Kometen) verrücken, ja gar die Geschichte der Welt neu schreiben.
So zuckersüß und angekitscht wie diese Zeilen klingen mögen, schaut sich YOUR NAME. auch. In warmes Licht getaucht, von wunderschönen, Aquarell-Gemälden gleichenden Landschafts-Animationen durchzogen, wohnen wir dem Weg der zwei liebenswerten Hauptfiguren bei und durchleben große Gefühle. Aufkeimende Zuneigung fühlt sich hier ebenso echt an, wie das schwere Drama und die herzerweichende Verzweiflung bei der Suche nach dem “Seelenverwandten”. Wären die Gefühle bloße Behauptung, ginge YOUR NAME. wohl als triefendes Bonbon der Extraklasse durch, doch innerhalb seines emotional aufgeladenen Settings, gelingt es Shinkai mich hier jede einzelne Emotion glauben (und mitfühlen) zu lassen.
Sicher spielt dabei die technische Perfektion des Animes eine tragende Rolle. Meine Kontaktflächen zu dieser Art Film (oder Serie) beschränken sich bis dato fast ausschließlich auf 80er/90er Jahre Serien, sowie Hayao Miyazaki (bzw. Ghibli allgemein) und der Zuwachs auf dem technischen Level hat mich schlichtweg umgehauen. Eine perfekte Symbiose aus von Hand gezeichneten Bildern und synthetischem Lighting, durch und durch Bilder zum Einrahmen und an die Wand hängen und, für die emotionale Tragweite des Films elementar, ein sicheres Händchen in der Umsetzung der Figuren und ihrer Gefühlsregungen.
 Ja, YOUR NAME. hat mir verdammt gut gefallen und den ganz tief in mir verborgenen Romantiker ein Stück weit angesprochen. Ein bewegender Film, dem es spielend gelingt uns zu vermitteln, dass die Liebe etwas wertvolles und wunderschönes ist, ganz ohne sich dabei in den ihm innewohnenden “übernatürlichen” Konzepten, oder gar stumpfen Rollenklischees zu verrennen. Schön! 
 Wertung 8 von 10 abgebrochenen Kometen-Splittern 
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<title>In eigener Sache: In 2018 wird es…</title>
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<pubDate>Mon, 08 Jan 2018 07:06:25 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[…hier leider erst mal eine Pause auf unbestimmte Zeit geben. Dass die Frequenz dieses Blogs im letzten Jahr sowieso schon deutlich gesunken ist, hat sicher bereits jeder gemerkt, der hier früher mal regelmäßig rein schaute. Wieder seit 2 Wochen kein Beitrag, keine Reaktion auf Nominierungen, keine, bzw. nur sehr sporadische Teilnahme an regelmäßigen Events wie … <a href="https://jackers2cents.de/in-eigener-sache-in-2018-wird-es-5/" class="more-link">In eigener Sache: In 2018 wird es… weiterlesen →</a>]]></description>
<content:encoded><![CDATA[ …hier leider erst mal eine Pause auf unbestimmte Zeit geben. 
 Dass die Frequenz dieses Blogs im letzten Jahr sowieso schon deutlich gesunken ist, hat sicher bereits jeder gemerkt, der hier früher mal regelmäßig rein schaute. Wieder seit 2 Wochen kein Beitrag, keine Reaktion auf Nominierungen, keine, bzw. nur sehr sporadische Teilnahme an regelmäßigen Events wie dem Media Monday – die Zeichen waren zu erkennen. 
Nun das Problem. Dieser niedrige Output ist etwas, das mich lange Zeit konstant wurmte und irgendwann, so haben es mir einige Ereignisse der letzten Tage gezeigt, dann ganz unterbewusst zu Stress wurde – “da würde ich gern, nein, da muss ich doch eigentlich drüber schreiben” ist ein Gedanke, der zum stetigen Begleiter wurde, keinen Film konnte ich mehr wirklich “frei” sehen (bzw. Comic “frei” lesen, im Entwurfs-Ordner türmen sich (viele!) angefangene Reviews, die wohl nie fertig gestellt werden, weil Zeit und Verpflichtungen sie überholt haben. Fände sich hier alles, worüber ich gerne schreiben täte, dann würden täglich mindestens 2-3 Beiträge zu Filmen, Musik, Comics oder Nerd-Scheiß in euren Feed purzeln.
Das würde ich gerne so umsetzen, aber ich schaffe es nicht. Im Gegenteil. Ich renne seit einer ganzen Weile nur noch hinterher und der eigentliche Antrieb für all das hier – Spaß an der Auseinandersetzung mit Film/Musik/Medien, Freude am Diskurs und an diesem bescheidenen Weg des gestaltens – ist, so habe ich nun bemerkt, vollständig einer Knechtschaft unter kruden selbst auferlegten Verpflichtungen gewichen. Das ist nicht schön, das macht keinen Spaß und nun ist es so weit gekommen, dass es mich (in Verbindung mt einigen anderen Dingen in meinem Leben) sogar etwas aus der Bahn geworfen hat. Ich will dieses “ich müsste”-Gefühl nicht mehr.
 Also: Konsequenzen ziehen. Ich will weniger Verpflichtung, dafür wieder mehr Leidenschaft, habe die Prioritäten überdacht und setze den digitalen Entgiftungs-Rotstift an. Zumindest hier, denn meine kleine Evaluation eben dieser Prioritäten hat ergeben, dass mir über die Jahre der <a href="http://enoughtalk.de">Podcast</a> deutlich wichtiger als das schreiben geworden ist. 
 Also. So long fellas und danke an die (stillen aber vorhandenen) Leser, Liker und Kommentatoren! Irgendwann lesen wir uns sicher wieder 
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<title>Film geschaut: Atomic Blonde (2017)</title>
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<pubDate>Tue, 19 Dec 2017 17:48:08 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Atomic Blonde (IMDb) – Action/Thriller, USA/Deutschland, 2017 – Regie: David Leitch, Skript: Kurt Johnstad, Kamera: Jonathan Sela, Musik: Tyler Bates, Copyright (Titelbild, Bildausschnitte, Trailer): Universal Pictures Germany Review Doppelagenten hinter dem eisernen Vorhang, geschmuggelter Jack Daniels, Amis, MI:6 und Kommunisten – in David Leitch’s zweiter, auf der Graphic Novel THE COLDEST CITY von Anthony Johnston … <a href="https://jackers2cents.de/film-geschaut-atomic-blonde-2017/" class="more-link">Film geschaut: Atomic Blonde (2017) weiterlesen →</a>]]></description>
<content:encoded><![CDATA[<iframe class="youtube-player" width="720" height="405" src="https://www.youtube.com/embed/yIUube1pSC0?version=3&rel=1&showsearch=0&showinfo=1&iv_load_policy=1&fs=1&hl=de-DE&autohide=2&wmode=transparent" allowfullscreen="true" style="border:0;" sandbox="allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-presentation allow-popups-to-escape-sandbox"></iframe> 
Atomic Blonde (<a href="http://www.imdb.com/title/tt2406566/">IMDb</a>) – Action/Thriller, USA/Deutschland, 2017 – Regie: David Leitch, Skript: Kurt Johnstad, Kamera: Jonathan Sela, Musik: Tyler Bates, Copyright (Titelbild, Bildausschnitte, Trailer): <a href="http://www.uphe.de" target="_blank" rel="noopener">Universal Pictures Germany</a>
<hr />
 Review 
Doppelagenten hinter dem eisernen Vorhang, geschmuggelter Jack Daniels, Amis, MI:6 und Kommunisten – in David Leitch’s zweiter, auf der Graphic Novel THE COLDEST CITY von <a href="http://jackers2cents.de/comic-anthony-johnston-wasteland-vol-i-cities-in-dust-2007/" target="_blank" rel="noopener">Anthony Johnston</a> basierenden Regiearbeit ist Berlin nicht bloß Teil oder Schauplatz des Kalten Krieges, die Stadt IST der Kalte Krieg. Dreh- und Angelpunkt, Schlachtfeld, taktisches Mittel im Wettlauf um Information und Vormacht in dem nie enden wollenden Kräftemessen der Seiten. Es brennt, doch von der Wärme echter Flammen ist nichts zu spüren – im Gegenteil, der Name der Vorlage ist Programm: Berlin erstrahlt verfremdet im kühlen Schein des Neonlichts, ein anonymer Ort ohne Menschlichkeit.

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Glücklicherweise macht Leitch keinen Hehl daraus, auf welchem Medium Charlize Theron’s Jagd nach einem MacGuffin, der ominösen „Liste“, welche bereits einen Agenten das Leben kostete, basiert – ATOMIC BLONDE ist im besten Sinne comichaft, spielt in einer ähnlich verzerrten Variante der Realität, wie sie uns bereits zuvor in <a href="http://jackers2cents.de/film-john-wick-2014/" target="_blank" rel="noopener">JOHN WICK </a>vorgesetzt wurde. Hier gelten andere Regeln, niemandem kannst du trauen, es existieren (auf beiden Seiten der Mauer) verborgene Welten unter der Oberfläche der Normalität (falls man, vor allem in Ostberlin, überhaupt von Normalität sprechen kann), in denen ganz eigenen Kriege ausgefochten werden – jeder hat ein zweites Gesicht, statt Auftragskillern sind es nun Agenten, die sich beschatten, manipulieren und schlimmstenfalls liquidieren.
An der Sache ändert dieses kleine Detail jedoch nichts, Leitch weiß was er will und auch ATOMIC BLONDE ist ein hyperstilisiertes Vehikel für fantastische Einstellungen und grandios choreografierte Action. Und verdammt, macht das Spaß! Selten durfte ich einen Film sehen, der trotz verschwurbelter, twistreicher Erzählweise so wenig Ballast in die klassische Narration legt, sie stattdessen völlig einem Klang-, Bild- und Bewegungsrausch unterordnet, der recht schnell gefangen nimmt und in flimmernder Taklung durch die nächsten 100 Minuten schleift. Pulsierendes Flackern zu Synthpop, ein unfassbare <a href="https://twitter.com/CharlizeAfrica/status/884823287779524609">Bad-Ass Theron</a> wie sie sich in Zeitlupe aus dem Eisbad erhebt und Actionszenen hinter der Leinwand der DDR-Premiere von Tarkovsky’s STALKER – Leith zelebriert den puren Stil bis zum Exzess und das Resultat schafft einige Einstellungen, die auch Tage später noch regelrecht in die Netzhaut eingebrannt bleiben. Ein Fest für Ästheten.

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Wer sich Filmen überwiegend über die Story und Figurentiefe nähert, oder gar einen ernsthaften Einblick in Arbeit von Agenten und Geheimdiensten erwartet, dürfte mit ATOMIC BLONDE allerdings sehr schlecht beraten sein. Gemessen am „Realismus“ des gezeigten – sowieso ein schauriges Wort in Verbindung mit dem Geschehen in derart abstrakt fiktionalisierten Werken – kurbelt Leitch hier die Antithese zu sorgsam konstruierten Milieustudien vom Schlage eines <a href="http://jackers2cents.de/film-a-most-wanted-man-2014/" target="_blank" rel="noopener">A MOST WANTED MA</a>N herunter. Nicht die Arbeitsweise der Geheimdienste, sondern das Potential für (körperliche) Konflikte zwischen ihren perfekt ausgebildeten Kampfmaschinen soll ausgeschlachtet werden. Völlig frei von Scham wendet sich Leitch den niederen Instinkten zu und liefert, was man von ihm erwartet: Kinetik.
Und die ist, nach JOHN WICK sollte es niemanden mehr überraschen, nicht nur in fließenden Einstellungen, sondern auch einem gesunden Maß an atemlos inszenierter, greifbarer Action untergebracht. Leitch’s Vergangenheit als Stunt-Choreograf ist auch in ATOMIC BLONDE wieder Trumpf. Zwar sind die Kampfszenen weniger galant an flüssige Martial-Arts-Bewegungsabläufe angelehnt – hier wird rauer, grober, auf eine andere, ebenso harte Weise kompromisslos geprügelt, gestochen und geschossen, nicht „Gun-Fu“ sondern maximal effiziente Zerstörung des Gegenübers mit allem was gerade zur Verfügung steht, ist der Weg der Wahl – doch verfehlen die Hand-to-Hand-Auseinandersetzungen in teilweise minutenlangen Longtakes nicht ihre Wirkung. Der grandiose Treppenhaus-Kampf macht der vergleichbaren Szene in der <a href="http://jackers2cents.de/serie-marvels-daredevil-season-2-2016/" target="_blank" rel="noopener">zweiten Staffel DAREDEVIL</a> durchaus Konkurrenz und dürfte eine der besten nicht-asiatischen Actionszenen der jüngeren Kino-Vergangenheit sein.

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Schweigende, cool rauchende Menschen, buntes Licht, hartes Geprügel… reicht das denn? Und wie, ATOMIC BLONDE funktioniert trotz der dünnen Handlung (neben dem genannten Stil) vor allem aus zweierlei Gründen über die gesamte Laufzeit exzellent: zum einen den begnadeten Schauspielern, allen voran Charlize Theron und James McAvoy, die ihre misstrauischen Figuren genau in der Mitte zwischen mysteriöser Undurchschaubarkeit und glaubhaftem Charakter auf den Punkt darstellen, zum anderen einem Soundtrack, der jedweden „Sucker for Synthesizers“zum Niederknien bringen sollte. Von britischer Wave- und Postpunk-Musik, über NDW (perfekt: MAJOR TOM als Triebmittel einer Actionszene im Inneren eines fahrenden Autos), bis zu schrappeligem Punk der 80er, Public Enemy und David Bowie ist alles dabei und fügt sich, anstatt frontal die Nostalgie-Keule zu schwingen, nahtlos in das gezeigte Setting ein.
Das Berlin von ’89 trifft Leitch nämlich erstaunlich sicher und ohne uns immer wieder „80er-Jahre!“ ins Gesicht zu brüllen, oder in die üblichen visuellen Wahrzeichen-Rundreise-Muster zu verfallen, die uns US-Filme in europäischen Metropolen sonst oft vorsetzen. Mauer, Militär und co. sind präsent, weil das Setting ohne sie nicht auskommt, die Atom-Blondine sagt jedoch als McAvoy’s Percival sie mit leichten Turbulenzen vom Flughafen abholt klar und deutlich sie sei „not here for a tourist’s trip“. Gut so, denn ohne gezwungenermaßen populäre Orte abklappern zu müssen, wirken die Wege der Agenten noch viel zwielichtiger, mehr im Schatten angesiedelt.

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 Alles in allem ein verdammt vergnüglicher Film mit viel Tempo und Puls, der ein wenig wie der kitschige Synthpop funktioniert, der ihm immerfort Rhythmus und Struktur gibt: simpel ohne sich dafür zu schämen, ein wenig naiv, aber doch von einer ganz eigenen Stimmung getragen. Gefällt, und das nicht nur wegen des Neonlichts… 
<hr />
 Wertung 
8 von 10 abhärtenden Eisbädern am Morgen 
<hr />
 Release 
ATOMIC BLONDE erscheint am 22. Dezember in Deutschland in 4K Ultra HD, auf BluRay, DVD und VoD. Zur Erstellung de Rezension wurde mir von Universal Pictures freundlicherweise ein Rezensionsexemplar zur Verfügung gestellt. 
<hr />
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<title>Ein paar Worte zu: Lommbock (2017)</title>
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<pubDate>Mon, 11 Dec 2017 12:11:18 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Lommbock (IMDb) – Stoner-Komödie, Deutschland, 2017 – Regie/Skript: Christian Zübert, Copyright (Titelbild, Bildausschnitte, Trailer): Universum Film Review Nach T2 – TRAINSPOTTING folgt im gleichen Jahr die nächste Fortsetzung, welche fast 20 Jahre nach Erscheinen des Vorgängers eigentlich niemand wollte oder brauchte, die sich aber trotz dieses Umstands erstaunlich gut schlägt. Und zwar, weil auch LOMMBOCK sich nicht … <a href="https://jackers2cents.de/ein-paar-worte-zu-lommbock-2017/" class="more-link">Ein paar Worte zu: Lommbock (2017) weiterlesen →</a>]]></description>
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Lommbock (<a href="http://www.imdb.com/title/tt5075584/">IMDb</a>) – Stoner-Komödie, Deutschland, 2017 – Regie/Skript: <a href="http://www.imdb.com/name/nm0959255?ref_=tt_ov_dr">Christian Zübert</a>, Copyright (Titelbild, Bildausschnitte, Trailer): <a href="http://www.universumfilm.de" target="_blank" rel="noopener">Universum Film</a>
<hr />
 Review 
Nach <a href="http://jackers2cents.de/film-geschaut-t2-trainspotting-2017/" target="_blank" rel="noopener">T2 – TRAINSPOTTING</a> folgt im gleichen Jahr die nächste Fortsetzung, welche fast 20 Jahre nach Erscheinen des Vorgängers eigentlich niemand wollte oder brauchte, die sich aber trotz dieses Umstands erstaunlich gut schlägt. 
Und zwar, weil auch LOMMBOCK sich nicht nur blind in Nostalgie suhlt und das gleiche wie damals in der Variante lauter und doller macht, sondern in mal feinen, mal groben Spitzen und Motiven eine (fehlende) Entwicklung thematisiert, indem uns ein bittersüßes Bild des Stillstands vorgesetzt wird. War in der Erinnerung alles super damals, doch sind die Couch, die “Theorien” (aus denen immerhin schwammige “Recherchen” geworden sind) und die Spliffs tatsächlich eine tragende Option für die Ewigkeit?
Nichts gegen die kleine Jolle als solche, “einer geht immer” heißt es schließlich, als Kai (unglaublich, wie Bleibtreu die Figur nach all der Zeit noch mal wirklich EXAKT trifft) und Stefan sich nach Jahren der getrennten Wege mal wieder in den alten Räucher-Gemäuern einfinden, doch wird schnell klar dass beide Lebensmodelle – der pseudo-Geschäftsmann im feinen Zwirn, seit Jahren auf der vergeblichen Jagd danach, einem Bild zu entsprechen, welches andere sehen wollen, das aber gar nicht er selbst ist, sowie der 90er Schlabberhemd-Lookalike-Contest_Gewinner Kai, für den alles lässig, YO, SWAG und YOLO ist, aber eben nur, um sich selbst vorzumachen nicht den Anschluss (an alles) verloren zu haben – nur auf den ersten Blick Glück zu suggerieren scheinen.
 Und so ist LOMMBOCK zwar albern, überdreht, verraucht und schräg, aber eben AUCH von einer angenehmen menschlichen Wärme getragen, was das Sequel zu einer tollen Abhandlung über zwei Freunde macht, die sich selbst über die Jahre verloren haben und gemeinsam – ein sehr kleines Stückchen wohlgemerkt – wieder etwas auf die Spur finden. Schön! 
<hr />
 Wertung 
7 von 10 verlässlich recherchierten Theorien 
<hr />
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<title>Podcast(s): Durch den Podcatcher gejagt #25 (2017)</title>
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<pubDate>Tue, 05 Dec 2017 05:00:35 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Auch wenn es wieder ein Weilchen zu lang gedauert hat – keine Sendung in der folgenden Auflistung ist brandheißer Shizzle – sehe ich eine Entwicklung, denn wie ihr merkt hat der neue Post kein erneutes Jahr gedauert. Boom! Viel Spaß mit den folgenden Sendungen! Filme Neu ausgecheckt: Die Auswahl von SoFiFe Berlin hatte schon länger … <a href="https://jackers2cents.de/podcasts-durch-den-podcatcher-gejagt-25-2017/" class="more-link">Podcast(s): Durch den Podcatcher gejagt #25 (2017) weiterlesen →</a>]]></description>
<content:encoded><![CDATA[ Auch wenn es wieder ein Weilchen zu lang gedauert hat – keine Sendung in der folgenden Auflistung ist brandheißer Shizzle – sehe ich eine Entwicklung, denn wie ihr merkt hat der neue Post kein erneutes Jahr gedauert. Boom! Viel Spaß mit den folgenden Sendungen! 
<hr />
 Filme 
<ul>
<li>Neu ausgecheckt: Die Auswahl von SoFiFe Berlin hatte schon länger meine Aufmerksamkeit und als Daniel vom Spätfilm sie dann vor kurzem mit dem Worten: “Die SoFiFe-Episode zu PIRATENSENDER POWERPLAY ist Podcast-Gold” auf Twitter hypete, war es so weit. Besagte <a href="http://wp.me/p7hJwH-bW">Folge #20</a> wanderte im den Podcatcher und ich gehe, nach einigem laut lachenden Wandern durch (mich perplex ansehende) Menschenmassen, absolut mit. Vielleicht sogar Podcast-Platin. Freunde, ihr seid echt ganz großartig!</li>
<li>Bei Longtake haben sich Lucas B. und Gast Kamil von den Archivtönen in <a href="https://soundcloud.com/longtakepodcast/85-die-filme-von-wong-kar-wai">Episode #85</a> meiner Hassliebe Wong Kar-wai zugewandt. Seinem Gesamtwerk, um genau zu sein. Auf jeden Fall spannend zu hören, was echte Liebhaber in den Filmen finden, die mich so unendlich genervt haben.</li>
<li>Die Realfilm-Adaption von GHOST IN THE SHELL hat mir irgendwie gefallen, obwohl ich nach einigem Nachdenken darüber an dem Punkt ankam, dass er inhaltlich extrem dünn und streng genommen ziemlich schlecht ist. Wahrscheinlich hat es mich geblendet, dass in einem Hollywood-Film überhaupt mal minimale Anregungen über themen Nachzudenken stecken. Was an dem Film alles schief läuft, wurde wunderbar im /Filmcast <a href="http://feedproxy.google.com/~r/filmcast/~3/IzJBN9Mjro0/">Episode #412</a> ausgeführt. Ist schon ziemlich flach das Ding. Fast wütend gab sich Dennis in der Augabe #64 des Lichtspielcast, ziemlich unschlüssig gaben sich die Kollegen von Schöner Denken im <a href="http://schoener-denken.de/blog/ghost-in-the-shell/">Gespräch nach ihrem Kinobesuch</a>.</li>
<li>Es ist #horrorctober und das bedeutet Horror, wohin das Auge schaut. Im Spätfilm eröffnete Daniel die Aktion mit <a href="Spätfilm: SF131 – Carnival of Souls (Horrorctober) http://www.spaetfilm.de/episode/podcast/sf131-carnival-of-souls-horrorctober/">Episode #131</a>, einer Solo-Nummer zum Kult-Klassiker CARNIVAL OF SOULS. Schöne Sendung (ich bin einer der fünf, die ihn auch gern alleine hören) und ein gelungener Auftakt, dem noch weitere neun starke Sendungen folgen sollten.</li>
<li>Ebenfalls voll im #Horrorctober-Fieber waren die Archivtöne (in einigen Solo-Nummern, startend mit <a href="Archivtöne: KKS001: Cube http://xn--archivtne-67a.de/Archive/485">KKS Nummer #1</a> zu CUBE, sinnierte Kamil über das Genre), die Bildnachwirkung in dreizehn Gast-unterstützten Episoden zu tollen Filmen (u.a. <a href="Bildnachwirkung: #Horrorctober #3 - A Tale of Two Sisters feat. Maxim Braun (Filmtastisch Podcast) http://bildnachwirkung.libsyn.com/horrorctober-3-a-tale-of-two-sisters-feat-maxim-braun-filmtastisch-podcast">Horrorctober #3</a> mit A TALE OF TWO SISTERS oder <a href="Bildnachwirkung: #Horrorctober #9 - The Thing feat. Arné Gaida (Enough Talk! Podcast) http://bildnachwirkung.libsyn.com/horrorctober-9-the-thing-feat-arn-gaida-enough-talk-podcast">Horrorctober #9</a> zu THE THING, in dem ich selbst Mitredner war) und nicht zuletzt ich selbst bei Enough Talk! Falls ihr euch gewundert habt, dass hier im Blog nix passierte: ich habe drüben mit Gästen, in Stammbesetzung und sporadisch auch alleine 13 Podcasts in einem Monat raus geballert. Los ging es mit <a href="Enough Talk! Podcast: Enough Talk! #028.1 – Es schlabbert und glibbert im (#horr)O(r)ctober! (Feat. Patrick) http://enoughtalk.de/enough-talk-028-1-es-schlabbert-und-glibbert-im-horrorctober-feat-patrick/">Episode #28.1</a> zum Effekt-Fest THE VOID.</li>
<li>Ich könnte jetzt noch mindestens 30 Episoden mehr zum #Horrorctober bewerben, aber abonniert einfach, sofern noch nicht geschehen, die Feeds und genießt die Sendungen – quantitativ sollte das an Horror-Talks für die dunkle Jahreszeit reichen </li>
<li>Neues Format: Mit Kulturindustrie haben Alex Matzkeit und co. den ersten <a href="http://realvirtuality.info/2017/09/der-lange-weg-zur-kulturindustrie/">“professionellen deutschen Film- und Popkultur-Podcast”</a> ins Leben gerufen Klar strukturiert werden zu viert pro Episode zahlreiche Themen besprochen, in <a href="Kulturindustrie Podcast: 000 - The Circle, Snotgirl, Bojack Horseman https://soundcloud.com/kulturindustrie-podcast/000-the-circle-snotgirl-bojack-horseman">Episode #1</a> u.a. der Film THE CIRCLE und das Comic SNOTGIRL.</li>
<li>Die Second Unit ist auf den Spuren ihrer eigenen Vergangenheit. In <a href="http://feedproxy.google.com/~r/SecondUnit/~3/Q42e1vrYACg/">Ausgabe #243</a> ist ex-Host Tamino Muth zu Gast und die beiden quatschen über den großartigen DRIVE, dessen (spärlich gesäte) Car-Chases schon des öfteren mal genannt wurden. Starke Sendung.</li>
<li>Bei der Cinecouch stand wieder eine runde Sendung an – <a href="https://cinecouch.net/2017/09/cinecouch-folge-210-stadt-im-film/">Folge 210</a> dreht sich um das sehr breite Thema Stadt im Film. Wo genau die Stadt eine tragende Rolle spielt und dass man darüber auch sehr uneinig sein kann, zeigt diese (jetzt folgt meckern auf hohem Niveau) für Cinecouch-Verhältnisse teilweise etwas zerfaserte Sendung.</li>
</ul>
 Politik & Gesellschaft 
<ul>
<li>Nach dem, für samtliche alt-eingesessenen Parteien desaströsen Ergebnis bei der Bundestagswahl incl. merklichem Rechtsruck war es natürlich höchst spannend, der Allgemeinheit zuzuschauen. Was war los, wer ist Schuld und vor allem die große Frage: Wie konnte das passieren? Meiner Meinung nach reicht es natürlich 1 und 1 zusammen zu zählen, aber Merkel und co. beweisen ja gerade, dass ihr stoischer Kurs anscheindend in den eigenen Augen “alternativlos” ist. Naja, wenn sie 25% AFD beim nächsten mal kalt lassen… Besonders schön fand ich den Blick von außen auf die Geschehnisse – im US Podcast <a href="http://the-e-r-podcast.foreignpolicy.com/">FP’s the editors Roundtable</a> diskutierte man die Frage <a href="FP's The Editor's Roundtable (The E.R.): Who Is the Real Winner in Germany? http://tracking.feedpress.it/link/13662/6911734/PPY6825035656.mp3">“Who is the real winner in germany?”</a>.</li>
<li>Bei Eine Stunde Was mit Medien auf Deutschlandfunk Nova fragte man passend zum Thema: <a href="http://podcast-mp3.dradio.de/podcast/2017/09/28/deutschlandfunknova_haben_die_medien_die_afd_20170928_09e41ea0.mp3">Haben die Medien die AfD stark gemacht?</a> U.a. wird Anne Will interviewt – spannend, wenn sich Medien selbst hinterfragen.</li>
</ul>
 Special Interest 
<ul>
<li>Nachgehört: in der <a href="https://kulturkapital.org/kk003-aktiv-fernsehen/">dritten Episode</a> von Kulturkapital ging es um das Thema Aktiv Fernsehen. Auch wenn ich Fernsehen im Sinne von TV kaum bis gar nicht praktiziere, hat mich das Thema (nicht berieseln lassen, sondern partizipieren) sehr interessiert.</li>
</ul>
<hr />
 Ich glaube das reicht erstmal – also, das war’s, bleibt hörwillig, abonniert und bespendet fleißig die Podcastosphäre 
]]></content:encoded>
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<title>Film geschaut: The Greasy Strangler (2017)</title>
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<pubDate>Thu, 30 Nov 2017 16:47:17 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[The Greasy Strangler (IMDb) – Groteske/Slasher/Trash, USA, 2016 – Regie: Jim Hosking, Skript: Jim Hosking, Toby Harvard, Kamera: Mårten Tedin, Musik: Andrew Hung, Copyright (Titelbild, Bildausschnitte, Trailer): Tiberius Film Review Manche Filme sind mit einer kurz und knappen Aussage am besten (und vielleicht sogar hinreichend) reviewt. Im Falle von THE GREASY STRANGLER hätte sie unmittelbar nach … <a href="https://jackers2cents.de/film-geschaut-the-greasy-strangler-2017/" class="more-link">Film geschaut: The Greasy Strangler (2017) weiterlesen →</a>]]></description>
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The Greasy Strangler (<a href="http://www.imdb.com/title/tt4381236/">IMDb</a>) – Groteske/Slasher/Trash, USA, 2016 – Regie: Jim Hosking, Skript: Jim Hosking, Toby Harvard, Kamera: Mårten Tedin, Musik: Andrew Hung, Copyright (Titelbild, Bildausschnitte, Trailer): <a href="http://www.tiberiusfilm.de" target="_blank" rel="noopener">Tiberius Film</a>
<hr />
 Review 
Manche Filme sind mit einer kurz und knappen Aussage am besten (und vielleicht sogar hinreichend) reviewt. Im Falle von THE GREASY STRANGLER hätte sie unmittelbar nach “Genuss” des Films wie folgt lauten können: “Was zur Hölle habe ich hier gerade für einen versifften, infantilen und dabei hochgradig vergnüglichen Hirnschiss gesehen!?“ Doch als Senfmeister vom Dienst, sehe ich es als meine Blogger-Pflicht, mehr als diesen knappen Satz zu einem schrägen Werk wie diesem abzugeben – vor allem, weil ein wenig mehr drinsteckt, als der erste, trashige Eindruck glauben lässt.
Mit Anlauf scheiße sein zu wollen, “Trash” zu produzieren, wie es sich im aktuellen Filmdiskurs schimpft, kann und wird in den meisten Fällen enorm in die Hose gehen – Asylum und Co. beweisen es uns in hoher Taklung immer wieder mit ihren Totalausfällen von SHARKNADO bis hin zum neusten Mockbuster. Diese Filme scheitern (auch in ihrer Intention das Label “Trash” zu bedienen), weil die Schmieden, welche sie am Fließband produzieren nicht verstanden haben, dass es weit mehr als bloß technische bzw. handwerkliche Inkompetenz und/oder eine übertriebene Prämisse ist, die der stetig wachsenden Gemeinde an Trash-Fans höchste Verzückung beschert. Ausschlaggebend sind noch weitere Faktoren – völlig absurde Einfälle, die uns todernst verkauft werden, Hybris/Selbstüberschätzung/Größenwahn von Filmemachern die nicht eine einzige funktionierende Szene runtergekurbelt kriegen, ungewollte Komik an den unerwartetsten Stellen, weil den Beteiligten nie bewusst ist, was für einen Mist sie gerade verzapfen.

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 Kann man dieses, von zig Faktoren gelenkte Gesamtpaket künstlich simulieren? Ich denke nicht. 
Und eben deshalb ist es angenehm, dass Filme wie THE GREASY STRANGLER, denen der ein oder andere Filmfreund sicher auch bedenkenlos besagtes Label aufdrücken würden, es gar nicht erst versuchen. Ja, der Film bedient mit seinen Gummi-Fettanzügen und vergnüglichen handgemachten Effekten einen vorhandenen Hunger nach unperfekten Low Budget-Inszenierungen, schießt in vielen Momenten weit über die Grenzen des guten Geschmacks hinaus, kann sich nicht von pubertären Pimmel- und Beleidigungs-Jokes, sowie ausgeprägtem Körper-Ekel freimachen und verirrt sich inhaltlich völlig absichtlich in Gebiete, die von schwer gestörtem, regelrecht debilem Charakter gezeichnet sind – so weird, dass sie nur ein “Bullshit Artist!” verfasst haben kann. Aber trotz all dieser seltsamen, durchweg auf 11 gedrehten Aspekte, will der Film eben nicht aktiv schlecht sein.
Seltsam hingegen schon, denn Hauptfiguren, die in ihren bizarr aufspielenden Präsenzen wie Serienkiller-Creeps aus dem 60ern aussehen und in einer geisterhaft-menschenleeren Welt pink gekleidet abzockerische Touristenführungen an Orte veranstalten, wo einst (angeblich) Disco-Persönlichkeiten lebten sind schon ziemlich Banane. Ein gefährlicher Würger, der zum psychopathischen Monster wird, die raus-ploppenden und verspeisten Augen seiner Opfer, ganze Teller voller Bratfett zum Frühstück, sowie andere Typen, die mit stillschweigender Selbstverständlichkeit eine Schweinenase im Gesicht haben, setzen diesem Ansatz die Krone auf. Das alles sind nicht die Zutaten eines „normalen Films“, wohl eher einer verzerrten Farce und als diese gelesen funktioniert der Film wahrscheinlich am besten – gelingt es, ihn als augenzwinkernden Quatsch zu betrachten, wohnt dem ganzen eine Menge (!) Spaß-Potential inne.

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Der Film, bzw. sein Macher Jim Hosking trägt dick auf, wo es nur geht und zeichnet eine eigene, verschrobene Welt, die auf filmische und gesellschaftliche Konventionen wenig gibt, sondern uns (z.B. durch reichlich nackte Haut fernab jeglicher Schönheitsideale, oft involviert in wilden Koitus) stetig vor die Nase führt, wie wir durch besagte Konventionen auf Glätte und langweilige Gleichförmigkeit hin gehirngewaschen wurden. Hauptsache immer mehr vom selben, Hauptsache schöne Menschen, Hauptsache perfekte Effekte – und die Hollywood-Welt ist in Ordnung. Doch nicht hier, THE GREASY STRANGLER ist ein Dorn im perfekt gephotoshopten Mainstream-Fleisch. Er sitzt nicht tief, dafür ist der Film auf seinem eigenen Sektor dann doch zu kalkuliert, aber genug um stetig zu nerven und immer wieder zu zeigen, dass er da ist.
Und auch wenn das Ganze auf Anhieb sinn- wie menschenleer wirken mag, ist es das nicht wirklich. Auf den zweiten Blick sind die 90 Minuten, die wir in der oft auch Kafka-, bzw. eher Helge Schneider’esk angehauchten Filmwelt verbringen, weder platt – im Kern wird auf verzerrt-krude krude Weise tatsächlich eine funktionierende Vater-/Sohn-Geschichte über Entfremdung, Enttäuschung und Vergebung erzählt – noch schlecht, denn abseits der bewusst gestalteten Quatsch-Kostüme können sowohl der Electro-/Synth-Score, wie auch Kamera, Schnitt und kleinere andere Effekt-Spielereien sich sehen lassen.
 Um es abzurunden: Sicher (leider) kein Film für jedermann, aber ich hatte mit dieser herrlich verstörten Portion Ekel-Gedöns eine Menge Spaß und freue mich, dass auch in 2017 scheinbar Filmemacher gibt, die mit Absurdität und B-Ästhetik umgehen können, ohne dabei in die zeitgenössische Trash-Falle zu tappen. Also bitte guckt den auch – das werden nämlich, wie so oft bei interessanten Filmen, wieder viel zu wenige tun! 
<hr />
 Wertung 
7 von 10 besonderen Mahlzeiten 
<hr />
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<title>(Neuer) Deutsch(sprachig)er Genrefilm #16: Tatort – Fürchte Dich (2017)</title>
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<dc:creator><![CDATA[jacker]]></dc:creator>
<pubDate>Thu, 23 Nov 2017 15:37:41 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Tatort: Fürchte dich (IMDb) – Horror/Krimi, Deutschland, 2017 – Regie: Andy Fetscher, Skript: Andy Fetscher, Christian Mackrodt, Kamera: Benjamin Dernbecher, Musik: Steven Schwalbe, Copyright (Titelbild, Bildausschnitte, Trailer): Das Erste Review Sich einen von den wenigen Typen, die innerhalb des deutschsprachigen (Film)Raumes innerhalb des letzten Jahrzehnts konsequentes Genre-Kino fabriziert haben, als Regisseur für einen TATORT zu … <a href="https://jackers2cents.de/neuer-deutschsprachiger-genrefilm-16-tatort-fuerchte-dich-2017/" class="more-link">(Neuer) Deutsch(sprachig)er Genrefilm #16: Tatort – Fürchte Dich (2017) weiterlesen →</a>]]></description>
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Tatort: Fürchte dich (<a href="http://www.imdb.com/title/tt6324052/">IMDb</a>) – Horror/Krimi, Deutschland, 2017 – Regie: Andy Fetscher, Skript: Andy Fetscher, Christian Mackrodt, Kamera: Benjamin Dernbecher, Musik: Steven Schwalbe, Copyright (Titelbild, Bildausschnitte, Trailer): Das Erste
<hr />
 Review 
Sich einen von den wenigen Typen, die innerhalb des deutschsprachigen (Film)Raumes innerhalb des letzten Jahrzehnts konsequentes Genre-Kino fabriziert haben, als Regisseur für einen TATORT zu holen, zeigte sich in der Vergangenheit bereits als gute Idee – immerhin lieferte Marvin Kren, seines Zeichens treibende Kraft hinter Perlen wie RAMMBOCK und <a href="http://jackers2cents.de/neuer-deutschsprachiger-genrefilm-7-blutgletscher-2013/" target="_blank" rel="noopener">BLUTGLETSCHER</a> mit TATORT: KALTSTART einen der besten mir bekannten “Sonntags-Krimis” ab.
 Nun durfte Andy Fetscher (Regisseur von u. A. BUKAREST FLEISCH und URBAN EXPLORER) ran, um das Halloween-Special FÜRCHTE DICH herunter zu kurbeln und was soll ich sagen – ditt Ergebnis war dufte! Frankfurt der Ort, dunkel die Nacht und wahrlich hemmungslos schmeißt der gute Mann mit allem um sich, was die Horror-Landschaft an Tropes, Motiven und Stilmitteln zu bieten hat. 
Ein seltsamer alter Mann stirbt beinahe vor den Toren von Kommissar Brix’s (eindeutig an altmodische Spukhäuser angelehnten) Villa, seine esoterisch angehauchte Frau/Freundin/Partnerin/Mitbewohnerin Fanny beginnt komplett am Rad zu drehen, er hingegen geht einem geheimnisvollen Baby-Skelett nach, welches er nach dem unwirklichen Ereignis auf dem Dachboden findet und schnell werden die Figuren in einen Strudel gezogen, welcher schnurstracks in der überaus dunklen Vergangenheit des Gebäudes, einem ehemaligen Waisenhaus endet. Angesiedelt um misshandelte Kinder, eine in ihrer verzweifelten Suche nach dem eigenen Sohn ertrunkene Hausdame und Verstrickungen bis in die höheren Machtkreise des Stadtteils hinauf, ist das Fundament des Films, die eigentlichen, verdammt unterhaltsamen Qualitäten liegen jedoch an anderer Stelle.
Fetscher zitiert was das Zeug hält, ein Genre-Klassiker, bzw. ein zum Trope gewordenes Motiv nach dem anderen dient als Inspiration – klingt abgedroschen, den Unterschied zum hunderttausendfach existenten, zumeist vollkommen uninspirierten Futter für Horror-Hounds bilden jedoch das Selbstbewusstsein und die pure Freude mit der der Regisseur neben klassischer Haunted-House- und Backwood-Ästhetik auch ein surreales Spiel mit der Wahrnehmung bedient und am Ende sogar die Gewalt-Horror Fascho-Karte zieht. Fetscher wählt all diese Tropen und Klischees nicht, weil er sich nicht anders zu helfen wusste – zumindest fühlt sich FÜRCHTE DICH nicht hilf- und ziellos inszeniert an – sondern lässt eine tiefe Liebe für den Horror aus seinen Bildern sprechen.
Klingt dennoch alles andere als subtil? Richtig, ist es nicht, ganz im Gegenteil. Der Beitrag trägt mit all den Elementen, welche mit hoher Wahrscheinlichkeit Sonntags um 20.15 Uhr die Herzschrittmacher und Treppenlifte des Langweiler-Publikums stehen lassen werden, gleich dreifach dick auf. Herrlich. Türen knallen zu, atonale Streicher setzen ein, Nebel, Visionen, Wahn in der einen Szene, die tragische Besessenheit eines kleinen Jungen durch die vermoderte Zombie-Mutter, welche ihm beklemmende Mordanweisungen ins Ohr flüstert, um verspätete Rache an den einstigen „Peinigern“ zu nehmen in der anderen und die Liste weiterer köstlich überzogener Eskapaden ließe sich beliebig fortsetzen.
Stimmig wird das filmische Resultat jedoch – Fetscher’s Liebe zum Genre hin oder her – erst durch die handwerkliche Kompetenz des Filmemachers. FÜRCHTE DICH zeigt nicht bloß sondern wirkt. Durchweg gelingt es dem Film, eine unwirkliche, entrückte Stimmung zu erzeugen, die mit festem (wenn auch nicht knallhartem) Griff um die eigenen Eingeweide durch die Handlung schleift, ohne dabei zu bierernst daher zu kommen. Gute Genre-Vertreter finden Irrsinn unter dem Tarnmantel der Normalität und so fängt Dernbecher’s Kamera hier bereits auf bizarre Weise en, wie eine alte Dame Kuchen ist, ein Alter Mann einen Anfall erleidet, oder Ego-Lady Fanny ihre seltsamen Séancen abhält.
Rundum stark, aber – wenn überrascht’s – dem konservativen Schnarch-Publikum passten derartige „Experimente“ natürlich mal wieder überhaupt nicht in den Kram – man wolle doch bitte „einfach nur Krimis sehen“ und “das alles habe ja schließlich überhaupt keinen Sinn gemacht”! Was datt denn hier, nein, so geht es ja nun wirklich nicht, um Abwechslung hat nun wirklich NIEMAND gebeten. Und wenn die Masse solch fundierte Kritik an dem vielleicht einzigen formell interessanten TATORT des letzten Zeitraums X formuliert, entscheidet die kunstfeindliche Sender-Leitung natürlich im Zweifel gegen den Angeklagten und versichert hoch und heilig und heuchlerisch, dass derartige Experimente in der Zukunft natürlich begrenzt werden. Wo kämen wir denn da hin, wenn sich zur besten Sendezeit gar Kreativität und Leidenschaft entfalten würden? Spackos!
<hr />
 Wertung 
8 von 10 Rache getriebenen Geistern 
<hr />
 Ich bin viel zu spät dran mit dem Review (das #horrorctober-Podcasting hat mich einfach schachmatt gesetzt) aber wenigstens eine Woche (bis 28.11.) könnt ihr FÜRCHTE DICH noch in der <a href="http://www.daserste.de/unterhaltung/krimi/tatort/sendung/fuerchte-dich-100.html" target="_blank" rel="noopener">ARD MEDIATHEK sehen</a>. Seid schnell, die Chancen für Wiederholungen schätze ich bei der traurig-katastrophalen Resonanz als gering ein. 
<hr />
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<title>Film geschaut: Assassin’s Creed (2016)</title>
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<pubDate>Fri, 17 Nov 2017 08:15:32 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Assassin’s Creed (IMDb) – Videogame-Adaption/Action, USA, 2016 – Regie: Justin Kurzel – Copyright (Titelbild, Bildausschnitte, Trailer): 20th Century Fox Review Es ist schon irgendwie bezeichnend, dass besonders auf den wenigen Blockbustern, deren Form von einem unübersehbaren eigenen Ansatz durchzogen ist (zuletzt vor allem BATMAN V SUPERMAN und eben dieses Exemplar hier), von der Allgemeinheit am meisten herum … <a href="https://jackers2cents.de/film-geschaut-assassins-creed-2016/" class="more-link">Film geschaut: Assassin’s Creed (2016) weiterlesen →</a>]]></description>
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Assassin’s Creed (<a href="http://www.imdb.com/title/tt2094766/fullcredits">IMDb</a>) – Videogame-Adaption/Action, USA, 2016 – Regie: Justin Kurzel – Copyright (Titelbild, Bildausschnitte, Trailer): <a href="http://www.fox.de" target="_blank" rel="noopener">20th Century Fox</a>
<hr />
 Review 
Es ist schon irgendwie bezeichnend, dass besonders auf den wenigen Blockbustern, deren Form von einem unübersehbaren eigenen Ansatz durchzogen ist (zuletzt vor allem <a href="http://jackers2cents.de/film-batman-v-superman-dawn-of-justice-2016/" target="_blank" rel="noopener">BATMAN V SUPERMAN</a> und eben dieses Exemplar hier), von der Allgemeinheit am meisten herum gehackt wird, wogegen gewöhnlich-gefälliger MARVEL-Grützen-Brei ein ums andere Mal wieder in den Himmel gelobt wird. Hauptsache Humor, alles andere ist egal, solange es bitte schön einheitlich und immer dasselbe ist, damit auch jeder damit klarkommt – wo soll das denn hinführen, wenn der 99. von 100 Filmen plötzlich anders aussieht und es auch noch wagt, keine knuffigen Gags zu bringen. Wem ist das zuzumuten? Abwechslung? Also jetzt wird es langsam zu bunt! Und wer hat Schuld? Diese schrecklichen Regisseure, die von morgens bis abends von ihrem Kunst-Gewäsch faseln und denken es sei gut, wenn nicht alles dasselbe ist. Wenn wir eins nicht brauchen, dann diese komische Kunst und diese noch komischere Abwechslung.
Um mich nicht in endlosen Rants über den stumpfen Massengeschmack zu verlieren nun mal konkret zu ASSASSIN’S CREED. Dank stänkernder Überhöhung sind die obigen Aussagen natürlich leicht falsch zu verstehen, ich stelle also klar: große Kunst ist dieser Film natürlich nicht. Auch kein guter Film, dafür steckt Fassbinder’s wirr und holprig erzählte Reise in den Animus viel zu voll mit haarsträubend-hölzernen Dialogen, verliert im Kern selbst die dünne, hochgradig simple Geschichte immer wieder aus den Augen und liefert auf absolut notwendigen Feldern (vor allem Charaktermotivation und -antrieb) so gut wie gar nichts ab. Objektiv ist Justin Kurzel’s Game-Adaption also vergleichbar mauer Müll, wie jeder andere Blockbuster auch.
Aber die Form hat tatsächlich ihren Reiz. Mehr noch, sie entwickelt über eine distinktive Farbgestaltung, vor allem dem Kontrast zwischen erdigen und kalten Farbpaletten, und die starke Präsenz von neblig-mystischen visuellen Elementen einen regelrechten Sog. Zwar eindeutig als opulente Computer- Eskapade angelegt – im 15 Minuten andauernden Abspann werden abertausende an Rendering-Knechten aufgeführt – findet sich in ASSASSIN’S CREED ein deutliches Maß eben jener surreal-verzerrten Fiebrigkeit, die Kurzel’s Vorgänger MAC BETH zu einem eigensinnigen, visuell brillanten Meisterwerk machte. Im Wechsel reichen sich atmosphärische Sequenzen mit trotz aller CGI knackig und greifbare Actionszenen die Klinke und der Film weiß durch seinen pulsierenden Fluss bei Laune zu halten. Sobald jemand den Mund auf macht, verirrt sich das zusammengeflickte Skript von gleich drei Autoren nicht selten in Gebiete der schmerzhaften Fremdscham, doch ich merke immer mehr, wie egal mir Storys und Figuren in Filmen oftmals sind, sofern die Regie eine visuelle und/oder atmosphärische Vision umsetzt.
 Und an diesem formellen Ausdruck scheitert der Versuch des Studios, analog zu den Spielen ein glattgebügeltes, leicht verdauliches Futter für die Massen herauszubringen – werte Anzugträger, für Disney’sche Glattheit hättet ihr euch einen weniger interessantes als Kurzel und Fassbender (deren erneute Kooperation in Verbindung mit 99 Cent auf Amazon den einzigen Grund für mein mildes Interesse darstellten) holen müssen. 
<hr />
 Wertung 
4-5 von 10 sinnlosen Ausflügen in die Vergangenheit 
<hr />
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<title>Film geschaut: Morgan (2016)</title>
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<pubDate>Wed, 08 Nov 2017 20:33:48 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Morgan (IMDb) – Science-Fiction/Thriller, USA, 2016 – Regie: Luke Scott, Skript: Seth W. Owen, Kamera: Mark Patten, Musik: Max Richter, Copyright (Titelbild, Bildausschnitte, Trailer): 20th Century Fox Review Ich habe, da kann ich nichts machen, immer einen kräftigen Grundstock an Sympathie für (an Hollywood gemessen) kleine Genre-Filmchen, die sich auf potentiell ertragreichen Gebieten der Sci-Fi … <a href="https://jackers2cents.de/film-geschaut-morgan-2016/" class="more-link">Film geschaut: Morgan (2016) weiterlesen →</a>]]></description>
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Morgan (IMDb) – Science-Fiction/Thriller, USA, 2016 – Regie: Luke Scott, Skript: Seth W. Owen, Kamera: Mark Patten, Musik: Max Richter, Copyright (Titelbild, Bildausschnitte, Trailer): <a href="http://www.fox.de" target="_blank" rel="noopener">20th Century Fox</a>
 
<hr />
 Review 
Ich habe, da kann ich nichts machen, immer einen kräftigen Grundstock an Sympathie für (an Hollywood gemessen) kleine Genre-Filmchen, die sich auf potentiell ertragreichen Gebieten der Sci-Fi austoben. Erst recht, wenn auch noch starke Darsteller mit einem gewissen Namen mitmachen und somit die oft hinkende Komponente der dürftigen Darstellungen in B- und kleinen Filmen als potentieller Störfaktor wegfällt. 
So geschehen in MORGAN (oder wie man in Deutschland titelte: DAS MORGAN PROJEKT) – bis auf Kate Mara macht sich der Rest der bekannteren Gilde (meint: Paul Giamatti & Jennifer Jason Leigh) zwar eher in Nebenrollen rar, was man von ihnen zu sehen bekommt ist jedoch einsame Spitze. Während Leigh als verwirrtes Opfer der Eröffnungsszene das Bett hüten (und dabei kryptische Monologe halten) muss, rasiert besonders Giamatti in seiner Schlüsselszene – einem Interview mit der titelgebenden Morgan zur Einschätzung ihrer Zurechnungsfähigkeit – mit diabolischer Intensität. Was für ein Darsteller. Und auch sonst liefert die Besetzung ab – so sehr Kate Mara in ihrer kühlen Business Suit auch fehl am Platz wirkt, gleicht dies die fantastische Anya Taylor-Joy als besagter genetisch modifizierter Retorten-Mensch Morgan locker wieder aus. Eine starke Präsenz kracht auf die nächste, schauspielerisch läuft in MORGAN also alles gut.
Inhaltlich um den feuchten Sci-Fi-Traum vom künstlichen, zur Perfektion gebrachten Menschen herum angesiedelt, rangiert der Film leider, ohne je auch nur in Reichweite der Klasse seiner Vorbilder zu kommen, irgendwo zwischen <a href="http://jackers2cents.de/gesneakt-ex-machina-2015/" target="_blank" rel="noopener">EX MACHINA</a> und <a href="http://jackers2cents.de/film-wer-ist-hanna-2011/" target="_blank" rel="noopener">HANNA</a>, versucht sich allerdings nicht mal an der Kopie derer Motive. Im wäldlichen Idyll, abgeschieden von der Zivilisation und all ihren moralischen Hürden, bilden die Erschaffung von Leben im Reagenzglas, Morgan als Beweis des ersten “geglückten Experimentes” und der Sprung ins Ungewisse, welchen der Umgang mit einem solchen Wesen bedeuten würde zwar die Prämisse – alles Themenkomplexe, die küchenphilosophisch angehauchte Genetik-, K.I.- und Robotik-Nerds direkt in utopisches Fabulieren verfallen lassen könnten, vorausgesetzt, man würde die kleineren und größeren Fragen, die all dies mit sich bringt auch thematisieren – werden in diesem Fall aber wenig vertieft.
Gänzlich streicht MORGAN sie zwar nicht aus der Gleichung – wie auch, sind sie gewissermaßen dem gedanklichen Konstrukt des Films inhärent – doch außer besagtem Interview und kurzen Glanz-Momenten in vereinzelten Dialogen, legt der Film wenig wert auf tiefsinnig-existenzialistische Betrachtungen, wie sie Hauptaspekt genannter Vorbilder, vor allem in Alex Garland’s Meisterwerk waren. Regisseur Luke Scott strauchelt über weite Strecken bereits bei der bloßen Thematisierung – sie wird ausgespart und ausufernder Mystery-Stimmung und gegen Ende zunehmend dem schnellen Thrill untergeordnet.
“Was macht Leben aus?” weicht, wenn überhaupt, der Frage wozu Leben fähig ist, wenn man es nicht anerkennt und mit Füßen tritt. Überraschender Spoiler: Es wird hart, denn zum eiskalten slashen ist der geschundene Geist bereit, vor allem wenn er evtl. doch nicht so menschlich tickt, wie seine Erschaffer – auf ihrer Seite hält sich MORGAN nicht mit den üblichen (eigentlich eher fortschritts-feindlichen) Gottes-/Schöpfer-Analogien zurück – es sich einreden, um die eigene “Kreation” zu legitimieren! Zwar schwingen mit steigender Intensität tief menschliche Themen wie Enttäuschung, Vertrauensbruch in Freundschaften und das, von sich selbst als Krone der Schöpfung sehenden Menschen verwehrte Recht auf (selbstbestimmtes) Lebens in der Handlung mit, der Fokus der zweiten Hälfte liegt aber klar auf Twists, Action-Thrill und rasanter Eskalation.
Das langweilt nicht, findet überraschend gut die Wage zwischen den eigenen Versatzstücken und sieht auch noch passabel (wenn auch recht glatt). Schlecht sind auch Erzählfluß, Atmosphäre und Irrsinns-Spitzen nicht – nur insgesamt eben weit weniger, als die philosophisch angehauchte Sci-Fi-Meditation auf die die Prämisse hat hoffen lassen. Enttäuschung ja, Ärger nein – durch den stimmigen Look und die hochkarätige Besetzung wird MORGAN zu überdurchschnittlicher Einmalkost, die vom untypischen Score des großartigen Max Richter abgerundet wird.
<hr />
 Wertung 
5-6 von 10 synchroniserten DNA-Strängen 
<hr />
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<title>Meinung: Media Monday #326</title>
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<pubDate>Mon, 25 Sep 2017 06:08:23 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Wow, zwei Wochen in Folge bei Wulf’s Media Monday mitgemacht – da kann man ja fast von der Rückkehr der Regelmäßigkeit sprechen. Aber warten wir ab, es kommen noch weitere Montage. Zunächst widme ich mich den sieben Lückentexten und versuche sie mit meinem Senf zu würzen. Viel Spaß! 1. Wenn ich eins beim Medienkonsum nicht … <a href="https://jackers2cents.de/meinung-media-monday-326/" class="more-link">Meinung: Media Monday #326 weiterlesen →</a>]]></description>
<content:encoded><![CDATA[ Wow, zwei Wochen in Folge bei <a href="http://medienjournal-blog.de/2017/09/media-monday-326/" target="_blank" rel="noopener">Wulf’s Media Monday</a> mitgemacht – da kann man ja fast von der Rückkehr der Regelmäßigkeit sprechen. Aber warten wir ab, es kommen noch weitere Montage. Zunächst widme ich mich den sieben Lückentexten und versuche sie mit meinem Senf zu würzen. Viel Spaß! 
<hr />
 1. Wenn ich eins beim Medienkonsum nicht gebrauchen kann, dann Stress. Deswegen habe ich auch wieder aufgehört, mir Rezensionsexemplare oder Screener schicken zu lassen – Filme und Serien schauen ist ein Hobby, die Auseinandersetzung mit ihnen eine Leidenschaft und die soll nicht durch Pflichten korrumpiert werden. 
2. Der Wandel in den letzten 15 Minuten hat mir 10 CLOVERFIELD LANE gehörig verhagelt, denn leider wird der Film von einem packenden, psychologischen Kammerspiel abrupt zu einem der schlechtesten Sci-Fi-Actioner die ich kenne. Dabei ist nicht das Problem was passiert, sondern erstens wie es passiert (plump ist kein Ausdruck) und zweitens, dass das Ende trotz diverser Andeutungen im Vorfeld komplett künstlich hinten dran geklatscht wirkt. Mit dem Geist des Films zuvor hat dieser Müll GAR NICHTS zu tun!
3. Momentan schlägt mein Fan-Herz ja sehr für das Genrekino. Da hat meine Filmliebe damals angefangen, ich habe einen riesigen Kreis geschlagen, zig Sachen ausgecheckt, gedacht ich ich hätte einen relativ anspruchsvollen Geschmack (was, wie sich zunehmend zeigt, nicht so wirklich stimmt) und bin dann doch wieder bei den niederen Reizen gelandet. Horror, Cop-Thriller, Martial-Arts-Actioner, Alien-Sci-Fi, etc. sind, wenn ich mir meine Favoriten der letzten Jahre ansehe, einfach die Filme, denen ich am meisten abgewinnen konnte.
 4. Geht euer (multi)mediales Hobby eigentlich mit akuten Platzproblemen einher oder seid ihr längst digital geworden? Es wird eng. Die Kommoden in denen ich die Filme lagere – bei 2000 Vinyls war in Regalen sowieso schon kein Platz mehr für Filme – sind auf Anschlag voll, besondere Editionen habe ich bereits ausgelagert. Da der private Fundus wächst und wächst (und ich gerne eine Weile so weiter machen will), muss ich mir etwas überlegen. 
5. Darren Aronofsky ist ja vielleicht der Grund dafür, dass ich Filme heute so liebe, wie ich es tue. REQUIEM FOR A DREAM hat mir damals den ersten, Film-induzierten ultra-Klos im Hals verpasst und mir mehrere Dinge gezeigt. U.a. wie sehr Style für mich in der Inszenierung eine Rolle spielt (was mich zu Antwort 3 zurückführt) und dass Filme weit mehr in einem auslösen können, als bloß zweistündige “Unterhaltung”. Zwar war <a href="http://jackers2cents.de/noah-2014/" target="_blank" rel="noopener">NOAH</a> ein absoluter Totalausfall, aber mit MOTHER! ist der Mann wieder sowas von on-top-of-his-game, dass ich ihm diesen Ausrutscher (in dem ich nichtmal verstehe, was er mit dem Film sagen wollte), gern verzeihe.
6. In gemütlicher Runde lässt es sich meiner Meinung nach ja am besten quatschen – nicht Film schauen. Ich bin mittlerweile fast so weit, dass ich Filme am liebsten alleine (bzw. in einem Kino “quasi-alleine”) sehe. Die Sachen, die mir viel geben – und das soll nicht arrogant klingen – “versteht” in meinem direkten Umfeld eh keiner, denn die echten Filmfreunde wohnen woanders (siehe den Staff des <a href="http://enoughtalk.de" target="_blank" rel="noopener">Enough Talk!</a>). Von daher gönn’ ich mir weirden Genre-Shizzle oder verdrehte Lynch-Eskapaden lieber für mich und werde nicht dadurch gestresst, dass meine Mitseher sich unruhig auf den Sesseln windeln “weil nichts passiert”.
7. Zuletzt habe ich DER BLAUE ENGEL, den ersten Tonfilm mit Marlene Dietrich gesehen und das war durchwachsen, weil er inhaltlich spannende Dinge thematisiert – z.B. den Generationenkonflikt zwischen der neuer Freizügigkeit und verstaubten Altherren in den 20ern – aber mich das Gefühl beschlich man wusste 1930, unmittelbar nach Einführung des Tonfilms, außer ein paar schönen Gesangsnummern noch nicht so recht, was man mit diesem neuen Format eigentlich anfangen sollte. Die Erzählung wirkt sehr unsicher und unfokussiert, die Darsteller verfallen zwischenzeitlich hilflos in die dick aufgetragenen Gesten der Stummfilm-Ära und entscheidende Ereignisse im Plot (die ein Jahr zuvor wahrscheinlich noch per Texttafel kommuniziert worden wären) gehen fast unter, weil die nötigen Informationen um folgen zu können fehlen. Für die Charakterwandel gilt selbiges. Dennoch ein angenehm langsamer Sonntagsfilm und ein Fenster in eine Umschwungzeit des Kinos.
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<title>Podcast(s): Durch den Podcatcher gejagt #24 (2017)</title>
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<pubDate>Sun, 24 Sep 2017 05:13:25 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Es gab mal eine Zeit – damals, ungefähr an dem Punkt der Historie, als große Schlachten um “den Ring sie zu knechten” ausgefochten wurden und in anderen Welten Affen um einen seltsamen Monolith hüpften – in der ich meine gehörten Podcasts nahezu wöchentlich verbloggte. Dann kam eine Zeit, in der ich dem nachtrauerte, stetig Besserung … <a href="https://jackers2cents.de/podcasts-durch-den-podcatcher-gejagt-24-2017/" class="more-link">Podcast(s): Durch den Podcatcher gejagt #24 (2017) weiterlesen →</a>]]></description>
<content:encoded><![CDATA[ Es gab mal eine Zeit – damals, ungefähr an dem Punkt der Historie, als große Schlachten um “den Ring sie zu knechten” ausgefochten wurden und in anderen Welten Affen um einen seltsamen Monolith hüpften – in der ich meine gehörten Podcasts nahezu wöchentlich <a href="http://jackers2cents.de/category/podcasts/filmpodcasts/">verbloggte</a>. Dann kam eine Zeit, in der ich dem nachtrauerte, stetig Besserung gelobte und die Beiträge doch immer seltener verfasste. Und jetzt ist es so weit, dass ich fast 9 Monate nix gemacht habe. Damn. Die ganze Zeit wurden natürlich fleißig weiterhin alle hörenswerten Episoden in Antennapod mit dem Favoriten-Stern versehen, aber zwischen (ebenfalls seltener gewordenen) schriftlichen Filmrezensionen, erstaunlich regelmäßigem Podcasting bei <a href="http://enoughtalk.de" target="_blank" rel="noopener">Enough Talk!</a> und der <a href="http://superherounit.de" target="_blank" rel="noopener">Superhero Unit</a>, sowie (was wohl der Hauptgrund ist) komplett veränderter Lebenssituation fand ich die Muße nicht. Wenn ich nun alles aus der gesamten Zeit in den Post haue, wird er so lang, wie mein ganzer restlicher Blog zusammen, von daher habe ich die Historie etwas ausgedünnt und versuche eine bunte Mischung zu präsentieren. Stell dir vor, du hast noch nie einen Podcast gehört, dann könnte dieser amazing-Post hier dein Einstieg sein. Viel Spaß mit einer, ohne jeglichen Aktualitäts-Anspruch (fast) wahllos zusammengestellten Auswahl von gehörtem Quality-Laber-Shizzle aus 2017 und davor.
 Filme & Serien 
<ul>
<li>Neu ausgecheckt: In der Post Bequatschung “quatscht” ein Haufen gut gelaunter Hosts über sehr viele Filme pro Episode. Obwohl mir die einzelnen Filme teilweise echt zu kurz kamen, plus ich teilweise die Aussagen etwas zu pauschal fand, gefiel mir die Chemie in <a href="http://postbequatschung.de/2017/06/04/post-bequatschung-001-awakening/">#01: Awakening</a> und ich höre auch in Zukunft wieder rein.</li>
<li>Auch neu ausgecheckt: Bitte Folgen | Der Serien-Talk. Ich mag Podcasts in denen gut gelaunt eine Menge Unsinn gesabbelt wird – glaubt man kaum, oder? Eben dieses tun der Blitz und Roger & Jonas (von Blumentopf) in ihrem spaßigen Format, in dem es auch ein Bißchen um Serien geht. Weil’s mein Einstieg war, hier <a href="https://soundcloud.com/bittefolgen/bitte-folgen-serientalk-s02e06">S02E06 zu Frontier (2016) & The Expanse</a>.</li>
<li>Bei Kino+ ging es in <a href="http://cdn.rocketmgmt.de/mp3/kino/kino_e036.mp3">Episode #36</a> um das vielschichtige Thema Kultfilme. Jeder nennt ein Paar persönlichwichtige Kandidaten und es wird viel diskutiert, was den Begriff eigentlich ausmacht.</li>
<li>Die CineCouch ist mittlerweile bereits fast bei Nr. 220 angekommen. Egal, weil ich es kann plugge ich hier das große Jubiläum: In <a href="https://cinecouch.net/2017/05/cinecouch-folge-200-frag-die-couch">Folge 200: Frag die Couch</a> konnten Hörer, Podcaster, Weirdos und Marsbewohner Fragen stellen, die die Bande dann beantwortete. Besonders Michi, die sich mit Anekdoten aus ihrer Flöten-Unterricht-, Debatierclub- & Pfadfinder-Vergangenheit als waschechter Punk herausstellt, hat mir ein Lächeln auf die Lippen gezaubert. Rischtisch jut war auch die (milde) Abrechnung mit dem Thema Blockbuster in <a href="http://cinecouch.net/2016/09/cinecouch-folge-170-blockbusterkino/">Folge 170</a>. Ja, sind schon meistens gar nicht mal so gut diese Filmchen.</li>
<li>Und nochmal neu ausgecheckt (endlich!): Die Archivtöne geisterten schon eine ganze Weile in meiner Twitter-Bubble rum und überzeugten mich mit ihrem Beitrag zum letztjährigen Spätfilm-Adventskalender restlos. Wie es sich gehört, habe ich mit der ersten Folge angefangen: <a href="http://xn--archivtne-67a.de/Archive/18">AT001: Lieblingsfilme und Victoria</a>. Sympathisch, kompetent, abonniert!</li>
<li>Bei Nerdtalk gibt es oft starke Diskussion und Film-Vorstellungen, ich könnte also jede zweite oder dritte Sendung hier aufnehmen. Aber… Die Nerdtalk Extended zum <a href="https://www.nerdtalk.de/14154-nerdtalk-extended-wie-schaut-ein-blinder-kino/">Thema Wie schauen Blinde Kino?</a> war einfach zu gut und verdrängt die regulären Sendungen in diesem Fall vom Pult. Wirklich spannende Einblicke in eine ganz andere Art Medien wahrzunehmen.</li>
<li>Ja, Christian hat in der Second Unit sowohl mit gelegentlichen Auftritten von ex-Host Tamino, wie auch zig anderen Gästen zigfach den Vogel abgeschossen. Die <a href="http://secondunit-podcast.de/?p=4226">Second Unit #223 – Arrival</a> nenne ich hier aber mal stellvertretend, weil es sehr rar ist, dass ein Film, den ich abgöttisch liebe für Tamino mal nicht “absolut dämlich” und mit maximal 2 Punkten bewertet ist. Die beiden steigen echt tief in die Materie ein und liefern der Tiefe des Films angemessen einen großartigen Podcast ab.</li>
<li>Ein Thema was mir am Herzen liegt: Bei Stichwort:Drehbuch wurde im Podcast ein Diskussionspanel zum Thema <a href="http://www.stichwortdrehbuch.de/podcast/2016-11-17_genrefilm-in-deutschland-realitaet-oder-fiktion">Genrefilm in Deutschland. Realität oder Fiktion?</a> veröffentlicht. Ich glaube fest an das deutsche Genre, die Sendung ist aber enorm aufschlussreich in puncto Stolpersteine & co. Das deutsche Genre könnte weit mehr florieren, wenn man Filmemacher einfach mal lassen würde!</li>
<li>Der letzte in der Kategorie neu ausgecheckt: Nachdem ich mit Nenad – seines Zeichens eine Hälfte der Bildnachwirkung – schon reichlich Kontakt auf Twitter hatte, wurde es Zeit, auch seine Sendung mal auf Herz und Nieren zu Prüfen. Auch hier habe ich mit der <a href="https://bildnachwirkung.libsyn.com/1-high-rise">Episode #1</a> begonnen – es geht es um Ben Wheatley’s HIGH RISE. Bestanden, ihr werdet weiter gehört! Weil die zwei gemütlichen Wiener mir gut zusagen, habe ich auch noch direkt die <a href="https://bildnachwirkung.libsyn.com/3-new-hollywood">Episode #3 </a>zum großen Thema New Hollywood nachgeschoben – schöne Filmauswahl. Mag ich, ist abonniert!</li>
</ul>
 
 Games 
<ul>
<li>Im Zuge meiner aktuellen, da ich mit dem ersten Run des Spiels durch bin und nun deutlich gemütlicher nochmal spiele, langsam abklingenden DARK SOULS-Obsession musste auch ein Podcast zum Thema her. Bonfireside Chat – A Dark Souls and Bloodborne Podcast heißt das Format, ist ziemlich unterhaltsam und, ganz im Sinne der SOULS-Reihe, auch verdammt lang – zu jeder Welt im Game gibt es eine Sendung. Den Start macht(e) <a href="http://www.bonfireside.chat/1">Episode 1: Basics, Asylum, and Firelink</a>. Mittlerweile bin ich allerdings schon zig Folgen drin.</li>
</ul>
 Politik, Netz & Gesellschaft 
<ul>
<li>Nach der fetten Ransomware-Attacke im Sommer hat sich auch Alternativlos dem Thema gewidmet – <a href="http://alternativlos.org/39/">ALT039: über Wannacry, Ransomware und Patches </a>. Schon verdammt perfide, diese ganze Sache. Und ich spreche nicht nur von der Malware, sondern auch den staatlichen Institutionen, welche Sicherheitslücken wissend in Kauf nehmen, um den großen Lauschangriff mit möglichst wenig Gegenwehr durchführen zu können.</li>
<li>Den Podcast Technische Aufklärung habe ich leider viel zu spät entdeckt, denn begleitende Sendungen zum “NSA-Untersuchungsausschuss” hätten mich sehr gereizt. Vereinzelt hatte ich noch Episoden gehört, doch nun ist das Ding (glaube ich) durch und mit <a href="https://technische-aufklaerung.de/ta058-unser-persoenliches-resuemee-zum-ausschuss/">TA058 – Unser persönliches Resümee zum Ausschuss</a> ein ernüchterndes Fazit gezogen. Ziemlich desaströs, wie der gesamte Vorfall (größtenteils nicht) aufgearbeitet wurde…</li>
<li>Selektiv nachgehört: In CRE <a href="http://cre.fm/cre100-das-internet-und-die-hacker">Ausgabe</a><a href="http://cre.fm/cre100-das-internet-und-die-hacker"> #100</a> zum Thema “Das Internet und die Hacker” erzählen Tim und ein weiterer “Zeitzeuge” schöne Anekdoten aus der frühen Phase dieser Kultur.</li>
<li>Neu ausgecheckt: In Fokus Europa erklärt uns (ebenfalls) Tim Pritlove mit wechselnden Gästen Europa und die EU. Besonders in Zeiten der undifferenzierten Rage von Rechts ein enorm wichtiges Format, das mir (Politik-n00b) einiges an spannenden Infos mitgeben konnte. In <a href="http://fokus-europa.de/podcast/fe001-geschichte-der-europaeischen-einigung/">FE001 – Geschichte der Europäischen Einigung</a> lernen wir erstmal, wie sich die Länder nach dem zweiten Weltkrieg überhaupt zusammenrauften und was die ersten Bündnisse waren, in <a href="http://fokus-europa.de/podcast/fe002-deutschland-und-europa/">FE002 – Deutschland und Europa</a> geht es speziell um die die Wiedereingliederung von Deutschland in die Gemeinschaft. Wenn man in Politik aufgepasst hat, ist das alles vielleicht common knowledge, für mich war es mega interessant.</li>
</ul>
 Special Interest 
<ul>
<li>Selektiv nachgehört: In Hoaxilla <a href="http://www.hoaxilla.de/hoaxilla-38-nazi-flugscheiben-aus-neu-schwabenland/">Episode #38</a> widmen sich Hoaxmistress und -master den “Nazi-Flugscheiben aus Neu-Schwabenland”, einer der wohl abstrusesten Verschwörungstheorien, um nicht zu sagen wilden Spinnereien, überhaupt. Wieder mal sehr informativ, welche Informationsbröckchen tatsächlich existieren und zu diesem Unsinn um-interpretiert wurden.</li>
<li>Bei Deutschlandfunk Kultur Zeitfragen wurde in einem <a href="http://www.deutschlandradiokultur.de/kapitulation-der-kuenste-der-reiz-des-scheiterns.976.de.html?dram:article_id=364481">Feature zur “Kapitulation der Künste”</a> das Scheitern reflektiert und die Frage ergründet, warum Kunst nicht scheitern darf, es aber muss um sich zu entwickeln.</li>
</ul>
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<title>Meinung: Media Monday #325</title>
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<pubDate>Mon, 18 Sep 2017 05:54:31 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Guten Morgen die Damen und Herren. Mal wieder widme ich den Montagmorgen meiner Teilnahme an Wulf’s Media Monday, heute in der Ausgabe #325. Ihr kennt den Deal, drüben im Medienjournal gibt es sieben Lückentexte, hier bei Jacker’s 2 Cents (und natürlich auch in zahlreichen anderen Blogs) werden sie mit Leben gefüllt. Ich hoffe, dass es … <a href="https://jackers2cents.de/meinung-media-monday-325/" class="more-link">Meinung: Media Monday #325 weiterlesen →</a>]]></description>
<content:encoded><![CDATA[ Guten Morgen die Damen und Herren. Mal wieder widme ich den Montagmorgen meiner Teilnahme an <a href="http://medienjournal-blog.de/2017/09/media-monday-325/" target="_blank" rel="noopener">Wulf’s Media Monday, heute in der Ausgabe #325</a>. Ihr kennt den Deal, drüben im Medienjournal gibt es sieben Lückentexte, hier bei Jacker’s 2 Cents (und natürlich auch in zahlreichen anderen Blogs) werden sie mit Leben gefüllt. Ich hoffe, dass es mir gelingt etwas gescheites beizutragen Habt eine schöne Woche!
<hr />
1. Wenn heutzutage noch immer Serien nur auf DVD und nicht auf Blu-ray veröffentlicht werden, fehlen mir dafür ehrlich gesagt die Worte! Gerade vorgestern war ich wieder eine Weile auf <a href="http://DVDbeaver.com" target="_blank" rel="noopener">DVDbeaver</a> und <a href="https://caps-a-holic.com">Caps-a-holic</a> unterwegs, um die internationalen Releases einiger italienischer Giallo-Klassiker zu vergleichen und habe wieder schmerzlich vor Augen geführt bekommen, wie extrem die DVD gegen die BluRay abstinkt. Wie auch nicht? Denn bei Scans analog gefilmter Quellen, mag ich gar nicht anfangen zu rechnen, wie viel hundert K man braucht, bis bei maximalem Zoom in das Bild auch Form des Filmkorns, etc. korrekt abgebildet sind. Die Grenze ist da das Atom. Bei digital, also heute mindestens in 4K gefilmtem Material, stellt die DVD ein Schrumpfen auf – festhalten – ein SECHZEHNTEL des Ausgangsmaterials dar – mehr braucht man wohl nicht sagen. Für mich ist die DVD tot und die Male, in denen ich aufgrund von fehlender Verfügbarkeit einer BluRay noch zu ihr greifen muss, nerven mich sehr. Das Bild ist einfach zu schlecht. Nicht suboptimal, nicht mittelmäßig, sondern einfach schlecht.
2. Den Mario Bava-Klassiker BLUTIGE SEIDE habe ich nach Jahren nun auch endlich mal gesehen und war, wie erwartet, schwer begeistert. Vom Film, nicht vom Master, welches VZ für das <a href="http://amzn.to/2jAW1wX">hübsche Mediabook</a> lizensiert hat. DaVerglichen mit den perfekten Schwarzwerten, etc. die man auf der britischen Arrow Video-VÖ vorfindet, zeigt die deutsche VÖ leider arge Defizite. Bei einem derartigen “Schund” (im besten Sinne) aus den 60ern, kann ich die Bildfehler, etc. zwar oft als “charmant” verbuchen, doch eine gelungene Restauration sieht einfach anders aus.
 3. Immer wenn ich Bademäntel sehe, bekomme ich regelrecht Lust den großartigen BIG LEBOWSKI zu sehen. Warum, könnt ihr im verlinkten Review lesen. 
4. BETTER CALL SAUL und FARGO sind seit Jahren (auch wenn es jeweils nur drei sind) quasi eine Konstante, schließlich empfinde ich die zwei Formate als die besten derzeit laufenden Serien und bin, auch wenn es dann bei VÖ gern trotzdem noch zwei Monate dauert bis ich sie tatsächlich sehe, im Vorfeld voller positiver Erwartung. Beide haben mich auch dieses Jahr wieder nicht enttäuscht, im Gegenteil, speziell die bittersüße Tragik im Werdegang eines Saul Goodman, hat mich sehr berührt.
 5. Ich packe meinen Koffer und übertreibe es mit Büchern maßlos. Ich habe im Vorfeld nie eine Ahnung, was es im Urlaub an Lesestoff sein soll, weswegen meistens mindestens zehn Bücher mitgeschleppt werden – Krankheit der Neuzeit, man will ja die Wahl haben. Im Endeffekt lese ich dann in der Regel eins. 
6. Die künstlich erzeugte Exklusivität mancher Serien/Filme, beispielsweise in Bezug auf unterschiedliche Streaming-/Premium-Anbieter nervt. Und hat mich noch nie dazu bewogen, irgendwo ein Abo abzuschließen. Im Gegenteil, solche Politik geht mir derart gegen den Strich, dass ich dann oft einfach verzichte und die Serie Serie sein lasse. Fusioniert die Streaming-Dienste, macht einen für alles (zahle ich auch gern 30+ € im Monat für) und gut ist. Schade nur, dass das nicht passieren wird.
7. Zuletzt habe ich die sechste Staffel SHAMELESS (US) begonnen und das war wieder ein herrlich skurriler Trip in die Welt der Gallaghers, weil ich, wie auch schon zuvor, stetig zwischen Lachen, Weinen und ungläubigem Kopfschütteln hin und her strauchelte. Nach wie vor ist das Format echt stark geschrieben, Sideplots passieren nicht einfach, sondern beeinflussen, kreuzen und verweben sich, so dass die gesamte Handlung ein lebendiges, atmendes Konstrukt ist. Weil die Figuren über die Zeit wirklich stark entwickelt wurden, wirkt das Ganze umso mehr aus einem Guss und die Handlungen sind aus dem Charakter dieses irren Haufens heraus motiviert. Außerdem habe ich mich sehr gefreut Sherilyn Fenn mal wieder zu sehen – schade, dass diese Frau nach TWIN PEAKS keine wirkliche Karriere gemacht hat.
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<title>Ein Paar Worte zu: Billy Lynn’s Long Halftime Walk (2016)</title>
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<pubDate>Fri, 15 Sep 2017 05:00:28 +0000</pubDate>
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<description><![CDATA[Billy Lynn’s Long Halftime Walk (IMDb) – Kriegsfilm/Drama, USA/China, 2016 – Regie: Ang Lee, Copyright (Titelbild, Bildausschnitte, Trailer): Sony Pictures Home Entertainment Review Ein Kriegsfilm, der sich komplett auf das Innerste (s)einer Figur(en) stürzt und im gleichen Zug noch absurde Propaganda-Mechanismen kriegsgeiler Nationen (hier USA) demontiert, müsste eigentlich genau mein Ding sein. Keine Gefahr der … <a href="https://jackers2cents.de/ein-paar-worte-zu-billy-lynns-long-halftime-walk-2016/" class="more-link">Ein Paar Worte zu: Billy Lynn’s Long Halftime Walk (2016) weiterlesen →</a>]]></description>
<content:encoded><![CDATA[<iframe loading="lazy" class="youtube-player" width="720" height="405" src="https://www.youtube.com/embed/mUULFJ_I048?version=3&rel=1&showsearch=0&showinfo=1&iv_load_policy=1&fs=1&hl=de-DE&autohide=2&wmode=transparent" allowfullscreen="true" style="border:0;" sandbox="allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-presentation allow-popups-to-escape-sandbox"></iframe> 
Billy Lynn’s Long Halftime Walk (<a href="http://www.imdb.com/title/tt2513074">IMDb</a>) – Kriegsfilm/Drama, USA/China, 2016 – Regie: Ang Lee, Copyright (Titelbild, Bildausschnitte, Trailer): <a href="http://www.sphe.de/" target="_blank" rel="noopener">Sony Pictures Home Entertainment</a>
<hr />
 Review 
Ein Kriegsfilm, der sich komplett auf das Innerste (s)einer Figur(en) stürzt und im gleichen Zug noch absurde Propaganda-Mechanismen kriegsgeiler Nationen (hier USA) demontiert, müsste eigentlich genau mein Ding sein. Keine Gefahr der Verlockung von heroisierendem Schlachten-Bullshit auf den Leim zu gehen, Kritik an dem, was hart kritisiert werden muss und hinten raus die richtige Aussage – klingt gut. 
 So viel zur Theorie. 
Denn auch wenn ich glaube, dass Ang Lee mit Billy Lynn’s über zwei Wochen ausgedehntem PR-Wirksamen Halbzeit-Spaziergang – was hier wohl nicht bloß die durch-inszenierte Halbzeit des Footballspiels, sondern seines persönlichen Erlebens des Krieges meint – zumindest zeitweise in besagte Richtung wollte, kommt emotional nicht wirklich viel bei mir an. Sein Trauma wird gestreift, die emotionale Zerstörtheit der verbliebenen Familie zuhause wird gestreift und auch die Zustände in einem Land, welches junge Männer nach wie vor über perfide Wege in den Krieg lotst, werden gestreift. Eine partielle Dekonstruktion des aufgebauschten Helden-Pathos gelingt dabei auch, BILLY LYNN schafft ein Gefühl dafür, wie verdreht und falsch es ist, dass ein Mensch für den “schlimmsten Tag seines Lebens“ auf Händen getragen und gefeiert wird, indem der Film immer wieder zwischen Absurdität und Beklemmung schwankende Szenen generiert, in denen sich Billy sichtlich unwohl fühlt.
Woran BILLY LYNN jedoch komplett scheitert, ist eine Positionierung zu dem untragbaren Zustand, dass ein Melden zum Dienst im Squad für viele Jugendliche und junge Erwachsene nach wie vor die schönere Alternative im Leben ist. Implizit ist natürlich auch dies derbe Kritik am grundlegenden System einer ganzen Nation, doch eben diese Kritik erscheint zu nüchtern, zu wenig angriffslustig, das Miteinander der Jungs in der Army fast wie eine Legitimation ihres Einsatzes. „Zuhause ist es kacke? Na dann haben die Jungs ja tatsächlich mit dem Krieg die beste Option gewählt…“.
Ich will nicht unterstellen, dass dies Absicht war, wahrscheinlich schaue ich auch einfach viel zu kritisch auf absolut alles, was mit dem dreckigen Schaffen kriegstreibender Nationen, speziell der USA, für die der Dauerzustand Krieg auch noch essentielle Triebkraft der eigenen Wirtschaft ist, zu tun hat, aber auf mich wirkte es nun mal so. Im Gesamtbild war mir BILLY LYNN wahrscheinlich einfach zu zahm, ZU subtil (speziell da ich in puncto Gesellschaftskritik, etc. ja eher Fan von Dampfhammer-Kandiaten vom Schlage <a href="http://jackers2cents.de/film-snowpiercer-2014/" target="_blank" rel="noopener">SNOWPIERCER</a> oder Terry Gilliam bin), um seine Aussagen effektiv an den Mann zu bringen.
<hr />
 Wertung 
5 von 10 weinend zurück gelassenen Schwestern 
<hr />
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